Permanentna biżuteria od HOS.lab - minimalizm, który zostaje na dłużej
W świecie, w którym trendy zmieniają się szybciej niż pory roku, coraz większą wartość mają rzeczy trwałe, osobiste i tworzone z myślą o codzienności. Permanentne bransoletki HOS.lab redefiniują pojęcie nowoczesnej biżuterii, łącząc minimalistyczny design, innowację i emocjonalny wymiar dodatków noszonych blisko ciała.
Biżuteria już dawno przestała być wyłącznie dodatkiem do stylizacji. Dziś coraz częściej staje się osobistym symbolem, formą ekspresji i świadomym wyborem, który ma znaczenie wykraczające poza estetykę. Właśnie w ten trend wpisuje się marka HOS.lab, która proponuje nowe spojrzenie na codzienną biżuterię poprzez koncept permanentnych bransoletek. Znakiem rozpoznawczym marki są minimalistyczne projekty wykonywane ze srebra próby 925 oraz 14-karatowego złota. Ich wyjątkowość polega jednak nie tylko na jakości materiałów, ale przede wszystkim na sposobie noszenia. Bransoletki HOS.lab nie posiadają klasycznego zapięcia – są subtelnie zgrzewane bezpośrednio na ciele, tworząc efekt „drugiej skóry”. Delikatne, niemal niewyczuwalne, pozostają z właścicielem na dłużej, stając się symbolem trwałości, relacji i świadomego stylu. To właśnie idea permanentności sprawia, że doświadczenie zakupu nabiera bardziej osobistego charakteru. Założenie bransoletki staje się małym rytuałem – momentem, który można dzielić z bliską osobą lub potraktować jako symboliczną deklarację wobec samej siebie. W świecie pełnym chwilowości HOS.lab proponuje coś trwałego i znaczącego. Nowością w ofercie marki są permanentne bransoletki tenisowe, które reinterpretują klasyczną elegancję w nowoczesny sposób. Model dotychczas kojarzony głównie z wieczorowymi stylizacjami został przeniesiony do codzienności. Subtelny blask precyzyjnie osadzonych kamieni w połączeniu z minimalistyczną formą sprawia, że biżuteria staje się dyskretnym, ale wyrazistym elementem stylizacji – zarówno na co dzień, jak i podczas wyjątkowych okazji. Za estetyką HOS.lab stoi także innowacja. Marka uzyskała patent na autorski sposób zakładania biżuterii bezpośrednio na ciele, podnosząc komfort noszenia oraz bezpieczeństwo całego procesu. Dzięki temu permanentna biżuteria zyskuje nowy wymiar – staje się nie tylko produktem, ale także doświadczeniem budowanym wokół jakości, precyzji i emocji. Bransoletki można nosić solo lub tworzyć własne zestawy, dopasowane do indywidualnego stylu. Nie dominują stylizacji, ale harmonijnie ją uzupełniają – podkreślając osobowość właściciela w subtelny i nowoczesny sposób. W czasach, gdy coraz częściej szukamy rzeczy autentycznych i ponadczasowych, HOS.lab pokazuje, że luksus może być jednocześnie minimalistyczny, emocjonalny i bliski codzienności.
Nowa kolekcja Macieja Zienia to manifest kobiecej siły, buntu i wyzwolonej elegancji
Po romantycznych, lekkich i pełnych subtelności projektach, Maciej Zień zwraca się w stronę mroczniejszej, bardziej drapieżnej kobiecości.
12 maja 2026 roku w warszawskim Teatrze 6.piętro odbył się pokaz najnowszej kolekcji Macieja Zienia, „Set me free”. Tym razem nie chodziło o delikatność, lecz o siłę. Nie o grzeczny glamour, lecz o wolność, cielesność i artystyczny bunt. „Set me free” to jedna z najbardziej zaskakujących kolekcji w dorobku Zienia Projektant sięga po inspiracje Patti Smith, undergroundową scenę lat 70. i 80. oraz nonszalancką estetykę Kate Moss z lat 90. W efekcie powstała opowieść o kobiecie, która nie potrzebuje definicji. Jest romantyczna i surowa, sensualna i niepokorna, elegancka, ale nigdy przewidywalna. Na wybiegu dominowały szlachetne tkaniny, przede wszystkim jedwabie i skóry, zestawione z transparentnymi siatkami, tiulami, koronkami oraz cięższymi, bardziej technicznymi fakturami. Zień budował napięcie na kontrastach. Miękkość spotykała się tu z metalicznym chłodem nitów, uprzęży i hardware’owych detali, a klasyczne fasony z elementami zaczerpniętymi z klubowej, rockowej i motocyklowej estetyki. Kolorystyka kolekcji pozostała oszczędna, ale bardzo zmysłowa. Czerń, złamana biel, odcienie nude, szarości, szałwia, przygaszone złoto i metaliczne refleksy stworzyły paletę, która zamiast krzyczeć, budowała atmosferę. To moda pełna napięcia, świadoma własnej siły, ale niepozbawiona elegancji, z której Zień jest znany. Szczególnie ważne okazały się detale stylizacyjne: wiązania, paski, gorsety, rozpięcia, warstwowe koszule i marynarki nonszalancko narzucone na sylwetkę. W kolekcji pojawiły się także okulary przeciwsłoneczne oraz mocne płaskie bootsy i ciężkie motocyklowe kowbojki, będące nowością w portfolio projektanta. To one nadały całości bardziej surowy, współczesny charakter. Na wybiegu zaprezentowano również granatowe body i rajstopy Monogram, zapowiadające drugą kolekcję Zień x Gatta, która ma trafić do sprzedaży jesienią. Stylizacje uzupełniła biżuteria dostępna na platformie fettejewel.com, wyselekcjonowana specjalnie przez Kasię Sokołowską i Macieja Zienia. Scena, kamera, akcja Pokaz wyreżyserowany przez Kasię Sokołowską miał performatywny charakter. Scena Teatru 6.piętro, muzyka Patti Smith, światło i surowa choreografia stworzyły oprawę, która przeniosła kolekcję poza klasyczne ramy pokazu mody. „Set me free” nie było wyłącznie prezentacją ubrań. To był manifest twórczej niezależności i hołd dla kobiet, które inspirują projektanta: artystek, muz, aktorek i duchowych sióstr. „Kobiety, muzyka, literatura, sztuka niesamowicie mnie inspirują. Moja najnowsza kolekcja to efekt lat spędzonych z najbardziej inspirującymi artystkami polskiej sceny i kontaktu z ich pracą. Przeniosłem na materiały i fasony ich najskrytsze potrzeby, zapomniane marzenia, ukryte fantazje i wszystko to co zostawiają na potem. To właśnie stało się motywem przewodnim tej kolekcji” – mówi Maciej Zień. W tej kolekcji kobiecość nie jest jednowymiarowa. Nie musi być łagodna, dekoracyjna ani łatwa do odczytania. Może być niepokorna, pełna sprzeczności, trochę niebezpieczna i bardzo świadoma. Maciej Zień pokazuje, że elegancja nie wyklucza buntu, a sensualność nie musi oznaczać kruchości. „SET ME FREE” to kolekcja o wyzwoleniu, ale też o odwadze, by zobaczyć w sobie to, co przez lata pozostawało ukryte.
