AI jako cyfrowy władca. Nowy film Agnieszki Smoczyńskiej może być jednym z najciekawszych thrillerów roku. Już świętuje sukces w USA
Agnieszka Smoczyńska wraca z filmem „Hot Spot”. Futurystyczny thriller science fiction o świecie rządzonym przez sztuczną inteligencję będzie miał premierę na prestiżowym festiwalu w Montrealu.
Agnieszka Smoczyńska wraca z kolejnym międzynarodowym projektem. Po sukcesach „Córek dancingu”, „Fugi” i „Silent Twins” reżyserka prezentuje „Hot Spot”, futurystyczny thriller science fiction z polsko-greckim zapleczem produkcyjnym i obsadą, gdzie znaleźli się m.in. Andrzej Konopka, Noomi Rapace oraz Reika Kirishima. Film zostanie po raz pierwszy pokazany publiczności podczas Fantasia International Film Festival w Montrealu, jednego z najważniejszych festiwali kina gatunkowego w Ameryce Północnej. W tym artykule: „Hot Spot”: o czym jest nowy film Agnieszki Smoczyńskiej? Kto wystąpi w filmie „Hot Spot”? „Hot Spot” z premierą na Fantasia International Film Festival Kiedy można obejrzeć „Hot Spot” w kinach? „Hot Spot”: o czym jest nowy film Agnieszki Smoczyńskiej? „Hot Spot” przenosi widzów do niedalekiej przyszłości, gdzie porządek społeczny wyznacza świadoma sztuczna inteligencja. Głównym bohaterem jest prywatny detektyw prowadzący śledztwo w sprawie morderstwa. Sprawa szybko okazuje się jednak znacznie bardziej skomplikowana, niż mogłoby się wydawać. Trop prowadzi do grupy rebeliantów, którzy mogą zagrozić władzy cyfrowego systemu. Im głębiej bohater wnika w śledztwo, tym mocniej zaciera się granica między prawdą, kontrolą i iluzją. Nowy projekt Smoczyńskiej zapowiadany jest jako mroczny, futurystyczny thriller, który łączy kino gatunkowe z bardzo aktualnym tematem sztucznej inteligencji. To historia osadzona w świecie rządzonym przez algorytmy, ale też opowieść o lękach coraz częściej towarzyszących współczesności: utracie kontroli, zależności od technologii i pytaniu, kto naprawdę podejmuje decyzje w cyfrowej rzeczywistości. Kto wystąpi w filmie „Hot Spot”? Za scenariusz „Hot Spot” odpowiada Robert Bolesto. Film jest polsko-grecką koprodukcją. Po stronie polskiej za projekt odpowiadała firma Madants wraz z partnerami, a po stronie greckiej Neda Film. Wśród producentek znalazły się Bogna Szewczyk-Skupień i Klaudia Śmieja-Rostworowska z Madants oraz Gregory Jankilevitsch. W obsadzie pojawią się nazwiska dobrze znane fanom kina autorskiego i gatunkowego. Andrzej Konopka, prywatnie mąż Agnieszki Smoczyńskiej, występował już m.in. w „Córkach dancingu”. Noomi Rapace widzowie kojarzą z „Dziewczyny z tatuażem” i „Prometeusza”, a Reikę Kirishimę z „Drive My Car” oraz „Norwegian Wood”. „Hot Spot” z premierą na Fantasia International Film Festival Światowa premiera „Hot Spot” podczas Fantasia International Film Festival jest ważnym sygnałem dla branży. Montrealski festiwal, organizowany od 1996 roku, uchodzi za jedno z najważniejszych miejsc prezentacji horroru, science fiction, fantasy i kina kultowego. Swoje tytuły pokazywali tam m.in. Bong Joon-ho, Guillermo del Toro i Park Chan-wook. Agnieszka Smoczyńska od lat konsekwentnie buduje pozycję jednej z najbardziej wyrazistych polskich reżyserek na międzynarodowej scenie. Jej pełnometrażowy debiut „Córki dancingu” zdobył nagrodę za najlepszy debiut podczas Festiwalu Polskich Filmów Fabularnych w Gdyni. Później powstała „Fuga”, a następnie anglojęzyczne „Silent Twins”, które zdobyło Złote Lwy w Gdyni. Smoczyńska współtworzyła także pierwszy polski serial Netfliksa, „1983”, oraz pracowała przy serialu „Warrior Nun”. Kiedy można obejrzeć „Hot Spot” w kinach? Amerykańska premiera kinowa „Hot Spot” została zaplanowana na 21 sierpnia. Tytuł trafi do kin w tym samym terminie co kilka innych głośnych produkcji, m.in. thriller „The Rivals of Amziah King”, komedia „Spa Weekend”, horror „Naznaczony: Wyjście z mrocznego wymiaru” oraz sensacyjny „Buntownik” z Jasonem Stathamem. Wszystko wskazuje na to, że „Hot Spot” będzie jednym z tych filmów, które wpisują się w najważniejsze współczesne rozmowy o technologii, przyszłości i granicach ludzkiej wolności. W rękach Smoczyńskiej science fiction może jednak stać się czymś więcej niż efektowną wizją świata po cyfrowej rewolucji. To zapowiedź kina niepokojącego, stylowego i bardzo na czasie.
W marcu podbijał kina i serca widzów. Polski hit od dziś dostępny w streamingu
Jeszcze kilka miesięcy temu przyciągał tłumy do kin i zbierał entuzjastyczne opinie widzów. Teraz jeden z najgłośniejszych polskich filmów ostatnich miesięcy wreszcie trafił do streamingu.
