„Epoka (nie)dostępności” to nowa wystawa w Muzeum Narodowym w Krakowie, która otwiera oczy
Nowa wystawa w Muzeum Narodowym w Krakowie zmusza do refleksji nad kwestiami, które zbyt często umykają naszej uwadze.
„Epoka (nie)dostępności”, przygotowana we współpracy z Fundacją Avalon, to ekspozycja, która porusza temat codziennych barier, z jakimi mierzy się ponad 5 milionów Polaków z niepełnosprawnościami. Dostępność w interesie nas wszystkich Wysoki chodnik, brak windy czy nieczytelne napisy? Dla wielu to tylko drobne niedogodności, ale dla ponad 5 milionów Polaków z niepełnosprawnościami takie sytuacje są codzienną rzeczywistością. Ekspozycja w Muzeum Narodowym w Krakowie to głos w sprawie wszechobecnych barier — architektonicznych, informacyjnych czy zawodowych. Jak podkreślają organizatorzy, wystawa jest również przypomnieniem, że brak dostępności może dotknąć każdego z nas. Wystarczy spacer z dziecięcym wózkiem czy tymczasowa kontuzja. Wystawa „Epoka (nie)dostępności” już otwarta Oficjalne otwarcie wystawy miało miejsce 30 stycznia. W wydarzeniu uczestniczyli przedstawiciele Muzeum Narodowego w Krakowie, Fundacji Avalon oraz bohaterowie kampanii społecznej „Epoka Dostępności”. Ekspozycję, która potrwa do 30 marca, można oglądać w salach „XX+XXI Galerii Sztuki Polskiej”, a dwa dodatkowe obiekty znajdują się na placu przed Gmachem Głównym muzeum. Wystawa składa się z 11 obiektów, które symbolizują codzienne bariery w takich obszarach jak architektura, komunikacja, design czy życie zawodowe. Ciekawym elementem ekspozycji są obiekty zaprojektowane podczas warsztatów realizowanych w ramach UNIfestu — Festiwalu Projektowania Uniwersalnego, podczas którego projektanci wspólnie z konsultantami z niepełnosprawnościami tworzyli projekty odzwierciedlające problemy tytułowej „Epoki (nie)dostępności”. Helena Szczuka-Kalensky, kierowniczka działu komunikacji i promocji Fundacji Avalon, podczas otwarcia podkreślała wagę tego projektu: „Chcemy odesłać bariery do muzeum i sami odsyłamy do muzeum, które jest w dużej mierze naprawdę dostępne. Każdy z 11 eksponatów towarzyszy opowieść człowieka, który otworzył przed nami drzwi do swojego życia. Mam nadzieję, że te historie wywołają refleksję nad własnymi postawami”. Głos zabrał również Tomasz Ostrowski, zastępca dyrektora ds. strategii i komunikacji Muzeum Narodowego w Krakowie, zaznaczając, że muzea mają rolę nie tylko w opiece nad wspólnym dziedzictwem, ale też w nagłaśnianiu ważnych kwestii społecznych: „Muzeum Narodowe w Krakowie, kierując się społeczną wrażliwością, aktywnie angażuje się w inicjatywy wspierające integrację i budowanie wspólnoty”. Kampania na rzecz zmian Wystawa jest elementem kampanii społecznej „Epoka Dostępności” Fundacji Avalon, współfinansowanej ze środków PFRON.
Ikona surrealistycznej fotografii i muza Picassa. Dlaczego Dora Maar związek z malarzem przepłaciła zdrowiem?
Dora Maar to postać niezwykle fascynująca. Jej życie było pełne dramatycznych wydarzeń, a twórczość jest świadectwem niezwykłej siły i wrażliwości. Choć dziś jest najczęściej kojarzona jako muza Picassa, warto pamiętać, że była samodzielną artystką, której talent wykraczał daleko poza rolę kobiety u boku geniusza.
W tym artykule: Dora Maar – kim była? Dora Maar a surrealizm Dora Maar i Picasso – burzliwy romans i wzajemne inspiracje Jak zakończył się związek Dory Maar i Picassa? Najsłynniejsze dzieła Dory Maar Dora Maar – kim była? Dora Maar, a właściwie Henriette Theodora Markovitch, urodziła się 22 listopada 1907 roku w Chorwacji jako córka chorwackiego architekta oraz francuskiej właścicielki modnego butiku. W połowie lat 20. XX wieku zaczęła studiować sztuki piękne w Paryżu, uczęszczając do renomowanych szkół artystycznych, takich jak École des Beaux-Arts i Académie Julian. Była fotografką, malarką i poetką, a jej wpływ na sztukę surrealistyczną jest nieoceniony. Zmieniła swoje prawdziwe imię i nazwisko na Dora Maar w 1930 roku. Jej życie i twórczość są ściśle związane z jednym z najwybitniejszych malarzy XX wieku – Pablem Picassem. Dora Maar a surrealizm Dora Maar była przede wszystkim fotografką. Jej obiektyw pozwalał jej uchwycić zarówno piękno, jak i mroczne zakamarki rzeczywistości. W swoich pracach często wykorzystywała techniki charakterystyczne dla surrealistów: deformację, montaż, grę światłem i cieniem. Dzięki temu jej fotografie stawały się nie tylko dokumentacją rzeczywistości, ale również przenikaniem w głębiny ludzkiej psychiki. Jednym z najbardziej charakterystycznych elementów twórczości fotograficznej Dory Maar były surrealistyczne kolaże. Łącząc fragmenty różnych zdjęć, tworzyła oniryczne kompozycje, pełne symboli i ukrytych znaczeń. Te kolaże były wyrazem jej fascynacji podświadomością i marzeniami, a jednocześnie stanowiły komentarz do otaczającej ją rzeczywistości. Dora Maar była bliską współpracowniczką André Bretona, jednego z głównych teoretyków surrealizmu. Razem organizowali wystawy i publikowali w surrealistycznych czasopismach. Breton doceniał jej talent i oryginalność, widząc w niej godną następczynię takich mistrzów fotografii surrealistycznej jak Man Ray. „Dwie dusze twórcy ludowego” w Muzeum Etnograficznym w Warszawie. Wystawa, która zmienia sposób myślenia o sztuce ludowej Dora Maar i Picasso – burzliwy romans i wzajemne inspiracje Związek Dory Maar i