Premierowo na ELLE.pl: Kolekcja Couple Dansant na wiosnę-lato 2026 redefiniuje letni power dressing
Nowa kolekcja Couple Dansant to opowieść o ubraniach lekkich, zmysłowych i świadomych. To właśnie tutaj minimalizm spotyka się z rzemiosłem, a upcycling zyskuje najbardziej pożądane oblicze sezonu.
W centrum kolekcji Couple Dansant są nie tylko ubrania, ale również pełny słońca Kapsztad. W najnowszej kolekcji na wiosnę-lato 2026 staje się pełnoprawnym bohaterem – jego rytm, światło i nasycone kolory budują narrację o lekkości, ruchu i autentyczności. To właśnie w tej scenerii Żaneta Mrowca i Magdalena Lenicka, twórczynie Couple Dansant, postanowiły zaprezentować wiosenno-letnią linię. Marynarki na lato 2026 od Couple Dansant to inwestycja godna it-girls Nowa kolekcja nie rezygnuje z charakterystycznych dla duetu elementów, ale interpretuje je na nowo. Zamiast wyrazistych „statement pieces” pojawiają się bardziej miękkie formy i przemyślane konstrukcje, które balansują między elegancją a codziennością. Ważnym punktem kolekcji pozostaje marynarka, tym razem w letniej, lnianej odsłonie. Lekka, oddychająca, ale wciąż precyzyjnie skrojona, redefiniuje klasyczny power dressing. Model Vivienne z odkrytymi plecami jest jednym z najmocniejszych akcentów – z przodu zachowuje architektoniczną konstrukcję, z tyłu zaskakuje zmysłowością. To projekt, który naturalnie przechodzi z dnia w wieczór, wpisując się w duszne tempo letnich miesięcy. Ważną rolę odgrywają detale. Ręczne przeszycia, subtelne wykończenia i materiały wysokiej jakości budują wartość projektów, które – choć wizualnie lekkie – są efektem precyzyjnej pracy. W tym kontekście wyróżnia się szal Harper z lamb shearlingu, dostępny w wiosennych odcieniach. To dodatek, który wprowadza kontrast i fakturę, a jednocześnie zachowuje charakterystyczny dla marki statement. Kolekcja została zaprojektowana modułowo – jej elementy można swobodnie łączyć, tworząc garderobę na cały sezon. To nie jest zestaw pojedynczych sylwetek, ale przemyślany system, który odpowiada na potrzeby współczesnego stylu życia. Couple Dansant – tworzone przez Żanetę i Magdę – konsekwentnie rozwija swoją filozofię odpowiedzialnej mody. Upcycling, lokalna produkcja i praca na materiałach najwyższej jakości nie są tu dodatkiem, ale fundamentem. W centrum pozostaje idea wydłużania życia ubrań, które zdecydowanie wykracza poza jeden sezon. Credits: Fotografia: Moïse Youmba (@moiseymb) Modelka: Sabrina Morreno (@sabrinamorreno) Stylizacja: Żaneta Mrowca (@zanetamrowca) & Gina Rae Bennett (@ginaraebennett) Produkcja: Magdalena Lenicka (@magdalenalenicka)
Premierowo na ELLE.pl: Kolekcja Simony Nikołajewskiej na sezon wiosna-lato 2026
Znajoma, ale potrafiąca zaskoczyć. Elegancka, a przy tym zaskakująco nonszalancka. Zwiewna, a osadzona w codzienności. Właśnie taka jest kolekcja Simony Nikołajewskiej na wiosnę i lato 2026.
Ubrania jej projektu nosiły Krystyna Janda, Magda Lamparska, Aleksandra Mirosław, Kasia Sokołowska i Małgorzata Kożuchowska. Można je oglądać w kampaniach Swarovskiego i Vandy Novak, a niedano zostały zaprezentowane w shorwoomie podczas paryskiego tygodnia mody. Teraz Simona Nikołajewska powraca z kolekcją na wiosnę i lato 2026, która, choć bazuje na dobrze znanej fankom marki kobiecości, wprowadza niezbadaną dawcześniej ideę miejskiego komfortu. Simona Nikołajewska wiosna-lato 2026 Obok charakterystycznych form 3D projektantka tym razem postawiła na balonowe fasony. Zastosowała je zarówno w spodniach typu balloon, jak i spódnicach i sukienkach o fasonie bombki. Objętość nie została jednak potraktowana dosłownie, objawiając się w kolekcji w kilku wariantach. Jednym z najbardziej intrygujących jest baskinka umieszczona na romantycznym topie, która zwraca uwagę na talię za pomocą marszczeń. Kolejną oś tworzą marynarki – taliowane i nadające sylwetce kształt klepsydry z mocno poszerzonymi biodrami, albo pudełkowe rodem z końca lat 50. XX wieku. Choć konstrukcja odgrywa tu dużą rolę, SS2026 nie traci lekkości. Obok mocniejszych, rzeźbiarskich form pojawiają się zwiewne sukienki w duchu boho, a także bardziej zmysłowe projekty z odkrytymi plecami i głębokimi dekoltami. To właśnie ten dialog między miękkością a mocnym cięciem sprawia, że kolekcja wydaje się współczesna i bardzo kobieca, ale nieoczywista. Kolekcja została pomyślana tak, by jej elementy można było ze sobą swobodnie łączyć. Jedna kurtka na stójce może zyskać zupełnie inny charakter w zależności od tego, czy zestawimy ją ze spodniami, awangardową spódnicą wykończonym frędzlami czy romantyczną mini z różami 3D.
