Film z 4 nominacjami do Oscara w końcu dostępny na HBO Max. „Le Mans ’66” wciągnie was od pierwszej minuty
„Le Mans ’66” to opowieść o pasji, rywalizacji i innowacjach w świecie wyścigów samochodowych. Film trzyma w napięciu od pierwszej minuty, a przy okazji pozwala zrozumieć, co sprawia, że 24-godzinny wyścig Le Mans fascynuje fanów motoryzacji od dekad. Produkcja Jamesa Mangolda z 2019 roku zdobyła cztery nominacje do Oscara i od teraz jest dostępna na HBO Max.
Film opowiada prawdziwą historię Carrolla Shelby’ego, wizjonerskiego konstruktora, i Kena Milesa, kierowcy, który za kierownicą wyczuwał każdy detal bolidu. W rolę tego duetu wcielili się Matt Damon (którego niebawem zobaczymy w roli Odyseusza w reż. Nolana) i Christian Bale (znany z „American Psycho”) a ich chemia sprawia, że każda scena pulsuje napięciem, humorem i emocjami - od niezdarnych bójek przed domem Milesa po spięcia w biurze Forda. Dzięki nim widz od razu wciąga się w świat niebezpiecznych wyścigów odbywających się w latach 60. i dramatów bohaterów, chcąc wiedzieć, co czeka ich za następnym zakrętem. Rywalizacja z Ferrari i walka z biurokracją Główni bohaterowie - Shelby i Miles - muszą nie tylko pokonać legendarną drużynę Ferrari, ale też zmierzyć się z sabotującym ich działania urzędnikiem Forda - Leo Beebe’em (w tej roli Josh Lucas). Film pokazuje, że zwycięstwo wymaga nie tylko talentu kierowców, lecz także współpracy całego zespołu i nieustannej innowacyjności w projektowaniu samochodu. Jako fanka motoryzacji, lubiąca szybką jazdę, nie tylko w samochodzie, ale także na motocyklu musze przyznać, że sceny na torze Le Mans zostały mistrzowsko zainscenizowane. Dynamiczny montaż Andrew Bucklanda, Michaela McCuskera i Dirka Westervelta oraz ścieżka dźwiękowa Marco Beltramiego i Bucka Sandersa wciągają widza w wir wyścigu. A każde okrążenie to emocje, które choć wydaje się to niemożliwe - udzielają się także przed ekranem. Widać każdy gest kierowcy, każdy drgający silnik i napięcie rosnące z minuty na minutę. View oEmbed on the source website Wyścig Le Mans i jego historia Wyścig 24-godzinny Le Mans, odbywający się we Francji od 1923 roku, to jeden z najstarszych i najbardziej prestiżowych wyścigów samochodowych na świecie. Początkowo zorganizowany, by przetestować wytrzymałość samochodów i kierowców, szybko stał się areną dla największych innowacji w motoryzacji. W ciągu całodobowego maratonu liczy się nie tylko prędkość, ale też strategia, precyzja i odporność psychiczna. W historii Le Mans nie brakowało dramatycznych momentów - od widowiskowych wyścigów nocnych, przez deszczowe tory pełne poślizgów, aż po tragiczne wypadki, które przypominały o ryzyku stawianym przez odważnych kierowców. Zwycięstwa w Le Mans nierzadko zapisywały się złotymi zgłoskami w historii motoryzacji. Ferrari, Porsche, Audi czy Ford - każda marka marzyła o triumfie na tym legendarnym torze, który stał się symbolem wytrzymałości i innowacyjności. Właśnie w tym wyścigu powstawały kultowe bolidy i rodziły się historie ludzi, którzy przekraczali granice możliwości. „Le Mans ’66” - Oscarowy hit, który warto zobaczyć na HBO Max Film nie tylko dostarcza adrenaliny, lecz także pozwala lepiej zrozumieć pasję ludzi stojących za wyścigami. Mangold pokazuje, co fascynowało takich fanatyków motoryzacji jak Paul Newman czy James Dean - przekraczanie granic, ryzyko życia i całkowite oddanie swojej pasji. Produkcja zdobyła uznanie krytyków i publiczności, a Oscary za montaż i dźwięk dopełniają obrazu perfekcji realizacyjnej. Na szczęście dla fanów motoryzacji, oraz Matta Damon'a - „Le Mans ’66” od 29 listopada 2025 roku dostępny jest na HBO Max. Można go również oglądać na Disney+. To obowiązkowa pozycja zarówno dla tych, którzy lubią poczuć prędkość przemierzając ulice za kierownicą swojej Toyoty Yaris oraz cenią filmowe dramaty oparte na prawdziwych wydarzeniach.