Polskie kino familijne od lat nie miało tak rozpoznawalnej i lubianej serii. Pierwsza część „Za duży na bajki” zadebiutowała w 2022 roku i szybko zdobyła wierną publiczność, łącząc humor, emocje i tematy bliskie młodym widzom. Sukces filmu sprawił, że historia Waldka doczekała się kolejnych odsłon, a bohater dorastał na ekranie razem ze swoją publicznością. Za reżyserię wszystkich części odpowiada Kristoffer Rus, który konsekwentnie rozwija historię nastolatka zmagającego się z problemami znacznie bardziej złożonymi niż typowe szkolne perypetie. Trzecia część serii udowadnia, że kino dla młodszych widzów może poruszać ważne tematy bez moralizowania i niepotrzebnego patosu. O czym opowiada film „Za duży na bajki 3”? Tym razem Waldek staje przed wyzwaniem, które dla wielu młodych ludzi jest codziennością. Bohater musi zmierzyć się z konsekwencjami aktywności w sieci, internetowym hejtem i presją, która coraz częściej przenika do życia nastolatków. Twórcy ponownie stawiają na połączenie lekkiej formy z ważnym społecznym tematem. Film pokazuje, jak łatwo granica między światem online a rzeczywistością zaciera się w życiu młodych ludzi, a pozornie niewinne działania mogą mieć bardzo realne konsekwencje. Choć nie brakuje humoru i charakterystycznych dla serii ciepłych momentów, „Za duży na bajki 3” jest najbardziej dojrzałą odsłoną całego cyklu. View oEmbed on the source website Kto występuje w „Za duży na bajki 3”? W roli Waldka ponownie oglądamy Macieja Karasia. Na ekran wracają również Patryk Siemek i Amelia Fijałkowska, którzy od początku są częścią tej historii. W obsadzie znaleźli się także Karolina Gruszka, Dorota Kolak i Paweł Domagała. Do ekipy dołączyli również Dorota Pomykała oraz Borys Szyc, którzy wzbogacili film o nowe, wyraziste postaci. To właśnie naturalne relacje między bohaterami od początku pozostają jednym z największych atutów serii i sprawiają, że produkcja trafia zarówno do młodszych, jak i starszych widzów. Gdzie obejrzeć „Za duży na bajki 3”? Od dzisiaj bo bardzo udanym kinowym okresie eksploatacji film jest dostępny na platformie Netflix, dzięki czemu historię Waldka mogą nadrobić także ci, którzy nie mieli okazji zobaczyć jej na dużym ekranie. Jeśli szukacie rodzinnego seansu, który oprócz rozrywki proponuje również ważny temat do rozmowy po napisach końcowych, „Za duży na bajki 3” może okazać się jedną z ciekawszych polskich premier tego miesiąca.
„Kawał mięsistego kina wojennego”. Ten bezkompromisowy film Pasikowskiego z końcówki lat 90. zobaczycie na Netflixie
Zanim Władysław Pasikowski nakręcił „Jacka Stronga” i „Kuriera”, stworzył jeden z najbardziej bezkompromisowych polskich filmów wojennych lat 90. „Demony wojny według Goi” dostępne na Netflix przypominają, jak wyglądało rodzime kino akcji w najlepszym wydaniu.
Władysław Pasikowski od ponad trzech dekad pozostaje jednym z najważniejszych twórców polskiego kina gatunkowego. To właśnie on dał widzom „Psy”, później stworzył „Jacka Stronga”, „Pokłosie” i „Kuriera”. I choć każda kolejna premiera reżysera wywołuje dyskusje, warto pamiętać, że w jego filmografii znajdują się także tytuły, które z biegiem lat nieco zniknęły z głównego nurtu rozmów o polskim kinie. Jednym z nich są „Demony wojny według Goi” - brutalny, dynamiczny i zaskakująco aktualny film, który wielu widzów uważa za jedno z najciekawszych wojennych dzieł końca lat 90. „Demony wojny według Goi”. Wojna bez bohaterów i prostych odpowiedzi Film trafił do kin w 1998 roku, zaledwie kilka lat po zakończeniu krwawego konfliktu w byłej Jugosławii. Pasikowski zrezygnował z historycznych rekonstrukcji i opowieści o odległej przeszłości. Zamiast tego skierował kamerę na wydarzenia, które wciąż były żywe w pamięci Europy. Reżysera nie interesowała jednak polityka ani analiza przyczyn wojny. W centrum historii postawił ludzi zmuszonych do podejmowania decyzji w ekstremalnych warunkach. To właśnie dlatego „Demony wojny według Goi” do dziś robią tak duże wrażenie - pokazują konflikt zbrojny jako przestrzeń moralnej szarości, gdzie granica między dobrem a złem bardzo szybko zaczyna się zacierać. O czym opowiadają „Demony wojny według Goi”? Akcja rozgrywa się podczas misji pokojowej polskich żołnierzy na Bałkanach. Major Edward Keller otrzymuje informację o amerykańskim śmigłowcu zestrzelonym na terytorium kontrolowanym przez jedną ze stron konfliktu. Choć przełożeni nie wyrażają zgody na akcję ratunkową, Keller postanawia działać na własną rękę. Wraz z grupą żołnierzy rusza w niebezpieczną misję, która szybko okazuje się znacznie bardziej skomplikowana, niż początkowo zakładano. Z każdą kolejną godziną bohaterowie muszą mierzyć się nie tylko z zagrożeniem ze strony przeciwnika, ale także z własnymi słabościami, lojalnością wobec towarzyszy i pytaniem o to, jak daleko można się posunąć, by uratować drugiego człowieka. View oEmbed on the source website Gwiazdorska obsada z Bogusławem Lindą na czele W roli majora Kellera wystąpił Bogusław Linda, dla którego była to kolejna współpraca z Pasikowskim po sukcesie „Psów”. Aktor stworzył jedną ze swoich najbardziej charakterystycznych kreacji lat 90. - twardego, charyzmatycznego dowódcę, który nie zawsze przestrzega regulaminu, ale konsekwentnie kieruje się własnym kodeksem moralnym. Na ekranie partnerują mu również Olaf Lubaszenko („Psy”, „Sztos”), Zbigniew Zamachowski („Trzy kolory: Biały”, „Wielka woda”), Mirosław Baka („Krótki film o zabijaniu”, „Róża”), Artur Żmijewski („Ojciec Mateusz”, „Na dobre i na złe”) oraz Bartłomiej Topa („Wesele”, „1670”). To właśnie obsada jest jednym z największych atutów filmu. Pasikowski zgromadził aktorów, którzy w kolejnych latach stali się jednymi z najważniejszych twarzy polskiego kina i telewizji. Dlaczego film Pasikowskiego wciąż robi wrażenie? Współczesne kino wojenne często stawia na widowiskowość i spektakularne efekty specjalne. „Demony wojny według Goi” działają inaczej. Ich siła tkwi w napięciu, surowej atmosferze i poczuciu realizmu. Pasikowski pokazuje wojnę jako miejsce chaosu, niepewności i nieustannego zagrożenia. Nie romantyzuje swoich bohaterów i nie oferuje łatwych odpowiedzi. Dzięki temu film nawet po niemal trzech dekadach pozostaje zaskakująco świeży. Dla wielu widzów to również ciekawy zapis epoki - czasu, gdy polskie kino gatunkowe próbowało konkurować z zachodnimi produkcjami, jednocześnie zachowując własny charakter i lokalną perspektywę. Gdzie oglądać „Demony wojny według Goi”? Film „Demony wojny według Goi” jest obecnie dostępny w ofercie Netfliksa. To dobra okazja, by wrócić do jednego z najbardziej bezkompromisowych tytułów w dorobku Władysława Pasikowskiego albo nadrobić go po raz pierwszy.