Moda po łódzku - Trend Station: Peron 2 już 20 maja 2026 na dworcu Fabrycznym
Moda po łódzku nabiera nowego wymiaru – 20 maja 2026 na dworcu Fabrycznym odbędzie się Trend Station: Peron 2, wyjątkowy pokaz w ramach City Climate Summit. To nie tylko święto stylu, lecz także manifest świadomej i odpowiedzialnej mody – scena gromadzi marki i artystów, którzy tworzą z poszanowaniem środowiska i w duchu idei fair fashion.
Spektakl to część City Climate Summit, cyklicznej konferencji dedykowanej szeroko pojętemu bezpieczeństwu klimatycznemu. Pokaz także skupia się na wartościach związanych z poszanowaniem klimatu. Scena należy do tych marek odzieżowych i artystów, którzy budują swoje projekty i swój biznes w oparciu o ideę mody w wydaniu fair. Tym razem poszerzono formułę o możliwość przesyłania zgłoszeń do udziału w pokazie, a ocenę pozostawiono ekspertom z Rady Kuratorskiej. Jej celem było stworzenie spójnego artystycznie i ideowo programu, który podkreśli środowiskową i społeczną odpowiedzialność, innowacyjność, jakość wykonania oraz dojrzałość projektową polskiej mody. Przewodniczącą Rady została Aleksandra Włodarczyk - założycielka Fashion Futures, Ambasadorka klimatyczna z ramienia UE, założycielka portalu i bloga "Świadomy Konsument Mody", a jej członkowie to: Marcin Świderek - Wicenaczelny ELLE, Aneta Dalbiak - Dyrektorka Centralnego Muzeum Włókiennictwa w Łodzi, projektant Michał Szulc, Dorota Stępniak - pomysłodawczyni Łódź Design Festival i była kierowniczka operacyjna FashionPhilosophy Fashion Week Poland, mentorka biznesu i założycielka marki woshwosh Martyna Zastawna, Magdalena Bornos-Paciorek - Fashion Industry Manager w Google, Anna Wierzbicka - Dyrektor Departamentu Ekologii i Klimatu Urzędu Miasta Łodzi, Bartosz Domaszewicz - Przewodniczący Rady Miejskiej w Łodzi oraz Magdalena Martin-Walczak - project manager Trend Station w Wydziale Kształtowania Środowiska UMŁ. Laureaci konceptu kuratorskiego Cathy Silvia Voget Marka powstała jako studio graficzne specjalizujące się w produkcji odzieży. Koncentruje się na rzemiośle i ponadczasowości, łącząc tradycyjne i cyfrowe krawiectwo, dążąc do redukcji próbek i zdrowszej mody. Wykorzystuje również technologię konstrukcji 3D do tworzenia limitowanych kolekcji kapsułowych z upcyklingu. Kolekcja „UNLIT” prezentowana na Trend Station, inspirowana „Trzema Kolorami” Kieślowskiego, posiada cyfrowy paszport produktu – hashtag z Qr kodem przekierowujący do informacji odnośnie pochodzenia tkanin oraz możliwości naprawy bądź wykonania upcyclingu danej rzeczy. Pan Tu Nie Stał Marka, której misją jest promowanie polskiej kultury w życiu codziennym. Realizuje swój cel poprzez popularyzowanie dobrego polskiego wzornictwa na produktach użytkowych. Projektuje i produkuje lokalnie, czyli w Łodzi i okolicach. Język wizualny PTNS czerpie z polskiej szkoły plakatu, typografii lat 60. i 70., dorobku polskich tuzów ilustracji. Marka tworzy również produkty, które są indywidualną interpretacją lokalnego dziedzictwa – od kolekcji inspirowanych łódzkimi osiedlami, starym liternictwem, po współpracę z Muzeum Sztuki w Łodzi (kolekcja Projekt z 2018 roku inspirowana m.in. twórczością Strzemińskiego, Kobro). Agata Wojtkiewicz Pionierka minimalistycznych, naturalnych sukien ślubnych w Polsce – jako pierwsza wprowadziła ideę projektowania sukni ślubnych, opartego na prostocie i świadomym doborze naturalnych tkanin. Filozofia marki koncentruje się na łączeniu nowoczesnej formy z etyką produkcji i trwałością ubioru. Kolekcja „RE.lov” prezentowana podczas Trend Station to wyjątkowa koncepcja projektów stworzonych z naturalnych jedwabi, pochodzących od certyfikowanych producentów tkanin. Suknie zaprojektowane są z przeznaczeniem do ponownego użycia po uroczystości ślubnej, poprzez możliwość ich farbowania barwnikami naturalnymi. Kopyto Marka powstała z miłości do natury. Odzież i akcesoria wykonane są z certyfikowanej etycznej wełny merino – są w 100% naturalne, biodegradowalne, projektowane zgodnie z filozofią less waste. Marka dokłada starań, by prowadzić działalność w sposób odpowiedzialny środowiskowo na każdym etapie – od wyboru surowców po sposób pakowania i dalszy obieg produktów. Wełna, z której powstają ubrania, objęta jest certyfikatem RWS (Responsible Wool Standard), który potwierdza dobrostan zwierząt oraz odpowiedzialne praktyki w całym łańcuchu dostaw, zaś bawełna posiada standard Better Cotton (BCI), który ogranicza negatywny wpływ upraw na środowisko i poprawia warunki pracy rolników. Marka angażuje się także w działania branżowe – jest członkiem Klubu Partnerów Fashion Revolution Poland, wspierając transparentność i odpowiedzialność w modzie. Maja Pilarek Marka, w której główną rolę gra kolor i autorskie podejście do dzianiny. Ubrania są połączeniem sztuki, użytkowości i nowatorskich rozwiązań technologicznych. Projektantka traktuje modę nie jako szybkie trendy, lecz osobiste historie. Stawia na lokalną produkcję, najlepsze składy i wysoką jakość wykonania. Pokazowa kolekcja „Echoes” jest opowieścią o