Pabla Picassa był jednym z najbardziej intensywnych i burzliwych w historii sztuki. Jak się poznali? Tutaj nie ma pewności. Wiele wskazuje na to, że miało to miejsce w 1935 roku na planie filmu „Zbrodnia pana Lange” reżyserii Jeana Renoira, przy którym oboje pracowali. Przedstawił ich sobie Paul Éluard. Istnieje też druga wersja, jaką często podawali zarówno Dora Maar, jak i 26 lat starszy od niej Picasso, że do spontanicznego zapoznania doszło rok później, w kawiarni Les Deux Magot. A jeszcze trzecia wersja mówi, że Picasso miał szukać pretekstu do spotkania z Dorą po tym, jak zobaczył jej zdjęcie zrobione przez Mana Raya, więc pojawił się w owej kawiarni nieprzypadkowo. Jedno jest jednak pewne – ta relacja odcisnęła głębokie piętno na życiu i twórczości obojga artystów. Dora Maar i Picasso wzajemnie się inspirowali, jednak to artystka zawsze pozostawała w cieniu Wielkiego Geniusza, jak sama go nazywała. Uwieczniła go na około 1800 kliszach. Była również świadkiem procesu twórczego Picassa, szczególnie podczas tworzenia jego najsłynniejszego dzieła, „Guernica” (1937), które dokumentowała fotograficznie. Z kolei Picasso uwiecznił ją w wielu swoich pracach, w tym w serii portretów, takich jak słynny „Płacząca kobieta”, które przedstawiały ją jako osobę cierpiącą, smutną i udręczoną. Co ciekawe, Picasso tak właśnie nazywał Dorę Maar, jednak ona sama wiele razy wspominała, że nie potrafi płakać i nigdy nie uroniła nawet jednej łzy. Jak zakończył się związek Dory Maar i Picassa? Pablo Picasso, romansując z Dorą, był mężem Olgi Khokhlovej, z którą miał syna, oraz w związku z Marie-Thérèse Walter, z którą z kolei miał córkę. Dora zaś była bezpłodna, co malarz bardzo często jej wytykał. Wyśmiewał jej urodą oraz twórczość artystki, która miała skłonności do umniejszania własnego talentu. Picasso, który zasłynął nie tylko swoim talentem, ale też apodyktycznym i seksistowskim podejściem do kobiet, znęcał się nad swoją partnerką psychicznie, a czasem także fizycznie. Co więcej, czerpał ogromną satysfakcję z tego, że Dora Maar, jak i Marie-Thérèse były obsesyjnie zazdrosne o Picassa, doprowadzając pewnego dnia do bójki obu kobiet. Od tego momentu z relacja Dory i Picassa ewidentnie zmierzała ku końcowi. Gwoździem do trumny był kolejny romans artysty, gdy w 1943 roku zaczął spotykać się z młodszą o 20 lat Françoise Gilot. Koniec związku z Picassem Dora Maar przepłaciła załamaniem nerwowym. Oprócz depresji i nerwicy borykała się również z manią prześladowczą i paranoją. Zdiagnozowano u niej także początki schizofrenii. Spędziła długie miesiące w szpitalu, gdzie poddawana była wyczerpującej terapii elektrowstrząsami. W efekcie Dora zapominała, jak się nazywa i mówiła na siebie Królowa Tybetu. Początkowo Picasso niewzruszony tragicznym losem artystki i otwarcie nazywający ją wariatką, pod koniec lat 50. podarował jej dom w Ménerbes. Podobno powiedziała kiedyś: „Po Picassie, Bóg”, co było świadectwem jej wielkiej miłości do malarza, ale i wiary, bo pod koniec swojego życia Dora została katoliczką. Zmarła w wieku 89 lat w swoim paryskim mieszkaniu wypełnionym pracami Pabla, które ostatecznie trafiły do zbiorów Muzeum Picassa w Maladzie oraz Centrum Pompidou w Paryżu. Gabrielle Coco Chanel: Brigitte Bardot nazywała materialistką, a dziennikarki "pretensjonalnymi babami". A jednak to ona rozwiązała kobietom gorsety i włożyła im spodnie. Najsłynniejsze dzieła Dory Maar Dora Maar pozostawiła po sobie bogate i różnorodne oeuvre. Jej prace charakteryzują się głębią psychologiczną i niezwykłą wrażliwością. Jednym z jej najbardziej znanych dzieł Dory jest fotografia „Portret Ubu” z 1936 roku, przedstawiająca płód pancernika zatopiony w formalinie. To mroczne i prowokujące zdjęcie stało się ikoną surrealizmu. Inne ważne prace Dory Maar: „Karuzela nocą” – seria zdjęć ukazująca nocne życie Paryża w sposób poetycki i tajemniczy. Dora Maar uchwyciła na nich samotne postacie, oświetlone światłami ulicznych latarni, tworząc atmosferę melancholii i tęsknoty. „Bez tytułu (Ręka-muszla)” – surrealistyczny kolaż przedstawiający stopniowe przekształcanie się ludzkiej ręki w muszlę. Jest to metaforyczne przedstawienie połączenia człowieka z naturą i symbolizuje przemijanie oraz cykliczność życia. „Symulant” – kolejne ikoniczne zdjęcie, które doskonale oddaje klimat surrealizmu. Przedstawia ono mężczyznę z opatrunkiem na twarzy, co sugeruje zarówno fizyczne, jak i psychiczne cierpienie. „Mężczyzna sprawdzający studzienkę kanalizacyjną w Londynie” – to zdjęcie, wykonane podczas podróży do Londynu, jest przykładem zainteresowania Dory Maar marginesami społeczeństwa. „Wieloletnie kłamstwo czeka na ciebie” – to jedno z najbardziej enigmatycznych dzieł Dory Maar. Tytuł sam w sobie jest pełen napięcia i sugeruje skomplikowane relacje międzyludzkie. Dora Maar ma na swoim koncie znacznie więcej dzieł godnych uwagi. Choć często pozostawała w cieniu swojego słynnego kochanka, była niezwykle utalentowaną artystką, której twórczość wykraczała daleko poza rolę muzy Picassa. Czy Dora Maar była ofiarą, muzą czy niezależną twórczynią? To pytanie zadawano sobie już wielokrotnie. Jej życie i twórczość są jednak zbyt złożone, aby udzielić na nie jednoznacznej odpowiedzi. Jedno jest pewne: Dora Maar była kobietą niezwykłą, której dziedzictwo artystyczne przetrwało próbę czasu.