W lutym był w kinach, teraz trafił na streaming. Ten polski film z Turkot i Boczarską porusza i wywołuje dużo emocji
„Zapiski śmiertelnika” to historia zapisana na granicy życia i śmierci - tam, gdzie decyzja wydaje się ostateczna, ale przeszłość wciąż nie pozwala jej domknąć.
A gdyby ktoś mógł odwieść cię od decyzji, której jesteś absolutnie pewien? Albo przynajmniej usiadł naprzeciwko i zapytał, czy na pewno nie ma już żadnej innej drogi? Polski film „Zapiski śmiertelnika” zaczynają się właśnie w tym miejscu - pomiędzy ciszą a ostatecznością, tam, gdzie myśl o śmierci przestaje być abstrakcją, a staje się planem. To film o zapiskach, które mają zamknąć życie, ale wbrew intencjom otwierają coś zupełnie odwrotnego. O rozmowie, która nie powinna się wydarzyć, i o przeszłości, która wraca w chwili, gdy wszystko wydaje się już przesądzone. W tym świecie nawet decyzja o odejściu nie jest jednoznaczna - bo ktoś jeszcze próbuje ją podważyć, rozbroić, zatrzymać choć na chwilę. „Zapiski śmiertelnika” - o czym jest polski film, który właśnie trafił na streaming? Do nadmorskiego kurortu przyjeżdża pięćdziesięcioletni F.P. Ma rodzinę, pieniądze i życie, które z zewnątrz mogłoby wydawać się uporządkowane. A jednak coś w nim pękło - i bohater podejmuje decyzję o zakończeniu własnego życia. W momencie, gdy zaczyna pisać pożegnalny list do żony, wydarza się coś nieoczekiwanego: pojawia się duch jego ojca, który również popełnił samobójstwo. Ich spotkanie uruchamia coś w rodzaju dialogu między życiem a śmiercią, ale też między przeszłością a tym, co nie zostało domknięte. Zamiast prostej historii o decyzji, dostajemy opowieść o dziedziczeniu emocji, samotności i próbie zrozumienia własnych wyborów. Narracja nie jest prowadzona linearnie - wraca do wspomnień, przeskakuje między perspektywami i stopniowo składa obraz bohatera, który wcale nie jest oczywisty. View oEmbed on the source website Gwiazdorska obsada, która niesie ten film W roli F.P. występuje Ireneusz Czop, tworząc postać pełną napięcia, ale też cichej bezradności. Partneruje mu Marian Dziędziel jako ojciec - jedna z najmocniejszych relacji w filmie, oparta na dialogach, które momentami mają niemal teatralny ciężar. Na ekranie pojawiają się również Magdalena Boczarska, Magdalena Popławska oraz Agata Turkot, którą widzowie mogą pamiętać z głośnego „Domu dobrego”. Każda z tych ról - nawet jeśli nie pierwszoplanowa - dokłada kolejną warstwę do historii o człowieku, który próbuje poukładać sens własnego życia. Reżyserem i scenarzystą jest Maciej Żak („Konwój”), który świadomie prowadzi historię w stronę kina bardziej kontemplacyjnego niż dynamicznego. Film o życiu, które nie zawsze układa się w logiczną całość „Zapiski śmiertelnika” to nie jest kino łatwe ani szybkie. To film powolny, skupiony na dialogach, spojrzeniach i emocjach, które nie zawsze zostają wypowiedziane wprost. W tle pojawia się czarny humor, ale nie rozładowuje on ciężaru opowieści - raczej go równoważy. To także historia o mężczyźnie, który teoretycznie „ma wszystko”, a jednak nie potrafi odnaleźć w tym sensu. I o tym, jak przeszłość - szczególnie ta rodzinna - potrafi wracać w najmniej oczekiwanym momencie. Głos widzów: „film zostaje w głowie na długo po seansie” Widzowie, którzy obejrzeli film, podkreślają przede wszystkim jego emocjonalny ciężar i refleksyjny charakter: „Poruszający film o mężczyźnie stojącym na krawędzi życia, który pozostawia widza z wieloma refleksjami i niedopowiedzianymi wątkami, długo po seansie.” „Wciągająca historia, w której każdy wątek jest po coś. Choć film porusza trudny temat, reżyser umiejętnie przeplata go drobnymi akcentami humoru.” „Niesamowite kino! Głębokie, nieoczywiste, zmuszające do refleksji. Ujęcia - majstersztyk.” Na platformie Filmweb nie brakuje także komentarzy i ocen oscylujących w granicach 5/10. Co pokazuje, że to kino, które wyraźnie dzieli widzów na tych, którzy lubią jego tempo i metaforyczność, oraz tych, którzy wolą bardziej dosłowną narrację. Gdzie obejrzeć „Zapiski śmiertelnika”? Po premierze kinowej film trafił na platformę Canal+, gdzie obecnie zajmuje 2. miejsce wśród najchętniej oglądanych tytułów. To jeden z tych seansów, które trudno „odhaczyć” jak kolejną pozycję z listy. Raczej zostają na dłużej - i nie kończą się wraz z napisami końcowymi. Jeśli Ty lub ktoś z Twoich bliskich zmaga się z kryzysem psychicznym i potrzebuje wsparcia, warto sięgnąć po pomoc. W Polsce dostępne są całodobowe, bezpłatne numery wsparcia, m.in. Centrum Wsparcia dla Osób w Kryzysie Psychicznym: 800 70 2222 oraz 112 w sytuacjach nagłych zagrożeń życia. Nie trzeba zostawać z tym samemu - rozmowa z drugą osobą może być pierwszym krokiem do znalezienia pomocy.