Oldman, Seyfried, Collins i 6 nominacji do Oscara. Zapomniany film Davida Finchera jest inny niż wszystkie
Ten film jest inny niż wszystkie filmy Davida Finchera. Reżyser, który "specjalizuje się" w thrillerach tym razem postawił na film biograficznyopowiadający historię scenarzysty Hermana J. Mankiewicza.
Myśleliście, że David Fincher to tylko thrillery? Na Netfliksie ukrywa się jego najmniej doceniany film pt. "Mank". Obraz odkrywa prawdę o kulisach powstania kultowego „Obywatela Kane’a”. W stylizowanej czerni i bieli ukazuje upadek ideałów, walkę o autorstwo scenariusza i polityczną grę w Hollywood lat 30. W tym artykule: "Mank" - o czym jest film Finchera? Kto napisał scenariusz „Obywatela Kane’a”? Kulisy kontrowersji Gary Oldman i Amanda Seyfried – role, które zaskakują "Mank" - o czym jest film Finchera? Film „Mank” w reżyserii Davida Finchera ukazuje kulisy powstania scenariusza do „Obywatela Kane’a” – jednego z najsłynniejszych filmów w historii kina. Głównym bohaterem jest Herman J. Mankiewicz, alkoholik, błyskotliwy scenarzysta i outsider w świecie Hollywoodu. Mank trafia do pustelni, gdzie ma napisać scenariusz dla młodego reżysera Orsona Wellesa. W miarę rozwoju akcji widz otrzymuje obraz hollywoodzkiej machiny, która wypluwa marzenia na potrzeby zysków i władzy. Fincher nie tworzy klasycznej biografii – zamiast tego skupia się na symbolicznym fragmencie życia Manka, ukazując jego walkę o uznanie, tożsamość artystyczną i wpływ polityki na świat filmu. Akcja rozgrywa się w Hollywood lat 30. i 40., a estetyka filmu stylizowana jest na kino z tamtej epoki – czarno-biała kolorystyka, monofoniczny dźwięk i analogowa struktura obrazu. Reżyser wykorzystuje te środki, by stworzyć symulację starego kina, jednocześnie demaskując fałszywy blask Fabryki Snów. Kto napisał scenariusz „Obywatela Kane’a”? Kulisy kontrowersji Film „Mank” stawia pytanie o prawdziwego autora scenariusza „Obywatela Kane’a”. W oficjalnej wersji za tekst odpowiada duet: Herman J. Mankiewicz i Orson Welles. Jednak film Davida Finchera przyjmuje perspektywę wyłącznie Manka, ukazując Wellesa jako drugoplanową, wręcz antagonistyczną postać. Takie ujęcie nawiązuje do kontrowersyjnej tezy krytyczki Pauline Kael, która twierdziła, że Welles nie miał znaczącego wkładu w scenariusz, a całość napisał Mankiewicz. W „Mank” reżyser ukazuje Hollywood jako system hierarchiczny i opresyjny, w którym artyści błyszczą na ekranie, ale są podporządkowani potężniejszym siłom: producentom, magnatom prasowym, politykom. David Fincher demaskuje złudzenia Fabryki Snów, pokazując, że magia kina często powstaje kosztem moralności, wolności artystycznej i uczciwości. Film jest nie tylko hołdem dla kina, ale i jego brutalną krytyką – ukazuje iluzję jako broń, którą posługują się elity. Hollywood jawi się jako miejsce, gdzie karierowicze wspinają się po trupach, a artyści przegrywają z systemem. Gary Oldman i Amanda Seyfried – role, które zaskakują Gary Oldman w roli Hermana J. Mankiewicza daje popis aktorstwa – jego bohater to człowiek pełen sprzeczności: błyskotliwy, inteligentny, ale też zgorzkniały i uzależniony. Amanda Seyfried jako Marion Davies zaskakuje widzów – jej postać to nie tylko urocza kochanka Hearsta, ale kobieta świadoma swojej roli w świecie zdominowanym przez mężczyzn. Film rehabilituje jej wizerunek, zniekształcony w „Obywatelu Kane’ie”, i pokazuje ją jako osobę inteligentną i wrażliwą. Na uznanie zasługują również muzyka Trenta Reznora i Atticusa Rossa, stylizacja i montaż. To film wizualnie doskonały – dopracowany w każdym detalu. „Mank” zdobył sześć nominacji do Oscara, co czyniło go jednym z głównych faworytów gali w 2021 roku. Finalnie nie zdobył ani jednej nagrody i był największym przegranym Oscarów w 2021 roku.