Miłośnicy sztuki, kupujcie bilety do Paryża. Tej wiosny startuje największa w historii wystawa prac Davida Hockneya
Fundacja Louis Vuitton szykuje prawdziwą gratkę dla fanów sztuki współczesnej – od 9 kwietnia do 1 września 2025 roku w Paryżu odbędzie się największa w karierze Davida Hockneya wystawa, która obejmie aż 11 sal zaprojektowanych we współpracy z samym artystą.
Fundacja Louis Vuitton w Paryżu zorganizuje wyjątkową wystawę retrospektywną Davida Hockneya – jednego z najważniejszych i najbardziej wpływowych artystów naszych czasów. Ekspozycja obejmie aż 400 prac, rozciągających się na siedem dekad twórczości. David Hockney, urodzony w 1937 roku w Bradford w Wielkiej Brytanii, zasłynął jako jeden z pionierów Pop Artu, choć jego twórczość znacznie wykracza poza ramy tego nurtu. Przez lata eksplorował najróżniejsze techniki i tematy, balansując między realizmem a abstrakcją. Jego ikoniczne obrazy, takie jak „A Bigger Splash” czy „Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)" - którego wartość osiągnęła rekordowe 90,3 miliona dolarów na aukcji Christie's w 2018 roku - łączą w sobie żywe kolory, geometryczne kompozycje i charakterystyczną dla niego lekkość w uchwyceniu codziennych scen. W latach 60. i 70. Hockney często malował baseny i portrety, które stały się jego znakiem rozpoznawczym. W późniejszych dekadach artysta eksperymentował z fotografią, kolażami i, jako jeden z pierwszych, z cyfrowymi mediami – tworzył nawet prace na iPadzie i iPhonie. Co znajdzie się na wystawie Davida Hockneya w Paryżu? Na wystawie w Fundacji Louis Vuitton zobaczymy prace w różnych technikach – od olejnych i akrylowych obrazów, przez rysunki tuszem, węglem i ołówkiem, po cyfrowe dzieła i immersyjne instalacje wideo. Ekspozycja podkreśli także interdyscyplinarny talent Hockneya jako scenografa, grafika i fotografa. Nie zabraknie również prac z ostatnich 25 lat, które rzadziej były prezentowane szerszej publiczności. Artysta osobiście zaangażował się w każdy aspekt przygotowań. „To wystawa o ogromnym znaczeniu, bo jest największą w mojej karierze – 11 sal w Fondation Louis Vuitton. Znajdzie się na niej także kilka moich najnowszych obrazów, nad którymi właśnie pracuję, i myślę, że będzie świetnie” – mówi Hockney.
Napędzani przez sztukę, czyli o Audi i Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie słów kilka
Nowe technologie przeniknęły już do każdej dziedziny życia. Nikogo chyba nie dziwi ich obecność w galeriach i muzeach. Współpraca Audi i Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie udowadnia, że te światy mogą nie tylko koegzystować w harmonii, ale też wzajemnie się przenikać i uzupełniać.
W tym artykule: Audi partnerem strategicznym MSN Synergia architektury, sztuki i nowych technologii Gra światła i cienia, bieli i czerni, zabawa geometrią, zaawansowany projekt, szlachetna prostota, konstrukcyjna lekkość zamknięta w solidnej bryle – te określenia opisują nie tylko gmach Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, ale też samochody Audi. Nic więc dziwnego, że nowo otwarta instytucja kultury połączyła siły ze słynną marką motoryzacyjną. Inaugurację trzyletniej współpracy przypieczętowała wyjątkowa sesja zdjęciowa i nagranie wideo z udziałem architekta MSN Thomasa Phifera, w którym opowiada o pięknie podróżowania w przestrzeni – na co pozwala zarówno architektura, jak i jazda samochodem. View oEmbed on the source website Audi partnerem strategicznym MSN Audi wspiera ideę „Muzeum Otwartego”, zakładającą dostępność sztuki i kultury dla jak największej liczby odbiorców. Dzięki kooperacji Muzeum z marką Audi wstęp na niemal wszystkie wydarzenia odbywające się na parterze budynku będzie przez najbliższe lata bezpłatny (podobnie było w przypadku wydarzeń otwarcia). Długofalowe, bo trzyletnie, zaangażowanie Audi we współpracę z MSN pozwoli na realizację w Muzeum wielu międzynarodowych projektów m.in. łączących nowe technologie, design i sztuki wizualne i na zbudowanie przestrzeni pełnej unikalnych doświadczeń dostępnych dla szerokiej publiczności. Synergia architektury, sztuki i nowych technologii Partnerstwo pomiędzy Audi a MSN jest próbą dialogu pomiędzy sztuką, architekturą, designem