Dopiero co wpadł na streaming, a już jest hitem. Ten oscarowy film z polskimi wątkami podbija HBO Max
„Prawdziwy ból” Jessiego Eisenberga, z Kieranem Culkinem w jednej z najlepszych ról ostatnich lat, błyskawicznie wspiął się na szczyt oglądalności HBO Max. Film z polskimi wątkami przyciąga widzów nie tylko fabułą, ale i emocjonalnym ciężarem.
„Prawdziwy ból” (oryg. „A Real Pain”) dopiero co pojawił się w ofercie HBO Max, a już znalazł się na szczycie oglądalności platformy. To jeden z tych tytułów, które nie potrzebują długiej kampanii - wystarczy kilka dni, by zaczęły żyć własnym życiem wśród widzów. Film w reżyserii i z udziałem Jessiego Eisenberga, z brawurową rolą Kierana Culkina (brat Macaulaya Culkina, znany widzom z swojej dziecięcej roli Fullera z filmu „Kevin sam w domu”), to nieoczywiste połączenie komedii i dramatu. Historia dwóch kuzynów, Davida i Benji’ego, którzy wyruszają do Polski, by zmierzyć się z rodzinną przeszłością, szybko okazuje się czymś znacznie głębszym niż klasyczna „podróż w nieznane”. „Prawdziwy ból” nr 1 na HBO Max. Polska nie jest tu tylko tłem Jednym z najmocniejszych elementów filmu jest jego osadzenie w Polsce. Warszawa, Lublin czy Majdanek nie pełnią roli przypadkowych lokalizacji - są częścią emocjonalnej struktury historii. Twórcy nie traktują tych miejsc dekoracyjnie. Wręcz przeciwnie - wpisują je w opowieść o pamięci, dziedziczeniu traum i próbie zrozumienia własnych korzeni. To sprawia, że film rezonuje inaczej niż typowe amerykańskie produkcje „o Europie”. View oEmbed on the source website Eisenberg i Culkin - duet, który trzyma film w napięciu Siłą „Prawdziwego bólu” jest relacja głównych bohaterów. Jesse Eisenberg gra postać introwertyczną, wycofaną, próbującą wszystko uporządkować i nazwać. Kieran Culkin jako Benji jest jego przeciwieństwem - chaotyczny, impulsywny, momentami trudny do zniesienia, ale jednocześnie magnetyczny. To właśnie między nimi buduje się napięcie, które napędza cały film. Raz jest zabawnie, raz niewygodnie, a chwilami bardzo cicho i ciężko - bez potrzeby podkreślania emocji na siłę. Film, który zdobył Oscara i zachwycił krytyków na całym świecie „Prawdziwy ból” nie przeszedł niezauważony przez branżę filmową. Produkcja została nagrodzona Oscarem dla Kierana Culkina za rolę drugoplanową, a wcześniej zdobyła uznanie na festiwalu Sundance, gdzie doceniono scenariusz Jessiego Eisenberga. Film zebrał też bardzo wysokie oceny krytyków, którzy podkreślają jego wyjątkowy balans między humorem a emocjonalnym ciężarem. Na Rotten Tomatoes film uzyskał status „Certified Fresh”, z bardzo wysokim wynikiem 96% pozytywnych recenzji krytyków. Równie dobrze wypada odbiór widzów — tzw. Popcornmeter utrzymuje się na poziomie około 82%, co potwierdza, że „Prawdziwy ból” działa nie tylko na festiwalowych jurorów, ale też na szeroką publiczność. Film, który zostaje po seansie „Prawdziwy ból” podbijający teraz ranking HBO Max to nie jest produkcja, która kończy się wraz z napisami końcowymi. To jeden z tych filmów, które zostają w głowie, bo nie oferują prostych odpowiedzi ani jednoznacznych ocen bohaterów. Nie chodzi tu o wielkie zwroty akcji, ale o relacje, które są jednocześnie bliskie i niekomfortowe. O pamięć, która nie zawsze układa się w logiczną narrację. I o podróż, która okazuje się bardziej wewnętrzna niż geograficzna. Właśnie dlatego film tak dobrze działa na streamingu - łatwo go kliknąć, ale trudno o nim szybko zapomnieć.
Ten polski aktor skończył wczoraj 80 lat. Jeśli miałabym wybrać jedną jego genialną rolę - postawiłabym właśnie na tę
Piotr Fronczewski skończył wczoraj 80 lat. To idealny moment, by wrócić do filmu, który dla polskiej kinematografii stał się jednym z najważniejszych punktów odniesienia i do dziś robi równie silne wrażenie.