„Wartość sentymentalna” poruszy cię do głębi. Joachim Trier wraca z arcydziełem godnym niejednego Oscara
Po czterech latach Joachim Trier powraca z dziełem, które z miejsca podbija serca krytyków i widzów. „Wartość sentymentalna” to słodko-gorzka opowieść o rodzinie, pamięci i wybaczeniu, które przychodzą po latach milczenia. Na festiwalu w Cannes film zdobył Grand Prix i wywołał owacje na stojąco trwające najdłużej w historii - bo aż... 19 minut. To najbardziej wyczekiwany tytuł 2026 roku i faworyt do Oscara, w co najmniej kilku kategoriach.
To jeden z tych tytułów, o których mówi się na długo przed premierą - i to nie tylko w festiwalowych kuluarach. „Wartość sentymentalna” Joachima Triera już dziś uchodzi za arcydzieło 2026 roku i nie bez powodu nazywany jest oscarowym faworytem. Reżyser, który zachwycił świat „Najgorszym człowiekiem na świecie”, wraca z historią jeszcze bardziej intymną, dojrzalszą i boleśnie prawdziwą. O czym jest „Wartość sentymentalna”? W centrum „Wartości sentymentalnej” znajdują się siostry Nora i Agnes, których życie po latach zostaje wywrócone do góry nogami, gdy niespodziewanie zjawia się ich ojciec - legendarny reżyser Gustav. Dołącza do niego hollywoodzka gwiazda, która towarzyszy mu, by poznać historię jego rodziny. To spotkanie staje się początkiem emocjonalnej podróży, w której przeszłość i teraźniejszość splatają się w sposób bolesny, a zarazem piękny. Trier umiejętnie prowadzi widza przez intymne, rodzinne dramaty, balansując między czułością a napięciem, pokazując, jak wspomnienia kształtują nasze relacje i jak trudno uciec przed własną historią. To kino, które nie boi się zadawać pytań o to, czym jest wybaczenie, jak wygląda pojednanie i jak rodzina może być jednocześnie źródłem miłości i bólu. View oEmbed on the source website Festiwalowe owacje i gwiazdy w rolach głównych „Wartość sentymentalna” zachwyca nie tylko scenariuszem, ale i wykonaniem. Renate Reinsve, zdobywczyni Złotej Palmy za poprzednią rolę u Triera, powraca w roli Nory, a partneruje jej wschodząca gwiazda norweskiego kina Inga Ibsdotter Lilleaas jako Agnes. W roli Gustava zobaczymy Stellana Skarsgårda, („Czarnobyl”) ikonę kina, której obecność na ekranie daje gwarancję głębi i autentyczności. Do tego dołącza hollywoodzka gwiazda - Elle Fanning - znana widzom z roli carycy Katarzyny II z serialu „Wielka” emitowanym na HBO Max , która wnosi do filmu świeżość i subtelną dynamikę, balansując między dramatem a czułą introspekcją. Publiczność festiwalu w Cannes potwierdziła jakość filmu w sposób spektakularny - owacje na stojąco trwały aż 19 minut, co czyni go jednym z najdłużej oklaskiwanych filmów w historii festiwalu. Krytycy z całego świata porównują dzieło do najlepszych filmów Ingmara Bergmana, podkreślając jego wielowymiarowość, emocjonalną precyzję i mistrzowskie prowadzenie aktorów. „Wartość sentymentalna” to film, który zostaje w sercu na długo. Kiedy premiera? „Wartość sentymentalna” to nie tylko nagrody i festiwalowy splendor. To przede wszystkim opowieść, która wnika w codzienne życie widza, zmusza do refleksji nad tym, co w rodzinie najważniejsze, i pozwala poczuć, że każdy powrót do przeszłości niesie ze sobą szansę na zrozumienie i pojednanie. Joachim Trier umiejętnie łączy swoje własne doświadczenia z dzieciństwa, filmową tradycję rodziny i uniwersalne emocje, tworząc dzieło, które jest zarówno osobiste, jak i uniwersalne. Muzyka Hani Rani, autorki nominowanej do World Soundtrack Award, podkreśla intymność obrazu, a każdy detal zdjęć jest starannie przemyślany, by w pełni wciągnąć widza w historię rodziny. To film, który zostaje w pamięci długo po wyjściu z sali kinowej. Dla polskiej widowni „Wartość sentymentalna” dostępna będzie na ekranach kin od 27 lutego 2026 roku.