i nowymi technologiami. Po pierwsze, dla wszystkich tych dziedzin kluczowy jest interdyscyplinarny dialog. Muzeum zajmuje się badaniem i upowszechnianiem współczesnych zjawisk w sztuce i w obszarach jej pokrewnych, a projektantom marki Audi architektura, design, sztuka oraz badanie granic możliwości nowych technologii towarzyszą w codziennej pracy. Po drugie, zarówno gmach MSN, jak i pojazdy Audi są prostymi i czystymi formami. „Chcieliśmy budynku, który byłby silny, który tworzyłby wrażenie trwałości i solidności (...) Muzeum stopniowo materializowało się jako budynek na wskroś betonowy. Mam na myśli to, że fasada jest gruba i nośna; słupy i belki są masywne i ciężkie. W efekcie w środku i na zewnątrz jest to budynek wykazujący materialną integralność” – mówi architekt MSN Thomas Phifer. To samo zamiłowanie do solidnego rzemiosła, przejrzystości i funkcjonalności można zauważyć w designie samochodów Audi. Każdy ich element jest podporządkowany komfortowi użytkowania, bo – jak wyjaśnia Phifer – „doskonały detal to taki, który szanuje naturę materiału” . Po trzecie, wspólnym mianownikiem Audi i MSN jest uważne śledzenie zjawisk współczesnego świata i próba poszukiwania odpowiedzi na generowane wyzwania. Marka kładzie nacisk na ciągły postęp i zrównoważony rozwój. Z kolei Muzeum bacznie przygląda się rzeczywistości i wchodzi z nią w twórczy dialog. „Pasja do tworzenia innowacji, poszukiwania nowatorskich rozwiązań oraz ponadczasowego designu to wartości, które od wielu lat są fundamentem naszej działalności i doskonale wpisują się w partnerstwo z Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie” – potwierdza Łukasz Zadworny, dyrektor marki Audi w Polsce. Po czwarte, i w wizycie w muzeum, i w jeździe samochodem chodzi o doświadczenie. O odczuwanie przestrzeni wszystkimi zmysłami. Budynek Muzeum został pomyślany jako tło dla sztuki i spotkań (zgodnie z filozofią, że architektura w ogóle jest tłem dla ludzkiej działalności), a pojazdy Audi zachwycają możliwościami technicznymi i formą, ale nie są w tym ostentacyjne. Nie muszą nic udowadniać, bo dobry design obroni się sam. „Technologia stopniowo usuwa to, co nas rozprasza. Potęguje radość i piękno podróżowania w przestrzeni. Projektowanie jest katalizatorem, który rozbudza zmysły” – tłumaczy Thomas Phifer. Po piąte w końcu, w obu kluczową rolę odgrywa światło. „Podstawowym materiałem w tym projekcie jest światło. Zawieramy je w tej białej betonowej bryle” – mówi architekt o MSN. Sztuka i ludzie „stają się bardziej obecni w tej białej przestrzeni, która jest pojemnikiem na światło”. Jak podkreśla Phifer, „w każdej ciemnej przestrzeni potrzebujesz odrobiny światła, aby dostrzec głębię mroku (…) Pragniesz poruszać się między jasnością, półcieniem i cieniem, wzmacniając obecność światła w swoim życiu”. Modele Audi są natomiast projektowane tak, żeby każdy ich detal nie tylko przyciągał wzrok, ale wyglądał inaczej w zależności od tego, jak pada na niego światło. A jednocześnie wyróżniają się najwyższą jakością, trwałością, funkcjonalnością i rzemieślniczym kunsztem – tak jak każdy element budynku MSN. Współpraca Audi i Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie to to szansa na prezentację artystycznych projektów eksplorujących różne dziedziny sztuki. Te dwa odległe światy łączą się, by wspierać idee dostępności kultury i sztuki. Materiał promocyjny marki Audi
Wyjątkowa wystawa, spotkania z artystami, wykłady, prelekcje i warsztaty - już 7 i 8 grudnia w Warszawie w trakcie Artshow
Artshow to jedyna w swoim rodzaju wystawa, na której artyści wprowadzają zwiedzających w świat sztuki. W weekend 7 i 8 grudnia wydarzenie zagości w budynku HOP przy Chmielnej w Warszawie. Przez dwa dni na zwiedzających czekać będą setki prac twórców malarstwa, rzeźby, fotografii, grafiki i tkaniny artystycznej. W programie Artshow znajdą się także wykłady, prelekcje, pokazy artystyczne na żywo, a dla chętnych – warsztaty twórcze. Miłośnicy sztuki będą mogli zobaczyć trzy wystawy specjalne, porozmawiać z obecnymi na miejscu artystami oraz spotkać gwiazdy takie jak Julia Wieniawa, Aneta Kręglicka, czy Maciej Zień, którzy zapowiedzieli swoją obecność na wystawie.