Piotr Fronczewski - jeden z tych polskich aktorów, których właściwie nie trzeba przedstawiać. Dla jednych legenda kina i teatru, dla innych głos dzieciństwa i ikona popkultury, która od dekad pozostaje obecna w kolejnych pokoleniach widzów. Urodził się 8 czerwca 1946 roku w Warszawie. To właśnie tutaj dorastał i później zdobywał aktorskie wykształcenie, kończąc Państwową Wyższą Szkołę Teatralną w Warszawie (dzisiejszą Akademię Teatralną im. Aleksandra Zelwerowicza). Zanim jednak na dobre trafił na ekran i scenę, jego droga do aktorstwa była raczej konsekwencją kolejnych wyborów niż jednym wielkim „przeznaczeniem” - szybko jednak okazało się, że to właśnie w tej profesji odnajduje się najlepiej. Z czasem Fronczewski stał się jednym z najbardziej rozpoznawalnych polskich aktorów. Widzowie pamiętają go z filmów takich jak „Znachor”, „Trędowata”, „Konsul” Mirosława Borka czy „Sęp”. Dla młodszej publiczności to przede wszystkim niezapomniany Pan Kleks z kultowej serii filmów Krzysztofa Gradowskiego - rola, która na stałe wpisała się w historię polskiego kina familijnego. Na początku lat 80. aktor zaskoczył widzów postacią śpiewającego Franka Kimono, którego utwory cieszyły się i do dziś cieszą dużą popularnością. Nie można także zapomnieć o kultowej roli w telewizyjnym serialu „Rodzina zastępcza” oraz ostatnich mroczniejszych wcieleniach aktora, jak choćby w serialu „Rojst”. Ogromną część jego dorobku stanowi także dubbing i praca głosem - Fronczewskiego można usłyszeć między innymi jako Diega w serii „Epoka lodowcowa”, Pana Iniemamocnego w „Iniemamocnych” oraz Króla Louie w „Księdze dżungli” Disneya. Przez lata użyczał głosu bohaterom animacji i filmów, które dorastały razem z kolejnymi pokoleniami widzów, stając się jednym z najbardziej charakterystycznych głosów polskiej popkultury. I właśnie dlatego trudno wskazać jedną rolę, która opisałaby w pełni jego karierę. Ale jeśli miałabym wybrać moment, w którym jego ekranowa obecność szczególnie wybrzmiewa, byłaby to „Ziemia obiecana” Andrzeja Wajdy z 1974 roku - film, który powstał w jednym z najważniejszych okresów polskiego kina i do dziś pozostaje jego absolutnym punktem odniesienia. „Ziemia obiecana” - film, który stał się legendą „Ziemia obiecana” Andrzeja Wajdy to jedno z tych dzieł, które nie tylko wpisały się do historii polskiego kina - one ją współtworzyły. Adaptacja powieści Władysława Reymonta przenosi nas do Łodzi końca XIX wieku, miasta, które w filmie staje się symbolem bezwzględnego kapitalizmu, ambicji i moralnych kompromisów. To właśnie w tym świecie spotykają się trzej młodzi mężczyźni: Karol Borowiecki (Daniel Olbrychski), Maks Baum (Andrzej Seweryn) i Moryc Welt (Wojciech Pszoniak). Łączy ich jeden cel - zbudowanie własnej fabryki i wejście do świata wielkich pieniędzy. Szybko okazuje się jednak, że w tym świecie lojalność ma bardzo krótką datę ważności. „Ja nie mam nic, ty nie masz nic, on nie ma nic... To razem mamy tyle, w sam raz tyle, żeby zbudować wielką fabrykę!” Wajda tworzy kino gęste, intensywne i bezlitosne. To nie jest historia o sukcesie - to opowieść o jego cenie. Obsada, która przeszła do historii „Ziemia obiecana” to także jeden z najbardziej imponujących zespołów aktorskich w historii polskiego kina. Obok Olbrychskiego, Pszoniaka i Seweryna pojawiają się m.in. Anna Nehrebecka, Bożena Dykiel, Franciszek Pieczka czy Kalina Jędrusik - każda z tych postaci wnosi do filmu własny rytm i energię. W tym wielogłosie pojawia się również Piotr Fronczewski. Gra Von Horna - młodego praktykanta w kantorze fabryki Bucholca. To rola drugoplanowa, ale bardzo charakterystyczna dla sposobu, w jaki Wajda buduje swój świat: nawet epizodyczne postacie są częścią większej, precyzyjnie zaprojektowanej struktury. Von Horn nie jest bohaterem pierwszego planu, ale idealnie wpisuje się w mechanizm tego świata - młody, obserwujący, próbujący odnaleźć się w systemie, który już na starcie ustala swoje brutalne zasady. To właśnie w takich rolach, w dialogach jak te z filmu Wajdy, które przechodzą do historii: „Co pan gadasz? Pan masz małe rybki w głowie!”, „Robota nie gęś, ona się nie wytopi." Fronczewski pokazuje coś, co później stanie się jego znakiem rozpoznawczym - umiejętność bycia obecnym nawet wtedy, gdy nie dominuje kadru. View oEmbed on the source website Film, który nie starzeje się wcale „Ziemia obiecana” pozostaje jednym z najważniejszych punktów odniesienia w polskim kinie. To film, który nie traci siły mimo upływu dekad - przeciwnie, jego tematy brzmią dziś równie aktualnie, jak w momencie premiery. Opowieść o ambicji, która nie zna granic, o świecie, w którym sukces wymaga bezwzględności, i o ludziach, którzy próbują odnaleźć się w tej rzeczywistości, wciąż działa z dużą mocą emocjonalną. Z okazji 80. urodzin Piotra Fronczewskiego i roku Andrzeja Wajdy (ustanowionym przez Senat RP w związku z 100 rocznicą urodzin reżysera) trudno o lepszy moment, by wrócić właśnie do tej roli - nie największej w jego karierze, ale symbolicznej dla całego pokolenia aktorów, którzy współtworzyli złotą erę polskiego kina. Film „Ziemia obiecana” jest dostępny na platformie Netflix i jeśli jeszcze jej nie widzieliście - polecam nadrobić. To dzieło nie do podrobienia.
Ten polski film z 2022 roku na nowo rozpala umysły użytkowników Netflixa. „To historia, którą albo się pokocha, albo znienawidzi”
Miłość narodowca i lewicowej aktywistki, polityczne stereotypy oraz humor, który dla jednych jest błyskotliwy, a dla innych nie do zniesienia. „Kryptonim Polska” wrócił na Netflixa i ponownie wywołuje gorące dyskusje.