Śląsku. To próba odczarowania regionu i przełamania ciążących na nim stereotypów. Formy nawiązują również do stroju ludowego i górniczego oraz do stereotypowego wizerunku Ślązaczki-gospodyni. W kolekcji dominują autorskie dzianiny – żakardowe, ażurowe i ręcznie malowane – wykonane z przędz stockowych. Towarzyszą im surowy denim oraz elementy szydełkowe, m.in. odzyskane ze starych obrusów i przetworzone w torby oraz czapki. Kapotka Marka powstała z potrzeby tworzenia mody w duchu odpowiedzialności oraz szacunku do rzemiosła. Inspiracją do jej powstania jest fascynacja polskim wzornictwem tekstylnym drugiej połowy XX wieku oraz przekonanie, że ubranie może być nie tylko okryciem, lecz także nośnikiem historii i pamięci o lokalnym dziedzictwie. Głównym założeniem jest projektowanie unikatowej odzieży i akcesoriów powstających wyłącznie z materiałów z drugiego obiegu. W kolekcjach wykorzystywane są przede wszystkim dekoracyjne i ludowe tkaniny z okresu PRL – produkowane w Polsce, głównie z surowców naturalnych, tkane techniką żakardową i dwuosnowową. Projektantka zestawia je z materiałami, takimi jak sztruks czy dzianina dresowa, pozyskiwanymi ze sklepów z odzieżą używaną. Jarosław Ewert Artysta opiera się na idei świadomego projektowania oraz odpowiedzialnej produkcji, jego sylwetki stanowią alternatywę dla masowej, szybkiej mody. Kolekcje powstają w dużej mierze z odzyskanych materiałów i nadwyżek produkcyjnych, które zyskują nowe życie w postaci unikatowych projektów. Upcykling w wydaniu Jarosława Ewerta nie jest jedynie techniką, lecz filozofią twórczą — proces projektowy rozpoczyna się często od materiału i jego historii, a nie od gotowego szkicu. Charakterystyczne dla marki są dekonstrukcje, łączenie różnych faktur i tkanin oraz nadawanie nowego kontekstu istniejącym elementom garderoby. Ważnym elementem kolekcji prezentowanej podczas Trend Station jest odzyskiwanie oraz przetwarzanie niesprzedanych projektów z wcześniejszych sezonów, którym nadano nową formę i funkcję. Acephala Marka znana z intelektualnego podejścia do mody i licznych odniesień do sztuki, literatury i kultury. Łączy minimalizm z eksperymentalizmem, zestawiając prostotę formy z finezyjnymi detalami i elementami rzemiosła. Ubrania marki wyróżniają tkaniny o nietypowych splotach i bogatych fakturach. W oparciu o techniki recyclingu i upcyclingu, marka wykorzystuje materiały niepotrzebne i resztki poprodukcyjne, wplatając je w kolekcje za pomocą eksperymentów tkackich, haftu i patchworku. Wszystkie kolekcje tworzone są na miejscu w Warszawie w limitowanej ilości egzemplarzy. Kolekcja “Flexibilis”, prezentowana podczas Trend Station, zainspirowana twórczością Magdaleny Abakanowicz, powstała w całości z materiałów z drugiego obiegu. Informacje na temat Trend Station oraz City Climate Summit znajdziecie na profilu Instagram oraz na www.trendstation.pl
Młode polskie marki modowe, które warto znać. O tych 9 brandach za chwilę zrobi się naprawdę głośno
Nie tylko duże nazwiska tworzą dziś ciekawy obraz polskiej mody. Coraz więcej dzieje się wśród młodych marek, które stawiają na wyrazistą estetykę.
Polska moda najciekawiej rozwija się dziś tam, gdzie wciąż czuć świeżość, autorski styl i brak kalki. To właśnie młode, często początkujące marki coraz częściej tworzą dopracowany i wyrazisty język stylu. Część buduje swoją pozycję przez dodatki i biżuterię, a część przez ubrania. Oto 9 polskich marek, które warto mieć na radarze. 1. Bondi Bondi ma w sobie coś z wakacyjnego luzu i dopracowanej, miejskiej garderoby jednocześnie. Marka założona w 2023 roku sama opisuje swoje DNA jako połączenie prostoty, naturalności i minimalizmu z miłością do elegancji oraz klasyki w odważniejszym wydaniu. Inspiracją stała się Australia i właśnie ten klimat czuć w projektach najmocniej: jest tu luz, seksapil i swoboda, ale bez przesady. Dodatkowym atutem pozostaje produkcja w Polsce i praca na limitowanych tkaninach co nadaje kolekcjom bardziej kolekcjonerski, mniej masowy charakter. 2. Orage Studio Orage Studio w zaledwie 3 lata stało się jedną z ulubionych marek influencerek, redaktorek mody i cool girls z całej Europy. Na pewno kojarzycie nietuzinkowe koszule z bufiastymi rękawami oraz sukienki z wycięciami na dekolcie z pierwszych kolekcji. Założycielka marki, Kinga Janocha, doskonale wie, jak łączyć prostotę z funem i właśnie to najlepiej oddaje charakter Orage: rzeczy są nowoczesne, oryginalne i nie potrzebują zbyt wiele dodatków - to one są gwiazdami stylizacji. 3. Inna Słodycz Inna Słodycz to marka biżuteryjna założona w 2020 roku. Jej siłą jest bardzo autorski język - trochę dziewczęcy, trochę nostalgiczy, ale jednocześnie daleki od banalnej słodyczy. Projekty powstają w Polsce, częściowo we współpracy z lokalnymi jubilerami i pracowniami odlewniczymi. To biżuteria, która nie wygląda jak neutralny dodatek, tylko jak mały osobisty talizman. Właśnie dlatego Inna Słodycz dobrze wpisuje się w krajobraz młodych polskich marek, które budują więź z odbiorczynią, a nie tylko estetyczny efekt. 