W pierwszy weekend grudnia cztery piętra postmodernistycznego budynku HOP przy ul. Chmielnej 132/134 wypełnią się sztuką współczesną. Prawie dwustu artystów i pięć galerii wystawi tam swoje dzieła. Na zwiedzających czekać będą setki prac, a o szczegółach ich powstania opowiadać będą sami twórcy. Spotkania z artystami, podobnie jak wykłady o sztuce i pokazy malarstwa i rzeźby na żywo to już dobra tradycja Artshow. Czwarta edycja Artshow skupia się na nowych nazwiskach i wschodzących gwiazdach świata sztuki. To artyści z różnych pokoleń, którzy na Artshow często po raz pierwszy pokazują swoje dzieła szerokiej publiczności. Naszym celem jest nie tylko wprowadzić zwiedzających w świat sztuki, ale też dostarczać gościom emocji, wiedzy i umiejętności praktycznych. Stąd w programie wystawy są zarówno wykłady o inwestowaniu w sztukę, jak i warsztaty Artshow Creative, na których będzie można własnoręcznie zrobić rzeźbę, ceramikę, kolaż albo linoryt. Artshow wyrósł z idei jak najbliższego obcowania ze sztuką, dlatego ci, którym jest ona bliska, chętnie odwiedzają wystawę – zapowiada Ewa Mierzejewska, pomysłodawczyni i organizatorka wydarzenia. Wystawa z roku na rok rozbudowuje swój program i zaprasza do współpracy nie tylko artystów, ale też znanych i lubianych. W pierwszy weekend grudnia w jej przestrzeni będzie można spotkać między innymi Macieja Zienia. Jeden z najbardziej znanych projektantów mody i wnętrz tym razem da się poznać zwiedzającym jako współtwórca… rzeźby. Na Artshow po raz pierwszy zaprezentowana zostanie jego niezwykła rzeźba stworzona w tandemie z cenionym polskim rzeźbiarzem Tomkiem Górnickim. Sztuka to dla mnie esencja życia i sposób na wyrażenie najgłębszych emocji. Tworzenie pozwala mi nie tylko inspirować innych, ale także odkrywać nowe wymiary piękna i harmonii. Bez sztuki nie byłbym sobą – to ona definiuje każdy mój dzień i każdą moją decyzję – zdradza Maciej Zień, zapraszając do odwiedzenia wystawy Wystawy specjalne na Artshow – Helmut Newton, Viva! Emotions i młoda sztuka Tegoroczna, czwarta edycja Artshow, ma bardzo bogaty program wydarzeń towarzyszących. Wielbiciele twórczości Helmuta Newtona z kolekcji Archicom Collection z pewnością z chęcią obejrzą zbiór oryginalnych fotografii artysty, miłośnicy młodej sztuki nie ominą wystawy prezentującej twórczość studentów warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych z wydziałów malarstwa i rzeźby, a ci, którzy cenią emocje w sztuce, z przyjemnością zajrzą na wirtualną wystawę Viva! Emotions, prezentującą zdjęcia polskich gwiazd z archiwum magazynu Viva!. Sztuka ma moc czynienia świata piękniejszym, a swoich odbiorców bardziej wrażliwymi. Otwiera nam głowy i serca, rozbudza emocje, sprawia, że stajemy uważniejszymi obserwatorami. Szukam jej nie tylko w pracy, ale też w życiu codziennym. Wiem z doświadczenia, że bycie artystą wymaga odwagi i determinacji, co jest szczególnie trudne w przypadku młodych ludzi, dlatego całym sercem wspieram takich utalentowanych twórców i kiedy tylko mogę, bywam na wydarzeniach artystycznych, które dają szansę młodym twórcom – mówi Julia Wieniawa, aktorka i piosenkarka, którą także będzie można spotkać w przestrzeni Artshow. Artshow - lubię tu być Nowością grudniowej edycji wystawy będą biletowane warsztaty artystyczne z rzeźby, kolażu, ceramiki i grafiki prowadzone przez doświadczonych w pracy edukacyjnej artystów. Wystarczy tylko odrobina odwagi i chęci, by wyjść z Artshow z własnoręcznie zrobionym obiektem artystycznym. Chętni będą mieli okazję zrobić rzeźbę, ceramikę, kolaż albo linoryt, doświadczyć nowych emocji, popracować nad kreatywnością, a przy okazji zredukować stres i poprawić sobie nastrój. Tego typu obcowanie ze sztuką to najlepsza forma arteterapii. Artshow – lubię tu być. Sztuka zawsze mnie zatrzymuje i skłania do refleksji, a ja kocham ten stan. Zastanawiać się, analizować, doszukiwać, by zrozumieć, to wspaniały proces. A sztuka jest znakomitym do tego pretekstem. Eviva l’arte! – przypomina Miss Świata Aneta Kręglicka, zapowiadając, że w grudniu po raz kolejny odwiedzi Artshow. Lista artystów i galerii biorących udział w wydarzeniu oraz szczegółowy program Artshow dostępny jest na stronie. ARTSHOW – 3000 METRÓW SZTUKI I EMOCJI Miejsce: budynek HOP, ul. Chmielna 132/134, Warszawa Data: 7 - 8 grudnia 2024 r. Godziny otwarcia: 10:00 - 20:00 Bilety: dostępne w kasach w dniu wydarzenia oraz na stronie organizatora.
Zimowe Targi Rzeczy Ładnych już w ten weekend w Warszawie! 300 wystawców i największe przedświąteczne targi stolicy przez dwa dni w EXPO XXI
Już w najbliższy weekend 30.11 - 1.12 w Warszawie odbędzie się wydarzenie uwielbiane przez wszystkich estetów. TRŁ ZIMA! - najbardziej kultowa edycja Targów Rzeczy Ładnych. W warszawskiej hali EXPO XXI spotka się z Wami 300 wyselekcjonowanych marek i projektantów tworzących sztukę użytkową. To prawdziwe święto polskiego designu i obowiązkowy punkt na przedświątecznej mapie Warszawy. Tegoroczną edycję TRŁ ZIMA uświetni wręczenie nagrody za DEBIUT ROKU TRŁ.