„Kryptonim Polska” na Netflix to polski komediodramat z 2022 roku o uczuciu, które wybucha w najmniej pasującym miejscu. Staszek z Białegostoku działa w ZMR (Zrzeszenie Młodzieży Radykalnej), a Pola jest lewicową aktywistką świeżo po rozstaniu. Zakochuje się w niej i zataja, gdzie spędza weekendy, ryzykując wszystko. „Kryptonim Polska” o czym jest? To historia opowiedziana z nerwem: romantyczna, a jednocześnie zanurzona w gęstej atmosferze społecznego napięcia. Staszek trafia do Zrzeszenia Młodzieży Radykalnej nie dlatego, że bez reszty wierzy w jego idee, lecz dlatego, że organizacja daje mu coś bardzo ludzkiego i bardzo pociągającego: poczucie siły i przynależności. W świecie, w którym każdy chce być „kimś”, taka obietnica potrafi brzmieć jak najmodniejszy slogan sezonu. Pola stoi po drugiej stronie. Jest lewicową aktywistką, świeżo po rozstaniu, z poglądami ostrymi jak precyzyjne cięcie krawieckich nożyc i charakterem, który nie chowa się w cieniu. Kiedy ich ścieżki przecinają się podczas jednej z patriotycznych akcji, pojawia się uczucie — intensywne, szybkie, nieproszące o pozwolenie. I wtedy Staszek podejmuje decyzję, która napędza całą opowieść: nie mówi Poli, gdzie spędza weekendy. View oEmbed on the source website 97 minut napięcia: komedia, która nie ucieka od trudnych pytań Film trwa 97 minut, ale gra na emocjach tak, jakby chciał zmieścić w jednym wieczorze kilka różnych rejestrów: lekkość komedii i ciężar dramatu. „Kryptonim Polska” nie jest tylko historią dwojga ludzi. To także opowieść o tym, jak łatwo relacja zaczyna być komentowana, oceniana i przeciągana na cudzą stronę — jakby miłość musiała składać deklaracje. W tej historii kluczowe jest pytanie, które brzmi znajomo dla każdego, kto choć raz próbował budować bliskość wśród napięć i etykiet: czy uczucie wystarczy, kiedy otoczenie domaga się jednoznacznego wyboru. Film stawia je wprost, w realiach polaryzacji politycznej, ale bez publicystycznej maniery. To raczej portret chwili, w której prywatne rozmowy przegrywają z głośnymi hasłami, a niedopowiedzenia zaczynają kosztować. „Kryptonim Polska” to polska produkcja z 2022 roku, która w kinach zebrała ponad 200 tysięcy widzów. Dziś jest dostępna na Netflix, co sprawia, że wraca do obiegu w nowym rytmie: domowego seansu, w którym każda scena wybrzmiewa bliżej, bo na wyciągnięcie ręki. Obsada, która dodaje historii energii i ciężaru Staszek ma twarz Macieja Musiałowskiego — aktora, który potrafi zagrać jednocześnie urok i zagubienie, a to w tej historii jest kluczowe. Polę gra Magdalena Maścianica w swoim pełnometrażowym debiucie kinowym: jej obecność jest wyrazista, pewna, nieprzeźroczysta. Po drugiej stronie stoi Roman, charyzmatyczny lider organizacji, w którego wciela się Borys Szyc. W obsadzie są także Antoni Królikowski, Cezary Pazura i Piotr Cyrwus. To zestawienie buduje napięcie między młodymi bohaterami a światem dorosłych, który bywa równie głośny, co bezradny. Za reżyserię odpowiada Piotr Kumik — to jego pełnometrażowy debiut kinowy. Wcześniej nakręcił serial „Mamy to”. Scenariusz napisali Jakub Rużyłło i Łukasz Sychowicz, za zdjęcia odpowiada Piotr Śliskowski, a muzykę skomponował Tomasz Rałowski. Wszystko to składa się na film, który opowiada o Polsce nie przez wielkie deklaracje, lecz przez intymność: spojrzenia, przemilczenia i decyzje podejmowane wbrew rozsądkowi. Dlaczego „Kryptonim Polska” znów rozpala dyskusje? „Kryptonim Polska” działa jak soczewka: skupia emocje wokół tematu, który na co dzień potrafi dzielić przyjaciół, rodziny i pary. Nie trzeba identyfikować się z żadną stroną, by poczuć napięcie tej opowieści. Wystarczy pamiętać, jak łatwo w relacji pojawia się lęk przed odrzuceniem — i jak kuszące bywa ukrycie fragmentu prawdy, byle tylko ocalić to, co jeszcze kruche. Jeśli szukasz filmu, który łączy tempo komedii z dramatycznym pytaniem o granice kompromisu, ten tytuł jest gotowy na wieczór z Netflix. Warto obejrzeć go nie po to, by dostać prostą odpowiedź, lecz by sprawdzić, jak brzmią emocje, gdy polityczna polaryzacja wchodzi do życia prywatnego bez zaproszenia.
Ona odmówiła „wiecznej młodości”, on ją wybrał. Poruszający polski film z Agatą Kuleszą w roli głównej, którego długo nie zapomnicie
W świecie, w którym starzenie stało się największym tabu, miłość okazuje się jeszcze trudniejsza niż przemijanie. Nowy film z Agatą Kuleszą już niebawem trafi do kin - i wszystko wskazuje na to, że będzie jedną z najbardziej poruszających polskich premier tego roku.