4. Farsh Cracow Farsh to jedna z tych polskich marek, które nie powstały z chłodnej analizy trendów, tylko z bardzo osobistej, artystycznej potrzeby. Za brandem stoi Paulina Rzeźnik, a sama marka wyrasta z myślenia o detalu jako czymś, co potrafi nadać codziennej stylizacji przewrotnego luzu. Projektantka inspiruje się Marcelem Duchampem, co od razu ustawia Farsh bliżej projektowego konceptu niż zwykłego dodatku. Torebka w kształcie pieroga trafiła do sprzedaży zaledwie rok temu i błyskawicznie podbiła Instagram.Duży plus za lokalność: torebki szyte są w Polsce, w wyspecjalizowanej szwalni wyrobów skórzanych. 5. LE SH KA headwear LE SH KA headwear pokazuje, że młoda posla moda nie kończy się na ubraniach. Marka powstała w 2021 roku i koncentruje się na nakryciach głowy - od słomkowych i filcowych kapeluszy aż po wełniane toczki. To wokół nich buduje wyrazisty, elegancki świat. LE SH KA działa w segmencie bardziej dopracowanego, luksusowego akcesorium, a część modeli powstaje w Polsce i jest ręcznie zdobiona. 6. Leo season Leo Season to marka, która dobrze odnajduje się w obszarze nowoczesnej kobiecości z wyraźniejszym akcentem fashion. Brand powstał w 2022 roku i od początku stawia na wysoką jakość wykonania.W estetyce Leo Season jest coś z power dressingu, coś z nowoczesnego glamour i sporo potencjału na status bardziej insiderskiej mody. Nie bez powodu kurtka z nowej kolekcji znalazła się w kwietniowej sesji ELLE z Zalią. 7. Hlebava Hlebava to mikrobrand, który zamiast budować szeroką ofertę, koncentruje się na jednym, bardzo wyrazistym obszarze: nakryciach głowy. W ofercie pojawiają się pillboxy, sailor hats, boucle hats czy denimowe wariacje, a więc dodatki, które same w sobie potrafią zbudować stylizację. Hlebava celuje w modową osobowość, w detal, który zmienia cały look i sprawia, że nawet prosta stylizacja zaczyna przyciągać wzrok. 8. Madelle Madelle ma bardziej kobiece, miękkie i nostalgiczne DNA niż większość marek w zestawieniu, i właśnie to czyni ją tak interesującą. Brand kieruje swoją ofertę do miłośniczek szlachetnych tkanin, kobiecych krojów i subtelnych odniesień do retro, które są jednak tłumaczone na język współczesny. Nie ma tu przebierania się w vintage, jest raczej świadome czerpanie z dawnych kodów stylu i nadawanie im nowego rytmu. Madelle dobrze odnajduje się w estetyce, którą można opisać jako filmową, elegancką i bardzo kobiecą. 9. Atomy Marka Atomy pokazuje, że akcesoria mogą być równie ważnym głosem w modzie jak ubrania. Pierwsza kolekcja powstała w 2022 roku i od razu podbiła serca redaktorek mody. Minimalistyczne skórzane oraz wegańskie torby i akcesoria szyte ręcznie w Gdańsku mają czystą, nowoczesną formę, ale z modowym twistem. To raczej ten typ minimalizmu, który nie jest nudny.
Premierowo na ELLE: Walentynkowa kolekcja Hibou "Love you, babe". Powstała z myślą o relacjach, które budują codzienność
Oto jedna z najbardziej klimatycznych kampanii walentynkowych, za którą stoi laureatka ELLE About Fashion, Dorota Szulc. Kolekcja marki Hibou to idealny pomysł na prezent dla samej siebie, przyjaciółki lub drugiej połówki.
W świecie, w którym Walentynki coraz częściej redefiniujemy na własnych zasadach, Hibou proponuje narrację bliższą codzienności niż spektakularnym gestom. Zamiast oczywistych symboli pojawiają się miękkie faktury, pudrowe odcienie różu, ciepła biel i delikatne koronki. Zamiast wielkich deklaracji – czułość, bliskość i drobne momenty, które składają się na prawdziwe relacje. Walentynkowa kolekcja Hibou to idealny prezent (również dla samej siebie) „Love you, babe” to kolekcja zaprojektowana z myślą o kobietach i więziach, które tworzą między sobą: przyjaźniach, siostrzeństwie, partnerskich relacjach, ale też o relacji z samą sobą. To ubrania, które naturalnie wpisują się w rytm dnia – od poranków z kawą, przez spokojne popołudnia, aż po wieczory spędzane w domowym komforcie. Kolekcja balansuje między intymnością a estetyką, która zachwyca wizualnie. To projekty, które równie dobrze można nosić wyłącznie dla siebie, jak i podarować komuś bliskiemu – bez presji okazji, bez potrzeby tłumaczenia gestu. Co znalazło się w walentynkowej kolekcji Hibou „Love you, babe”? W linii znalazły się zestawy z koronkowymi wykończeniami, lekkie topy, krótkie szorty, koszule oraz dodatki, takie jak opaski, gumki do włosów czy miękkie biustonosze do spania. Wszystko utrzymane w charakterystycznej dla Hibou estetyce: subtelnej, kobiecej i ponadczasowej, z naciskiem na wysokiej jakości jedwabie i bawełny przyjemne dla skóry.
Siła ciszy, ruch w harmonii. Nowa kolekcja HIZEN od JOYINME inspirowana japońską filozofią uważności.
W kulturze Japonii piękno nie krzyczy. Wybrzmiewa w pauzie, w precyzyjnym geście, w rytuale, który uspokaja myśli i porządkuje ciało. Tę właśnie estetykę – subtelną, świadomą i głęboko zakorzenioną w harmonii – marka JOYINME przenosi do swojej najnowszej kolekcji HIZEN. To opowieść o ruchu, który staje się tak naturalny jak oddech, i o ubraniach, które nie dominują, lecz współistnieją z rytmem ciała.