Jeden z najbardziej przerażających filmów w historii wcale nie jest horrorem. Zdobył 5 Oscarów i wciąż wywołuje ciarki
Mija 50 lat od premiery filmu „Lot nad kukułczym gniazdem”, który zdobył aż 5 Oscarów i na zawsze zmienił oblicze kina. Ale za kulisami tej ikonicznej produkcji kryły się dramatyczne konflikty, sądowe batalie i napięcia między gwiazdami.
W tym artykule: Film, który zmienił kino – „Lot nad kukułczym gniazdem” ma już 50 lat Jack Nicholson kontra Miloš Forman – napięcia na planie 5 Oscarów i międzynarodowe uznanie dla kultowego dramatu Dlaczego „Lot nad kukułczym gniazdem” wciąż wzbudza emocje? Film, który zmienił kino – „Lot nad kukułczym gniazdem” ma już 50 lat 19 listopada 1975 roku na ekranach amerykańskich kin zadebiutował film „Lot nad kukułczym gniazdem” w reżyserii Miloša Formana. To ekranizacja powieści Kena Keseya, która od samego początku wzbudzała emocje. Produkcja ukazuje brutalną walkę jednostki z opresyjnym systemem, zamkniętą w murach szpitala psychiatrycznego. Głównym bohaterem jest Randle Patrick McMurphy, w którego wcielił się Jack Nicholson. Mężczyzna, chcąc uniknąć więzienia, trafia do zakładu psychiatrycznego, gdzie jego buntowniczy charakter zderza się z chłodnym porządkiem reprezentowanym przez siostrę Ratched. Ten konflikt stał się metaforą walki o wolność, a sam film symbolem filmowego buntu. Jack Nicholson kontra Miloš Forman – napięcia na planie Choć film odniósł olbrzymi sukces, jego produkcja nie obyła się bez dramatycznych napięć. Miloš Forman pierwotnie chciał, aby rolę McMurphy’ego zagrał Burt Reynolds, jednak aktor odrzucił propozycję. Wybór padł więc na Jacka Nicholsona. Ich współpraca od początku nie układała się najlepiej. Nicholson miał inną wizję swojej postaci niż Forman, co prowadziło do licznych konfliktów. Ostatecznie relacje między nimi tak się pogorszyły, że kontaktowali się za pośrednictwem operatora Billa Butlera. Pomimo napięć, energia aktora na ekranie była nie do podważenia. Jego kreacja McMurphy’ego okazała się przełomowa i ugruntowała jego pozycję w świecie kina. 5 Oscarów i międzynarodowe uznanie dla kultowego dramatu „Lot nad kukułczym gniazdem” został nominowany do Oscara w 9 kategoriach. Zdobył aż 5 statuetek: za najlepszy film, najlepszego aktora pierwszoplanowego (Jack Nicholson), najlepszą aktorkę pierwszoplanową (Louise Fletcher), reżyserię (Miloš Forman) i najlepszy scenariusz adaptowany. Dzieło Formana zostało wyróżnione także Złotym Globem i Nagrodą BAFTA. Obsada, w skład której weszli m.in. Louise Fletcher, Will Sampson, Brad Dourif, Sydney Lassick, Danny DeVito i Christopher Lloyd, została doceniona zarówno przez krytyków, jak i widzów. Kreacja siostry Ratched przez Louise Fletcher przeszła do historii jako jedna z najbardziej niejednoznacznych i przerażających antagonistek kina. Dlaczego „Lot nad kukułczym gniazdem” wciąż wzbudza