Zwiastun filmu „Czas, który nie nadszedł” zadebiutował online, uruchamiając rozmowę o przyszłości, która zaczyna się zbyt blisko naszej codzienności. To dystopijny melodramat o Sarze i Oskarze, parze planującej wspólne starzenie się w świecie, gdzie starość stała się społecznym tabu. Kiedy on wybiera rewolucyjną kurację antygeriatryczną, a ona mówi „nie”, ich drogi rozchodzą się brutalnie. Ten nowy polski film jeszcze w tym roku trafi do kin. „Czas, który nie nadszedł” - o czym będzie nowy polski film? W tej opowieści młodość nie jest już pragnieniem ani estetycznym kaprysem. Staje się warunkiem uczestnictwa w nowym porządku, selekcją w białych rękawiczkach, która nie potrzebuje przemocy, by wykluczać skutecznie. Oskar poddaje się kuracji antygeriatrycznej, która ma gwarantować nie tylko świeży wygląd, lecz także miejsce w społeczeństwie ustawionym pod wiecznie gładką twarz. Sara odmawia. Cena jest natychmiastowa i bezdyskusyjna: zamknięty ośrodek izolacji. Jej decyzja działa jak test lojalności wobec własnej tożsamości, ale też jak sprawdzian siły w świecie, który odmawia prawa do autentyczności i przemijania. Film prowadzi ten konflikt nie jako debatę, tylko jako emocjonalne pęknięcie między bliskością a samotnością. View oEmbed on the source website Spotkanie po latach i pytania, których nie da się już odsunąć Po latach próba ucieczki Sary uruchamia punkt zwrotny, na który czeka każda historia o miłości wystawionej na próbę. Bohaterowie spotykają się ponownie: dzieli ich wygląd, ale łączy ciężar spraw niedopowiedzianych, odkładanych na „później”, które w tym świecie może nigdy nie nadejść. Stawką nie jest sentymentalny powrót do dawnych obietnic, ale konfrontacja z konsekwencjami wyborów, które okazują się nieodwracalne. Film gra napięciem między wolnością a przynależnością, między komfortem „dopasowania się” a ryzykiem życia wbrew regułom. W tle pulsuje pytanie o to, czy uczucie potrafi przetrwać czas oraz decyzje, które zmieniają ludzi szybciej, niż zmieniają się ich wspomnienia. Obsada, twórcy i data premiery, którą warto zapisać W rolach głównych występują Agata Kulesza i Dobromir Dymecki. Na ekranie towarzyszą im również Michalina Łabacz, Bartosz Bielenia, Vanessa Aleksander oraz Maciej Musiał. Za reżyserię odpowiada Julia Rogowska, debiutująca w pełnym metrażu, a scenariusz napisała Małgorzata Piłacińska. Producentem jest Shipsboy, a dystrybucją zajmie się Next Film. „Czas, który nie nadszedł” wejdzie do kin 16 października 2026 roku - i zapowiada się na tytuł, który nie tyle kusi samą dystopią, ile odważnie dotyka tego, co w niej najbardziej osobiste: lęku przed wykluczeniem, potrzeby bliskości i prawa do przemijania na własnych zasadach.
Ten film dopiero był w kinach, a już trafi do streamingu. Polski „Wilk z Wall Street” w końcu do obejrzenia online
Polski film Pata Howla, inspirowany prawdziwymi wydarzeniami, po krótkiej obecności w kinach trafi do streamignu. Produkcję z Tomaszem Włosokiem będzie można obejrzeć wkrótce na Disney+.
Szybkie pieniądze, nocne życie, luksus i granica prawa, która z każdą decyzją robi się coraz cieńsza - „Król dopalaczy” to jedna z mocniejszych polskich produkcji. Polski „Wilk z Wall Street”? Dawid buduje imperium i wpada w grę bez odwrotu Głównym bohaterem filmu jest Dawid, zwykły chłopak, który buduje imperium legalnych dopalaczy i z dnia na dzień zostaje milionerem. W jego nowej rzeczywistości pojawiają się sława, piękne kobiety, szybkie samochody i imprezy, które wyglądają jak spełnienie fantazji o sukcesie bez limitu. Tyle że pod efektowną powierzchnią szybko zaczyna narastać napięcie. Granica między tym, co legalne, a tym, co zakazane, okazuje się wyjątkowo cienka. Dawid wchodzi w konflikty z gangsterami, porusza się w świecie układów na najwyższych szczeblach władzy i coraz mocniej wierzy, że może pozwolić sobie na wszystko. Do czasu, aż na jego drodze staje policjant, którego nie da się kupić. Wtedy historia o szybkim awansie zamienia się w grę o przetrwanie. View oEmbed on the source website Porównania do „Wilka z Wall Street” są tu oczywiste, ale „Król dopalaczy” przenosi tę energię na polski grunt. Zamiast amerykańskich finansów mamy lokalny biznes, znajome mechanizmy kariery i sukces, który od początku ma w sobie coś niepokojącego. Tomasz Włosok - Vanessa Aleksander - mocna obsada „Króla dopalaczy” W roli Dawida występuje Tomasz Włosok. Na ekranie partneruje mu Vanessa Aleksander, a jedną z ważnych ról gra także Łukasz Simlat. W obsadzie znaleźli się również Jan Frycz, Rafał Maćkowiak, Grażyna Szapołowska, Janusz Chabior, Robert Jarociński i Agnieszka Grochowska. To zestaw nazwisk, który dobrze pasuje do historii o świecie interesów, wpływów i moralnych kompromisów. Film nie opiera się wyłącznie na jednym bohaterze, ale buduje wokół niego sieć relacji, zależności i napięć. Dzięki temu „Król dopalaczy” ma potencjał nie tylko jako opowieść o spektakularnym awansie, ale też jako historia o systemie, który taki awans umożliwia. Debiut Pata Howla z historią inspirowaną prawdziwymi wydarzeniami Za reżyserię odpowiada Pat Howl, dla którego „Król dopalaczy” jest pełnometrażowym debiutem. Wspólnie z Katarzyną Samson napisał scenariusz i współprodukował film. Produkcja jest inspirowana prawdziwymi wydarzeniami, a jej siła tkwi w połączeniu sensacyjnego tempa, popkulturowego blichtru i polskiego kontekstu. „Król dopalaczy” może zainteresować widzów, którzy lubią historie o ludziach wchodzących za wysoko, za szybko i bez planu awaryjnego. „Król dopalaczy” w Disney+. Kiedy premiera online? „Król dopalaczy” szybko schodzi z kinowego afisza i przenosi się na streaming. Polski film Pata Howla, który zaledwie kilka tygodni temu debiutował na dużym ekranie, od 10 czerwca będzie dostępny w Disney+. Dla widzów, którzy nie zdążyli zobaczyć go w kinach, to najprostsza okazja, by nadrobić jedną z głośniejszych polskich premier ostatnich tygodni. To historia, która od początku gra na skojarzeniach z szybkim sukcesem, wielkimi pieniędzmi i życiem bez hamulców. Jest blichtr, są imprezy, samochody, układy i ambicja, która szybko przestaje mieścić się w bezpiecznych granicach. „Król dopalaczy” pokazuje świat, w którym awans może wydarzyć się błyskawicznie, ale rachunek za niego przychodzi równie szybko.