SHIZEN to stan, w którym ruch staje się intuicyjny, spokojny i autentyczny. Nowa japan collection marki JOYINME czerpie z japońskiej filozofii harmonii oraz bezkompromisowej jakości, z której brand słynie od lat. To hołd dla estetyki slow living, w której nowoczesny design spotyka się z uważnością i szacunkiem do codziennych rytuałów. Kolekcja HIZEN została zaprojektowana jako przestrzeń – dla ciała i dla myśli. Ubrania nie narzucają się formą, lecz naturalnie podążają za ruchem, oferując pełną swobodę i komfort. Paleta barw inspirowana jest naturą: kojące odcienie mchu, piasku i ziemi sprzyjają wyciszeniu i koncentracji, a minimalistyczne kroje pozwalają skupić się na tym, co najważniejsze – na oddechu i obecności tu i teraz. JOYINME od początku istnienia zaprasza do uważności. Tym razem inspiracją stała się odległa kultura Japonii, w której każdy gest ma znaczenie, a harmonia rodzi się z prostoty. Kolekcja HIZEN idealnie wpisuje się w filozofię marki, dla której ruch – od jogi po pilates – jest nie tylko aktywnością fizyczną, ale także drogą do rozwoju cierpliwości, życzliwości i świadomego kontaktu z samą sobą. JOYINME to więcej niż marka – to zaproszenie do świata ruchu i świadomego stylu życia. W jej portfolio znajdują się najwyższej jakości maty i akcesoria do jogi oraz pilatesu, sensoryczne ubrania do ćwiczeń, komfortowe projekty na co dzień zdobione afirmacjami, a także naturalne kadzidła i świece wspierające codzienną praktykę. Polska marka założona przez Paulinę Niedzielską od lat inspiruje kobiety do odnajdywania radości w ruchu i czerpania siły z uważności. JOYINME powstało z potrzeby połączenia komfortu z kobiecą energią – tak, aby wspierać zarówno intensywne treningi, jak i momenty wyciszenia. Produkcja sesji: JOYINME Zdjęcia: Estella Dandyk Modelka: Zuzanna Matusiak Makijaż: Agata Kowalska
Inspirowane baletem „sheer body” polskiej marki to nowa obsesja warszawskich it-girls. 2 rozmiary już wyprzedane
Jego czarna wersja jest już całkowicie wyprzedana. Teraz z magazynów zaczynają znikać również kremowe modele. Nowe body z jedwabnej organzy, która estetyką mocno nawiązuje do kultury baletu, to hit polskiej marki, który zdecydowanie warto mieć w swojej szafie.
Pamiętacie jeszcze balletcore? Słusznie, bo ubrania inspirowane modą baletową w 2026 roku powracają na salony. Nie chodzi tylko o popularne baleriny czy „dziewczęce” sneakersy. Projektanci po raz kolejny eksperymentują z tiulem, warstwowymi falbankami i przezroczystymi tkaninami. Oprócz romantycznej koronki, na listach trendów będą królowały również gładkie, transparentne elementy garderoby, o czym dobrze wiedzą dziewczyny z branży, które masowo wykupują nowe body polskiej marki Undress Code. Jedwabne body Pirouette – nowość polskiej marki Undress Code Body Pirouette polskiej marki Undress Code to coś więcej niż esencja romantyzmu i kobiecości. To synonim nowoczesności, połączony z baletową nutą dziewczęcego uroku. Body zostało w 100% uszyte z delikatnej, jedwabnej organzy, która charakteryzują się niebywałą lekkością. Dzięki temu żadna stylizacja nie wygląda ciężko i topornie. Zamiast tego staje się subtelna i pełna gracji - niczym pirouette profesjonalnej baletnicy. Kremowe body z metką Undress Code ma luźny krój, kimonowe rękawy oraz zabudowany dekolt ze stójką, który przechodzi w wiązaną szarfę z tyłu (ideał dla wielbicielek kokard). Dół z miękkiego tencelu otula niczym druga skóra, a do tego zapewnia idealne ułożenie body na sylwetce. Możesz zapomnieć o wyślizgującej się spod spodni bluzce. Nic dziwnego, że body Pirouette od Undress Code już jest całkowicie „sold out”. View Burdaffi on the source website Jak stylizować „sheer bodysuit”? Kremowe „sheer bodysuit” z jedwabiu doskonale komponuje się z garniturowymi spodniami z szeroką nogawką i w taki sposób it-girls noszą je zdecydowanie najczęściej. Ale możliwości jest tu znacznie więcej. Luźne body od Undress Code świetnie komponuje się także ze spódnicami – ołówkowe midi, dopasowane maxi są tu równie niezawodne. Pod oversizeową marynarką też wygląda doskonale. W kontekście koloru najbardziej klasycznym uzupełnieniem kremowego body Pirouette będą brązy i czerń, ale jeśli neutralna paleta barw to dla ciebie za mało, możesz śmiało zestawiać je także z pastelowymi elementami garderoby, aby uzyskać dosłownie baletowy look. View Burdaffi on the source website Transparentne ubrania - sheer trend 2026 Trend na przezroczystości nie zwalnia tempa. Stylowe koronki, transparentne organzy, siateczki… Każdy z tych elementów regularnie pojawia się na ulicach, czerwonych dywanach i pokazach modowych gigantów. Ubrania z prześwitami już dawno przestały być kojarzone wyłącznie z prowokacyjną modą, teraz są raczej kluczowym elementem trendujących stylizacji. Prześwitujące „lace skirts” polskie gwiazdy (i nie tylko) noszą na potęgę, ale to tylko początek stylowych możliwości. Podpowiadamy, gdzie kupić transparentne ubrania, które będziesz mogła założyć nie tylko na specjalne okazje. View Burdaffi on the source website
Nowa gwardia: Poznajcie 3 polskie marki modowe, o których w 2026 będzie mówić cały świat
To właśnie one redefiniują polską modę i wychodzą poza rynek lokalny, udowadniając, że gra globalna nie musi oznaczać utraty krajowego dziedzictwa.