emocje? Mimo upływu pół wieku, „Lot nad kukułczym gniazdem” nie stracił swojej siły oddziaływania. Konflikt między jednostką a systemem, zderzenie wolności z przepisami, które miały chronić, a stały się narzędziem opresji — to wszystko sprawia, że film Miloša Formana pozostaje aktualny. Jack Nicholson jako McMurphy reprezentuje bunt, energię i chęć życia – cechy, które każdemu systemowi wydają się zagrożeniem. Szpital psychiatryczny staje się tu mikrokosmosem społeczeństwa, w którym odwaga, empatia i indywidualność muszą walczyć o przetrwanie. Wielowarstwowość filmu sprawia, że za każdym razem odkrywamy go na nowo. To nie tylko ekranizacja książki Kena Keseya – to doświadczenie, które zostaje z widzem na długo. „Lot nad kukułczym gniazdem” zasługuje na miano klasyka kina psychologicznego, który nie starzeje się ani na chwilę.
Oscarowy hit już dostępny na Canal+. Zobacz polski film, który redefiniuje historię II wojny światowej
To film, który nie pozwala oddychać spokojnie. Wstrząsający, intymny i boleśnie aktualny. „Strefa interesów” - nagradzany na całym świecie portret zła w codziennym przebraniu - wreszcie możemy obejrzeć z własnej kanapy.
Wydawać by się mogło, że o II wojnie światowej powiedziano już niemal wszystko - od poruszających dokumentów, przez literaturę wspomnieniową, po dramatyczne filmy fabularne. Wydaje się, że nic nowego już nie da się powiedzieć. A jednak „Strefa interesów” Jonathana Glazera, która zdobyła Oscary w dwóch kategoriach: najlepszy film międzynarodowy i najlepszy dźwięk - wywraca tę perspektywę do góry nogami. To produkcja niewygodna, pełna napięcia, momentami absurdalna, która nie pokazuje wprost brutalności wojny, a mimo to wstrząsa i nie pozwala o sobie zapomnieć. Oscarowy hit „Strefa interesów”. O czym opowiada? Film przenosi nas do idyllicznej, niemal sielankowej codzienności. Upalne lato, basen przed domem, ogród pełen kwitnących roślin, pszczoły buszujące przy kwiatach, świeże warzywa na stole i perfekcyjnie zorganizowana codzienność rodziny - wszystko wydaje się idealne, harmonijne, spokojne. A jednak, zaledwie kilka metrów dalej codzienność wygląda zupełnie inaczej. Za murem toczy się dramat tysięcy ludzi, a odległe krzyki, wystrzały i smugi dymu od obozowych pieców krematoryjnych przeplatają się z idyllicznym obrazem. Glazer, wspólnie z kompozytorką Mici Levi i montażystą dźwięku Johnnie Burnem, tworzy efekt, który przez cały film trzyma widza w napięciu - pozorny spokój miesza się tutaj z nieustającym poczuciem zagrożenia. W centrum tego groteskowego kontrastu stoi Rudolf Hess - komendant obozu - wraz z żoną Hedwigą i dziećmi. Ich troski dotyczą codziennych drobiazgów: braku czekolady, planu na wyjazd nad jezioro Como, zachowania porządku w ogrodzie. Gdy jednak nowe transporty docierają do obozu Auschwitz-Birkenau w Oświęcimiu, absurd tej codzienności staje się jeszcze bardziej przerażający - futra, pomadki, eleganckie koszule dla służby kontrastują z realnym dramatem setek tysięcy więźniów. Hessowie żyją w świecie, który zdaje się całkowicie oderwany od rzeczywistości, a ich poczucie komfortu i „normalności” jest tak absurdalne, że patrzący na to widz ma ochotę zacząć krzyczeć. View oEmbed on the source website „Strefa interesów”. Polska koprodukcja z nagrodami dostępna już na Canal+ Film jest koprodukcją