Wielki finał najlepszego roku w historii TRŁ już 30 listopada i 1 grudnia w hali EXPO XXI w Warszawie. To będzie wydarzenie sezonu. Ponad 300 wystawców, 10 stref tematycznych, 60 znakomitych debiutów i tysiące pomysłów na prezenty dla siebie i bliskich. MEBLE, CERAMIKA, PLAKATY, LAMPY, TEKSTYLIA, STREFA WELLNESS i EKO, BIŻUTERIA, PRODUKTY DLA DZIECI i butikowa strefa DELI - to wszystko przez dwa dni będzie czekało na tysiące gości w EXPO XXI. Takiej edycji Targów Rzeczy Ładnych nie pamiętamy! - mówią organizatorzy TRŁ, Ajka Mroczkowska, Anna Pruszyńska i Paweł Stremski - Z rozmachem świętujemy najlepsze 12 miesięcy w historii TRŁ i jesteśmy dumni, że przez dwa gorące "blackfriday'owe" dni w EXPO XXI w jednym miejscu zobaczycie tysiące, TYSIĄCE ładnych rzeczy od najlepszych nazwisk i marek, które zachwyciły by nie tylko Warszawę, ale i Berlin, Kopenhagę i Amsterdam. Najlepsza lista wystawców. Legenda z Bolesławca, nowa marka Oli i Michała Żebrowskich i SETKI porywających stoisk z polskim designem! W ogromnej strefie CERAMIKI będzie czekało ponad 60 firm w tym legendarna MANUFAKTURA W BOLESŁAWCU, której stoisko zawsze zachwyca połączeniem klasyki i nowoczesności, kultowe ÅOOMI STUDIO, zjawiskowe GROOVI, ukochana marka ceramiczna instagrama, czyli TRZASK CERAMICS, oraz niepodrabialne LOOK AT ME PLATES Magdy Pilaczyńskiej, która właśnie na TRŁ ZIMA! zaprezentuje swoją najnowszą kolekcję. Butikowe szkło pokażą m.in. znakomita GWIAZDA STUDIO, ale też marka ŠKIELKO, która wynajduje najciekawsze szklane produkty z czeskich hut. Równie imponująca strefa PLAKATU zgromadzi największe ilustratorskie nazwiska z całej Polski. Obok BARTOSZA KOSOWSKIEGO - DAWID RYSKI, obok PAWŁA JOŃCY - SUSIE HAMMER, obok ADAMA KOSIKA - MACIEK POLAK. Obok największych gwiazd plakatu będą też obiecujący debiutanci, tacy jak GIGI ROSADO, czy LIS KULA ALEK MORAWSKI. Na miejscu także duży wybór książek o designie, sztuce i architekturze, od wydawnictw takich jak KARAKTER, czy ZNAK, oraz piękne zagraniczne albumy o sztuce i designie z całego świata od księgarni BOOKAREST, (1001)DISPATCH i JAK WAM SIĘ PODOBA. Nie zabraknie też kalendarzy i notesów, z kultowymi minimalistycznymi markami KAL i I BELIEVE IN PAPER na czele. Strefę MEBLE i LAMPY wypełnią marki i projektanci, którzy w tym roku zachwycają polski świat designu świeżością, kolorem i energią. Kolorowe meble i lustra marki HOGAI DESIGN staną zaraz obok polskiej klasyki - lamp TAR zaprojektowanych przez Tomasza A. Rudkiewicza. Utrzymane w klimacie lat 70. lampy od NO BEIGE FEELINGS staną obok innowacyjnych mebli EISKU. Nowa kolekcja ceramicznych kinkietów od NODI STUDIO będzie zachwycała w sąsiedztwie totemowych, pełnych koloru obiektów DINGFLUX BY ASIA PIAŚCIK. Przez dwa dni EXPO XXI stanie się największą w tym roku prezentową strefą w Polsce. Dziesiątki tysięcy pomysłów na oryginalne i jakościowe prezenty zaspokoją każdą fankę i każdego fana polskiego designu. Pełna lista wystawców robi wielkie wrażenie - szczególnie wyjątkowi debiutanci! Po raz pierwszy na TRŁ swoje marki zaprezentują OLA i MICHAŁ ŻEBROWSCY. Olę spotkacie na stoisku jej autorskiego kobiecego butiku FRANCIS & HENRY, a tuż obok zobaczycie jeszcze gorącą markę F’ALKO, serwującą bezalkoholową alternatywę dla musującego wina. Wydarzeniem będzie też premiera marki FRANKA MOMENTS - to wymyślony w każdym detalu koncept designerskich domowych akcesoriów i tekstyliów, stworzonych w Krakowie. Atrakcją tej edycji Targów Rzeczy Ładnych będzie stoisko marki YAMANN.PL, na którym będzie można poczuć się jak w muzealnych sklepach nowojorskiego MoMA, londyńskiej Tate Modern, czy paryskiego Centrum Pompidou. We wszystkich tych miejscach można znaleźć produkty marek, które zagoszczą w ten weekend na TRŁ, m.in. notatniki NUUNA z Frankfurtu, artystyczne torby LOQI, szaloną ceramikę z barcelońskiego studia DOIY DESIGN i skarpetki zaprojektowane tak, żeby wyglądały jak… potrawy od EAT MY SOCKS. TRŁ ZIMA! to jak zawsze morze inspiracji i prezentowych pomysłów z różnych dziedzin - spodziewajcie się najciekawszych książek dla dzieci od topowych wydawnictw takich jak DWIE SIOSTRY, czy WYTWÓRNIA; oryginalnych domowych tekstyliów i ubrań; autorskich marek z biżuterią i ekologicznymi kosmetykami, roślin oraz delikatesów. Kto zdobędzie nagrodę na Debiut Roku? Podczas tej edycji targów po raz drugi zostaną przyznane nagrody za najlepszy DEBIUT ROKU na Targach Rzeczy Ładnych. Na liście 15 nominowanych znalazły się lokalne marki meblowe NC.FORM, OTOTO FURNITURE, EISKU i PLENER, ceramika AGATY PUŁAWSKIEJ i marka GROOVI, są też twórcy ilustracji - LIS KULA ALEK MORAWSKI, GIGI ROSADO i MAŁGORZATA BIEROZA, lampy BLUBA STUDIO, BAAURA, NO BEIGE FEELINGS i DINGFLUX BY ASIA PIAŚCIK, a także oryginalne akcesoria od FOPPA oraz ręcznie tworzone notesy PAPER CHARM ATELIER. Zwycięzca otrzymają ceramiczną statuetkę zaprojektowaną przez ARKADIUSZA SZWEDA ze School of Form, współzałożyciela kolektywu GLITCH LAB. Do zobaczenia już w najbliższy weekend! TRŁ ZIMA! - WIELKI FINAŁ ROKU Kiedy: 30 listopada -1 grudnia, w godzinach 11:00 - 19:00 Gdzie: EXPO XXI, ul. Prądzyńskiego 12/14, Warszawa Bilety: 20 zł (online i w kasach przed wejściem) Dzieci do lat 12 wchodzą bezpłatnie.
Zdrowie psychiczne oczami młodych artystów - wernisaż charytatywny wystawy (bez) troska już 10 października w Warszawie
Światowy Dzień Zdrowia Psychicznego, przypadający na 10 października, ma na celu zwiększenie świadomości społeczeństwa w zakresie profilaktyki zaburzeń psychicznych. Wystawa (bez)troska, którą będzie można zobaczyć w Warszawie już od 10 października, jest interpretacją kryzysu psychicznego przedstawionego oczami młodych twórców.