„Czy polska moda ma swoją tożsamość?”, zadaliśmy sobie to pytanie podczas panelu dyskusyjnego ELLE na minionym Łódź Young Fashion. Fakt, że debata zbiegła się w czasie z kalendarzowym końcem roku, mimowolnie skłania do przemyśleń. W końcu grudzień od zawsze był momentem podsumowań, refleksji i oczekiwania na nowe. I choć nie da się całkowicie przewidzieć, jak rynek polskiej mody będzie wyglądać w 2026 roku, a typowanie nowych trendów, zjawisk czy sukcesów danej marki często przypomina wróżenie z fusów, czasami już szybki przegląd social mediów potrafi zastąpić stawianie Tarota. Leo Season to najbardziej „cool” marka sezonu W gąszczu instagramowych postów promujących polską modę łatwo przegapić prawdziwą perełkę. Kiedy jednak do jej klientów zaliczają się Anna Lewandowska, Kristen Stewart, Khloe Kardashian, Jennie, Simone Ashley czy Renee Rapp, czy tego chcesz czy nie, nieraz o niej usłyszysz. Tak prestiżową listą miłośniczek może pochwalić się Leo Season. Polska marka założona w 2020 roku w Lublinie powstała z myślą o „tworzeniu wysokiej jakości mody inspirowanej najnowszymi trendami”. Po pięciu latach na rynku specjalizuje się w zmysłowych sukienkach, nowoczesnych kompletach interpretujących street style poprzez pryzmat estetyk lat 80. i 90., ale przede wszystkim w plekadzie okryć wierzchnich zdolnych do przyprawienia o szybsze bicie serca nawet doświadczoną bywalczynie pokazów. „Pomysł na Leo Season narodził się z głębokiej pasji do mody oraz potrzeby stworzenia czegoś własnego, autentycznego. Nie była to decyzja podjęta spontanicznie – pierwsza idea pojawiła się w 2020 roku. Proces tworzenia marki był wymagający i wieloetapowy, dlatego dopiero po dwóch latach konsekwentnej pracy powstała nasza pierwsza kolekcja. Najpierw zbudowaliśmy pracownię, w której współpracujemy z doświadczonymi rzemieślnikami – to dzięki nim możemy tworzyć projekty dopracowane w każdym detalu.”, mówią założyciele Leo Season. Potwierdzeniem tego jest fakt, że pomimo pięciu lat na rynku, pierwsza kolekcja światło dzienne ujrzała dopiero w 2022 roku. Na co poświęcili pierwsze dwa lata? Na naukę biznesu od podstaw. „Szybko odkryliśmy, że branża mody jest niezwykle wymagająca. Tworzenie marki to ciężka praca i wiele wyrzeczeń. Nie postrzegamy jednak siebie jako wielkiego sukcesu. Bardziej cieszy nas fakt, że nasze projekty znajdują swoje miejsce w szafach klientek na całym świecie. To dla nas największa nagroda”. W kolekcji i kampanii na sezon jesień-zima 2025 marka, poprzez komunikację wizualną, po raz kolejny opowiada o swoich artystycznych inspiracjach. „Tym razem sięgnęliśmy po świat wykreowany przez niemiecką artystkę Isę Genzken, która z na pozór prostych materiałów – folii, plastiku, resztek tkanin – potrafi tworzyć wizje balansujące między futuryzmem a delikatną melancholią. Z jednej strony surowość i chłód przemysłowych folii, z drugiej miękkość i przytulność sztucznych futer, z których powstała nasza kolekcja. To kontrastowe połączenie okazało się nam szczególnie bliskie”. „Od dłuższego czasu za set design naszych kampanii odpowiada Anna Grunwald, która doskonale wyczuwa naszą estetykę. To właśnie wspólnie z nią odnajdujemy ten subtelny balans – między sztuką a modą, między tym, co surowe, a tym, co miękkie i pełne ciepła”. A co widzą dla siebie w przyszłości? Czy pomimo długiej listy sławnych klientek nieśmiało (albo wręcz przeciwnie) marzą o dodaniu do niej konkretnej gwiazdy? „Szczerze mówiąc, każda klientka jest dla nas równie ważna. Za każdym razem, gdy widzimy nasze projekty noszone przez kogokolwiek, czujemy ogromną radość i satysfakcję. Tak samo cieszy nas wiadomość od klientki, która jest zadowolona z zakupów, jak publikacja w mediach przez znane osoby. Nie ukrywamy, że sami nie spodziewaliśmy się aż tak szerokiego odbioru — to dla nas bardzo miłe i budujące. To ogromne wyróżnienie, że gwiazdy, mając do wyboru tysiące znanych brandów, sięgają po projekty młodej polskiej marki z Lublina. (…) Nie myślimy jednak o marzeniach w kategoriach konkretnych nazwisk. Najbardziej zależy nam na tym, aby marka rozwijała się w naturalnym rytmie i docierała do coraz większego grona klientek na całym świecie. To właśnie daje nam największą motywację”. Karen Arcanjo składa hołd polskiemu rękodziełu Trendy mówią same za siebie – rękodzieło jest cool. Marki na całym świecie zmieniły przedmioty codziennego użytku, często wykonywane metodami przekazywanymi z pokolenia, na globalny obiekt pożądania. Jedną z nich jest Karen Arcanjo - założona w 2021 roku, koncentruje się na wyjątkowych tkaninach, pięknych detalach i precyzyjnym kroju. Łącząc tradycję z nowoczesnością, projekty polskiej marki stają się uosobieniem celebracji rzemiosła. Nie sposób nie docenić ich szydełkowanych detali, misternej koronki czy wełny tkanej na krośnie. Ubrania i dodatki Karen Arcanjo pełne nostalgicznych akcentów i regionalnych odniesień nie wyrosły z chwilowej mody, ale z głębokiego szacunku do rzemiosła, tradycji oraz historii zakorzenionej w miejscach, w których dorastała założycielka marki, Karen Arcanjo-Nazar. Dzięki temu są one niezwykle osobiste, intymne, ale przy tym też autentyczne. „Wychowywałam się w domu, gdzie robienie na drutach i szydełkowanie były codziennością. Dziś