brytyjsko-polsko-amerykańską, ale dzieło było w całości zrealizowane na terenie naszego kraju. Za zdjęcia odpowiada Łukasz Żal, a producentami w Polsce byli Ewa Puszczyńska, Magdalena Malisz i Bartek Rainski. Charakteryzacją zajmował się Waldemar Pokromski, kostiumami Małgorzata Karpiuk, a scenografią Joanna Maria Kuś i Katarzyna Sikora. Produkcja otrzymała nagrodę Grand Prix na festiwalu w Cannes. Polski Instytut Sztuki Filmowej współfinansował projekt, co zostało docenione podczas odbierania Oscara przez Glazera. W przeciwieństwie do swoich postaci reżyser Jonathan Glazer postanowił zwrócić uwagę opinii publicznej na brutalność otaczającego nas świata. Gdy wywołano go na scenę, odniósł się do konfliktu izraelsko-palestyńskiego. Wspomniał zarówno o bestialskim ataku Hamasu na Izrael, wieloletniej okupacji terenów palestyńskich, jak i postępującej masakrze ludności cywilnej w Strefie Gazy. „Nasz film pokazuje, do czego doprowadza dehumanizacja w najgorszym możliwym wydaniu [...] Bez względu na to, czy są to ofiary 7 października w Izraelu, czy trwającego ataku na Gazę - wszystkie ofiary tej dehumanizacji, jak się temu przeciwstawiamy?” - pytał. Recenzenci opisali nagrodzony film jako głęboką, przytłaczającą i przerażającą historię o Holokauście oraz zmuszającą do refleksji przestrogę dla kolejnych pokoleń. Jonathan Glazer zdołał przenieść na ekran piekło w sposób, w jaki nikt jeszcze nie prezentował go w kinie. Film, który zdobył najważniejsze nagrody ostatniego sezonu i przez wiele miesięcy można go było zobaczyć wyłącznie w kinach lub w płatnym VOD, ma wreszcie szansę trafić do szerszej publiczności. „Strefa interesów” jest już dostępna na Canal+. Bez limitów, bez dopłat i w domowym zaciszu, którego ten film potrzebuje. Leśne Pogotowie z Mikołowa w Hollywood. Jacek Wąsiński i jego podopieczni zagrali w „Strefie interesów” Jednym z ciekawszych wątków jest udział w produkcji ośrodka ratującego dzikie zwierzęta - Leśnego Pogotowia z Mikołowa. Jacek Wąsiński, opiekun dzikich zwierząt, miał okazję pojawić się w filmie wraz ze swoimi podopiecznymi. - „Niektóre zwierzęta z trwałymi uszkodzeniami ciała, które nie mają szans wrócić na wolność i zostają z nami na stałe, są z człowiekiem obeznane i mogą w takich sytuacjach brać udział, oczywiście mając na pierwszym miejscu ich dobro” - tłumaczył w jednym z wywiadów dla pless.pl Wąsiński. Jednym z "bohaterów" filmu został stały rezydent Leśnego Pogotowia - bocian, który zagrał w scenach razem z żółwiami. - „Reżyser na planie wpadł na pomysł, żebym to ja wystąpił w roli opiekuna zwierząt osobiście, aby nie stresować zwierząt poprzez inną osobę, która nie potrafiłaby się nimi odpowiednio zająć. Na początku byłem zatrudniony jako konsultant i opiekun, jednak w ciągu kilku minut dostałem również umowę aktorską. Zostałem ucharakteryzowany, pozbawiony zarostu i ostrzyżony.” - opowiadał o swojej roli na wielkim ekranie założyciel ośrodka. Zdjęcia kręcono z 12 kamer, z większością ukrytą, co pozwoliło zwierzętom zachować spokój. - „Bardzo się cieszę, że mogłem brać udział w takiej przygodzie osobiście wraz z naszymi zwierzętami, tym bardziej, że film zdobył największe filmowe wyróżnienie” - mówił w mediach społecznościowych Wąsiński. Oddanego opiekuna zwierząt można zobaczyć także w oficjalnym zwiastunie „Strefy interesów”.