To może być jedna z najgłośniejszych polskich premier tego roku. W końcu produkcja uchyliła rąbka tajemnicy, a widzowie oszaleli
Internet oszalał po premierze pierwszego teasera filmu o Violetcie Villas. 29 sekund wystarczyło, by widzowie zaczęli typować produkcję do miana jednego z największych polskich hitów.
Polskie kino coraz śmielej sięga po historie kobiet, które były czymś więcej niż tylko gwiazdami. Były zjawiskami. Ikonami swoich czasów. I właśnie do tego grona należała Violetta Villas - artystka, której głosu nie dało się pomylić z żadnym innym. Teraz jej historia wraca na ekran w nowym filmie biograficznym, o którym mówi się już od miesięcy. I wszystko wskazuje na to, że może być to jedna z najbardziej emocjonalnych i najgłośniejszych polskich premier tego roku. Polski film o Violetcie Villas. Produkcja w końcu uchyliła rąbka tajemnicy Twórcy filmu pokazali właśnie pierwsze materiały zapowiadające produkcję. W centrum uwagi znalazła się Sandra Drzymalska, która wciela się w rolę Villas - i trzeba przyznać: metamorfoza robi ogromne wrażenie. Charakterystyczne blond loki, mocny makijaż, teatralny glamour i ten trudny do uchwycenia rodzaj melancholii, który od lat był częścią wizerunku artystki. W obsadzie filmu pojawią się także m.in. Jowita Budnik, Mateusz Banasiuk, Borys Szyc, Cezary Łukaszewicz oraz Dorota Pomykala Za reżyserię odpowiada Karolina Bielawska, autorka głośnego dokumentu „Mów mi Marianna”. Film ma jednak nie być klasyczną biografią „od sukcesu do upadku”. Twórcy chcą pokazać Villas bardziej intymnie - jako kobietę, matkę i artystkę, która przez lata płaciła ogromną cenę za sławę. Wystarczyło 29 sekund. Internet już żyje tym filmem Choć pierwszy teaser trwa zaledwie 29 sekund, w sieci momentalnie zrobiło się gorąco. Widzowie zwracają uwagę przede wszystkim na spektakularną metamorfozę aktorki, która w roli Violetty Villas wygląda momentami wręcz niepokojąco podobnie do legendarnej artystki. Pod zapowiedzią szybko pojawiły się komentarze: „Wow, podobieństwo zaskakuje”, „Czekamy”, „To będzie rola jej życia”, „Mam ciarki”. Wielu internautów podkreśla też, że już sam klimat teasera - melancholijny, pełen nostalgii i oparty na utworze „Do ciebie, mamo” - opublikowany symbolicznie, dokładnie w Dzień Matki. View oEmbed on the source website Kim właściwie była Violetta Villas? Dla młodszych widzów jej nazwisko może brzmieć trochę jak legenda z opowieści rodziców i dziadków. Ale wystarczy usłyszeć kilka taktów „Do ciebie, mamo”, „Pocałunek ognia”, „Dla Ciebie miły” czy „Nie ma miłości bez zazdrości”, żeby nagle okazało się, że ten głos zna się od zawsze - nawet jeśli nie wiedziało się, do kogo należy. Violetta Villas była jedną z największych osobowości polskiej sceny muzycznej XX wieku. Śpiewała już w latach 60., zachwycając skalą głosu obejmującą kilka oktaw i sceniczną charyzmą, która mocno wyprzedzała swoje czasy. Była kolorowa, teatralna, przesadzona - i właśnie dlatego tak hipnotyzująca. Co ciekawe - nie wszyscy to wiedzą - artystka naprawdę nazywała się Czesława Cieślak i urodziła się 10 czerwca 1938 roku w Liège w Belgii. Przyszła na świat w rodzinie polskich emigrantów. Polska gwiazda, która podbiła Las Vegas To, co dziś wydaje się niemal nieprawdopodobne, wydarzyło się naprawdę. Villas występowała nie tylko w Polsce, ale także w paryskiej Olympii i Las Vegas, gdzie pojawiała się obok największych światowych nazwisk tamtych lat. Mówi się, że zachwycał się nią sam Frank Sinatra. Na tle szarej rzeczywistości PRL-u była zjawiskiem niemal nierealnym - pełnym przepychu, futer, cekinów i wielkich emocji. Dla jednych ikona, dla innych artystka zbyt wyrazista jak na swoje czasy. Ale trudno znaleźć w polskiej kulturze postać równie charakterystyczną. View oEmbed on the source website Sandra Drzymalska w roli życia? Wybór Sandry Drzymalskiej od początku wzbudzał ogromne emocje, ale pierwsze zdjęcia z planu szybko uspokoiły niedowiarków. Aktorka, znana m.in. z „Białej odwagi”, „Simony Kossak” czy serialu „Sexify”, przechodzi tu spektakularną transformację. Co ciekawe, za jej charakteryzację odpowiada duet nominowany do Oscara za pracę przy filmie „Brzydka siostra”. Produkcja realizowana jest m.in. w Warszawie, na Śląsku i w Bułgarii, a całość ma trafić do kin jesienią 2026 roku. To może być coś więcej niż zwykła biografia Violetty Villas Najciekawsze w tym projekcie wydaje się jednak to, że twórcy nie chcą opowiadać wyłącznie o estradowej legendzie. Film ma pokazać także samotność, cenę sławy i relację Villas z synem - człowiekiem, który obserwował narodziny i powolny rozpad wielkiej gwiazdy z bardzo bliska. I może właśnie dlatego ten projekt budzi aż tyle emocji. Bo historia Violetty Villas nigdy nie była „tylko” historią o muzyce. To opowieść o kobiecie, która przez całe życie próbowała być większa niż świat, w którym przyszło jej żyć.