te umiejętności powoli zanikają wraz z odejściem mojej babci, dlatego tym bardziej czuję potrzebę, by je chronić, pielęgnować i przenosić we współczesność”. „Rękodzieło jest sercem marki. Każdy projekt powstaje dzięki kunsztowi wykwalifikowanych rzemieślników, a detale pojawiające się w naszych kolekcjach często nawiązują do lokalnych technik, motywów i dziedzictwa. Współpracujemy z twórcami i społecznościami, dla których te tradycje są nadal żywą częścią codzienności — i to właśnie ich doświadczenia, sposób patrzenia na materiał oraz osobiste opowieści nadają naszym projektom tę charakterystyczną, nostalgiczną głębię”. Jednak nie tylko nostalgiczne akcenty i rodzimy folklor doprowadziły do rozpoznawalności marki. To, czym wyróżnia się Karen Arcanjo na tle innych, jest zrozumienie kobiety i jej dwoistej natury. Poza romantycznym rękodziełem marka proponuje także mocne garnitury w duchu power dressingu. „Dualizm daje mi swobodę tworzenia form, które są zarówno romantyczne, jak i współczesne. To zabawa tkaniną, konstrukcją i krojem, dzięki której mogę ubrać kobietę nie tylko w jej marzenia, ale jednocześnie poprowadzić ją przez język współczesnych trendów. W efekcie powstają projekty, które nie są ani czysto klasyczne, ani wyłącznie awangardowe – są wypadkową emocji, siły i wrażliwości”. Ten dualizm widoczny jest także w tym, gdzie projektantka odnajdywała i obecnie odnajduje wenę twórczą. „Sztuka współczesna zawsze była dla mnie ważnym źródłem inspiracji — obraz, fotografia czy rzeźba potrafią otworzyć zupełnie nowe perspektywy. Jednak obecnie najwięcej czerpię z czegoś zupełnie innego: z przeszłości. Spędzam mnóstwo czasu na wyszukiwaniu starych albumów, archiwalnych książek i publikacji poświęconych rzemiosłu, tradycyjnym technikom oraz dawnym sposobom wytwarzania ubrań. Fascynują mnie też regionalne stroje i detale, które niosą ze sobą historię i kunszt minionych pokoleń”. Projekty Karen Arcanjo doskonale wpisały się przy okazji w rosnącą popularność trendu na indywidualizm. Już zawieszki noszone na torebkach w stylu Jane Birkin pokazały przebodźcowanie mikro estetykami i realną potrzebę konsumentów na rzeczy unikalne, jedyne w swoim rodzaju i niosące ze sobą pewną historię. „Przedmioty tworzone tradycyjnymi metodami mają w sobie coś, czego nie da się skopiować masową produkcją: autentyczną obecność człowieka. Staja się dziełem sztuki. W naszym przypadku każdy produkt jest utkany nie tylko z przędzy, ale także z historii osób, które dana rzecz wykonały. Każdy element niesie ze sobą ślady rąk, gestów, decyzji twórcy — a dzięki temu ma własną duszę. I właśnie ta dusza przyciąga ludzi na całym świecie, zwłaszcza dziś, gdy poszukiwane są przedmioty unikatowe, prawdziwe, pełne znaczeń i przeciwstawiające się kulturze jednorodności. Każdy chce doświadczyć tej historii”. Ubrania Epuzer to mariaż siły i kobiecości Jeśli już mówimy o trendach na 2026 rok, nie można nie wspomnieć o dekadenckim maksymalizmie lansowanym przez pryzmat estetyzmu i pokrywający się z coraz silniej wybrzmiewającym eskapizmem. „The bigger is better” będą mówić nasze złote kolczyki, szerokie paski z biżuteryjnymi sprzączkami czy przerysowane w formie garnitury jak z lat 80. Ten enigmatyczny urok, polegający na wydobywaniu siły bez poświęcania kobiecości, to specjalność marki Epuzer. I choć w centrum swojego DNA polski brand stawia na minimalizm, w najnowszej kolekcji na jesień-zimę udaje mu się połączyć go z ekstrawagancją, nadając estetyce własny, wyjątkowy charakter. „Epuzer narodził się z potrzeby estetycznej i fascynacji tym co nieoczywiste. To marka oparta na emocji i enigmatic allure – nie na trendach, lecz nastroju i energii. Epuzer przyciąga, intryguje i budzi pożądanie poprzez formę, fakturę, pozostawiając przestrzeń na interpretacje. To ubrania, które nie potrzebują deklaracji, a mimo to pozostają w myślach”. To również ubrania, które są synonimem mody najwyższej jakości. „Nienegocjowalny jest dla nas warsztat oraz ludzie, którzy tworzą Epuzer. Współpracujemy z najlepszymi fachowcami – konstruktorami, szwalniami i rzemieślnikami, dla których precyzja i doświadczenie są fundamentem. Drugim filarem są tkaniny naturalne, światowej klasy, starannie wyselekcjonowane. Szyjemy wyłącznie w Polsce, dbając o jakość na każdym etapie powstawania projektu”. Epuzer na tle konkurencji wyróżnia jednak nie tylko jakość i nietuzinkowa wizja, ale także świadome zarządzanie skoncentrowane na klientach. A z sezonu na sezon ich lista jest coraz bardziej imponująca i międzynarodowa. W ubraniach marki wystąpiły Sydney Sweeney, Bella Thorne, Camila Coelho czy Valeria Lipovetsky. „Projektujemy dla kobiet, które są świadome siebie i swojej własnej siły i swoich wyborów. To marka dla tych, którzy chcą czuć się sobą: zmysłowo, odważnie lub subtelnie – w zależności od momentu”. Jak brzmi „sukces międzynarodowy” w ich języku? „To tworzenie projektów, które są intuicyjnie rozpoznawalne i pożądane w różnych częściach świata. EPUZER postrzega modę jako uniwersalny język, taki który pozwala kobietom czuć się swobodnie i autentycznie, niezależnie od miejsca. Międzynarodowy sukces to dla nas obecność, która nie potrzebuje wyjaśnień, a pozostaje czytelna i pełna subtelnej tajemnicy".