Psychiatria jest najbardziej niedofinansowaną dziedziną ochrony zdrowia w Polsce. Powodem zbyt małej dostępności do leczenia psychiatrycznego jest zbyt mała liczba psychiatrów oraz niedoinwestowanie tej dziedziny w ramach publicznej opieki zdrowotnej. Ze statystyk policyjnych wynika, że w wyniku śmierci samobójczej ginie w naszym kraju więcej osób niż w wypadkach drogowych. Największy problem jednak dotyka dzieci oraz młodzieży, według danych zebranych przez fundacje GROW Space w 2023r. w Polsce jest obecnie tylko 555 czynnych lekarzy psychiatrów specjalizujących się w leczeniu najmłodszych pacjentów. By się do nich dostać na NFZ, trzeba czekać w kolejce nawet kilka lat. W tym czasie niektóre dzieci zdążą już dorosnąć lub umrzeć. Z powodu niezbyt optymistycznych danych odnośnie zdrowia psychicznego młodych Polaków narodził się pomysł na projekt “(bez) troska”. Na wystawie zaprezentujemy ponad 20 prac studentów grafiki, ale także młodych artystów, którzy zinterpretowali temat zdrowia psychicznego, kryzysów, sposobów radzenia sobie z nimi - niektóre powstały jako komentarz, niektóre wyrosły z arte-terapeutycznych działań. Prace będą obejmowały takie dziedziny sztuki jak grafika, malarstwo, fotografia, kolaż. Inicjatywa ma na celu nagłośnienie jak niezwykle istotnym elementem naszego funkcjonowania jest samopoczucie psychiczne, i jak ważne jest, aby go nie bagatelizować. Ma także na celu pokazanie, że każdy z nas radzi sobie inaczej z trudności, natomiast ważnym krokiem jest ich świadomość i brak wstydu, aby poprosić o pomoc, bo przy odpowiednim leczeniu, opiece oraz wsparciu bliskich można je przezwyciężyć. Cała inicjatywa ma charakter charytatywny, wszystkie prace z wystawy będą na sprzedaż, a zebrany fundusz zostanie przekazany na pomoc fundacji Dajemy Dzieciom Siłę. W ramach wystawy, w sobotę 12 października o godz. 14:00 również w klubogalerii Łysy Pingwin, odbędą się bezpłatne warsztaty arteterapuetyczne, które poprowadzi Monika Ewa Wójtowicz, artystka, zajmująca się głównie malarstwem, live-paintingiem, body paintingiem, charakteryzacją i custom made. Uczestnicy warsztatów będą mieli możliwość wyrazić swoje emocje poprzez kolory, malując na skrawkach materiałów, które później będą mogli naszyć na element garderoby. Plan wydarzenia: Wernisaż (bez)troska: 10 października godz. 19:00, Klubokawiarnia Łysy Pingwin, Warszawa, ul. Ząbkowska 11 Wystawa charytatywna: od 10 października do 15 października Bezpłatne warsztaty arteterapeutyczne: 12 października, godz. 14.00, Klubokawiarnia Łysy Pingwin, Warszawa, ul. Ząbkowska 11 Wydarzenie organizowane jest pod patronatem: ELLE, Chilli Zet, KMAG, Pismo Magazyn Opinii, Charaktery Magazyn Psychologiczny, Fundacja Galeria Przechodnia, GoOut.pl
Wyjątkowa wystawa, na której miłośnicy sztuki spotykają artystów. Ponad 1000 obrazów, rzeźb i fotografii do obejrzenia w Warszawie
Jeśli zbliżająca się wielkimi krokami wiosna obudziła w was chęć kontaktu nie tylko ze sztuką, ale także jej twórcami, zapiszcie w kalendarzu weekend 2-3 marca. Do stolicy wraca Artshow, czyli jedyna w swoim rodzaju wystawa łącząca artystów z odbiorcami ich dzieł. Równie chętnie wybierzecie się do kina? Świetnie się składa, bo trzeciej edycji wydarzenia towarzyszyć będzie festiwal filmowy.
W tym artykule: 3. edycja wystawy Artshow wraca do Warszawy na wiosnę Festiwal filmów o sztuce pięknej i spotkanie z Agnieszką Grochowską 3. edycja wystawy Artshow wraca do Warszawy na wiosnę Wiosenna odsłona Artshow to szereg aktywności dla entuzjastów sztuk pięknych. Organizatorzy zamienili trzy piętra warszawskiej Kamienicy Karskich przy ulicy Wiejskiej 19 w niezwykłą przestrzeń wystawową. W ramach Święta Sztuk Pięknych, bo właśnie taką nazwę nosi marcowa edycja, goście będą mieli okazję zapoznać się z pracami ponad stu współczesnych artystów i kilku cenionych galerii z całego kraju. Na liście nazwisk znaleźli się m.in. Edward Dwurnik, Katarzyna Kozyra, Dorota Nieznalska, Natalia LL, Ewa Partum, Zofia Kulik i Marek Okrassa. Zgodnie z tradycją w stolicy pojawią się autorzy większości obrazów, grafik, rzeźb oraz fotografii. Na miejscu odkryjesz więc młode talenty i poznasz uznanych mistrzów o ciekawym dorobku. To jednak nie wszystko. W harmonogramie uwzględniono warsztaty, panele dyskusyjne, wykłady oraz pokazy malowania i rzeźbienia na żywo z Magdaleną „Maleną” Jankowską i Michałem Sołtanem, wokalistą znanym z „The Voice of Poland”. Co więcej, większość prezentowanych na Artshow obiektów jest wystawiona na sprzedaż. Jeżeli chcesz wzbogacić swoją kolekcję, możesz skorzystać z porady eksperta, porozmawiać z artystą i dokonać zakupu. Festiwal filmów o sztuce pięknej i spotkanie z Agnieszką Grochowską Dodatkowo między 2-5 marca atrakcje czekają w stołecznej Kinotece. Kino w PKiN zostało gospodarzem festiwalu filmowego poświęconego sztuce. „Chcemy pokazać, jak wiele twarzy ma sztuka i jak różnorodnych emocji może nam dostarczyć. Oprócz prawie 1000 obrazów, rzeźb i grafik nasi goście będą mogli oglądać także filmy” – zapowiada pomysłodawczyni przedsięwzięcia, Ewa Mierzejewska. Twarzą Artshow Film Festival została Agnieszka Grochowska. Gwiazda również osobiście weźmie udział w wydarzeniu. „Połączenie różnych dziedzin sztuki jest dla mnie naturalne. My, artyści, wszyscy się nawzajem inspirujemy. Nie byłoby dobrego kina bez historii malarstwa. Dla mnie narzędziem działania nie jest płótno – jestem nim ja sama” – mówi aktorka, którą obecnie możemy oglądać w kinach w roli Pułkownikowej z historycznej produkcji „Kos”. W repertuarze znajdziecie wyselekcjonowane tytuły, takie jak „Apolonia Apolonia” „Twarze, plaże”, „Ile za sztukę?”, „The Square”, „Helmut Newton, Piękna i Bestia”. W oczekiwaniu na seans udajcie się na antresolę, gdzie swoje obrazy zaprezentują studenci Akademii Sztuk Pięknych. Ekipa Artshow zaplanowała jeszcze jedną niespodziankę. Każdy, kto zakupi wejściówkę, stanie przed szansą wygrania interesującej nagrody. W instagramowym konkursie do zdobycia będzie wynajem nowego Lexusa LBX na okres 3 miesięcy. Bilety na wydarzenie są już dostępne na artshowevents.pl i kinoteka.pl. TOP 6 najważniejszych wystaw na świecie, które będzie można zobaczyć w 2024 roku
"Beksiński.live" wydarzenie, które ożywi prace malarza przy akompaniamencie największych polskich artystów
Już niebawem w trzech miastach w Polsce odbędzie wyjątkowe audiowizualne wydarzenie. Prace jednego z najwybitniejszych współczesnych polskich malarzy zostaną ożywione przy pomocy sztucznej inteligencji i zaprezentowane widowni przy akompaniamencie muzyki na żywo.
Beksinski.live: spotkanie sztuki cyfrowej ze sztuką dźwięku i obrazu W przestrzeni ogromnych hal zostanie pokazane wprawione w ruch i przepuszczone przez filtr nowoczesnych technologii malarstwo Zdzisława Beksińskiego. Wizualnej uczcie towarzyszyć będzie koncert muzyki na żywo z udziałem największych gwiazd polskiej sceny muzycznej- w tym Nosowskiej, Błażeja Króla, O.S.T.R. oraz Roguckiego. Spektakle będzie można zobaczyć w trzech miastach w Polsce we Wrocławiu (6.11/ hala stulecia), Warszawa (8.11/ COS Torwar) oraz w Katowicach (1.12/ Spodek). View oEmbed on the source website "Za warstwę muzyczną projektu odpowiadają Michał Wasilewski oraz Wishlake, którzy stworzyli niezwykle poetycką, wrażeniową interpretację malarstwa Beksińskiego. Wokaliści, zainspirowani dziełami malarza, staną się głosami i drogowskazami w tej nowej artystycznej rzeczywistości, która zaciera granice między jawą a snem, przenosząc widzów w inny wymiar". Warstwę wizualną przy pomocy sztucznej inteligencji stworzy Mariusz Kulma. Hipnotyzujące animacje stworzone na bazie twórczości Beksińskiego z akompaniamentem muzycznym przeniosą widza w intrygujący świat jego mrocznych fantazji. Więcej informacji oraz bilety można znaleźć na stronie www.beksinski.live.
Serce człowieka, w ciągu życia, bije średnio 2,5 miliarda razy i mimo, że liczba ta wydaje się ogromna, to jednak jest ograniczona. Tak jak ilość oddechów, ekscytujących chwil i wspomnień, które można kolekcjonować. Do tych wątków związanych z przemijalnością, a jednocześnie potrzebą korzystania z chwili i życia w pełni nawiązuje najnowszy cykl „Ekscytacja serca” AGNES MAJ.
Kolekcję malarki, związanej na co dzień z MAG Modern Art Gallery, można oglądać do 2 listopada w Warszawa Wschodnia by Mateusz Gessler, a następnie w Hali Koszyki, w restauracji Ćma. Kolejną wystawę, prezentującą obrazy z cyklu „Akty lekkości” zobaczymy w Galerii Bluszcz, w Podkowie Leśnej (25.11-30.01). Obrazy AGNES MAJ są opowieścią o potrzebie uchwycenia tego, co najbardziej ulotne. Jak mówi: „Filozoficzne Carpe diem Horacego (chwytaj chwilę) dziś wybrzmiewa z nową siłą, bowiem doświadczenia ostatnich lat pokazały nam, jak niepewna może być przyszłość, a rzeczy materialne szybko mogą przeminąć. W tym kontekście tak istotna jest potrzeba doceniania każdego dnia. Pytania, jakie stawiam sobie i odbiorcom to: ile ekscytujących chwil przeżyłeś(aś)? Ile momentów sprawiło, że rytm twojego serca przyspieszył? Jako odpowiedź nie zawsze pojawiają się tylko dobre wspomnienie. Ten cykl ma też w sobie nutę stoicyzmu i refleksji nad obecnymi czasami, kiedy szybszy rytm serca może być również spowodowany trudniejszymi doświadczeniami”. „Ekscytacja serca” to cykl w wielu odcieniach niebieskiego, wzbogacony o jeden, czy dwa mocniejsze akcenty kolorystyczne. Wyróżnia go ekspresja wyrazu i zdecydowane strzeliste formy. Trójkąty widoczne na obrazach są symbolem emocji i uczuć: wypływających, przenikających się, wyrażanych lub ukrytych. Według artystki to właśnie sztuka ułatwia ludziom dotarcie do najdelikatniejszych pokładów uczuć, do emocjonalności i wrażliwości. Umożliwia zatrzymanie się w codziennym biegu, bycie „tu i teraz”, aby doświadczać życia wszystkimi zmysłami.