Ta komedia romantyczna wymyka się konwencji gatunku. Hit z Diane Keaton i Jackiem Nicholsonem obejrzysz na Netflix
Ta pełna czułości i błyskotliwego humoru komedia romantyczna jakiej jeszcze nie widzieliście. W rolach głównych podziwiać można jeden z najlepszych filmowych duetów wszech czasów - Diane Keaton i Jacka Nicholsona. To obraz, który udowadnia, że na miłość nigdy nie jest za późno.
W dobie powstawania najbardziej kultowych komedii romantycznych, jak „Pamiętnik” czy „Jak stracić chłopaka w 10 dni”, reżyserka i producentka Nancy Meyers tworzy film, który zachwyca krytyków i szturmem podbija gale Oscarów oraz Złotych Globów. „Lepiej późno niż później” spełnia wszystkie założenia formatu, co więc sprawiło, że to właśnie on wyróżnił się spośród podobnych tytułów? W tym artykule: O czym opowiada film „Lepiej późno niż później”? Miłość nie zna wieku – wątek romantyczny w „Lepiej późno niż później” Duet Diane Keaton i Jack Nicholsona w „Lepiej późno niż później” Gdzie oglądać film „Lepiej późno niż później”? O czym opowiada film „Lepiej późno niż później”? Nancy Meyers jest słynną amerykańską twórczynią, odpowiedzialną za powstanie takich hitów jak „Holiday” czy „Ojciec panny młodej”, tak więc, gatunek komedii romantycznej nie jest jej obcy. W 2003 roku na wielki ekran wszedł film, który zachwycił widzów i krytyków, zgarniając liczne nominacje do najważniejszych nagród w branży. „Lepiej późno niż później”, choć spełnia wszystkie kategorie potrzebne do wykreowania klasycznej komedii romantycznej, jak niespodziewane uczucie, rozstanie, a nawet paryski krajobraz, to skutecznie wymyka się utartej konwencji. A co go wyróżnia? Film opowiada historię miłości dwójki osób, które kompletnie nie spodziewały się, że cokolwiek może je połączyć. Harry Sanborn jest charyzmatycznym biznesmenem, posiadającym ugruntowaną renomę – jest kobieciarzem gustującym wyłącznie w młodszych o dekady partnerkach. Jego obecny obiekt pożądania, Marin zaprasza go do spędzenia weekendu w domu jej matki położonym w malowniczym Hamptons. Sielanka pary zostaje jednak szybko przerwana, gdy okazuje się, że właścicielka wybrała podobny termin na odpoczynek. Erica Barry jest nieco neurotyczną, acz cenioną broadwayowską dramatopisarką po rozwodzie, która nie może ukryć rozczarowania wyborem córki. Niespodziewany atak serca Harry’ego przedłuży jego pobyt na wybrzeżu, a Ericę włoży w rolę opiekunki, co stanie się punktem wyjścia do opowiadanej historii. Miłość nie zna wieku – wątek romantyczny w „Lepiej późno niż później” Zachwycający rozmiarami dom, pełny typowego dla stylu wczesnego milenium beżu, położony tuż nad wybrzeżem oceanu staje się przestrzenią do rozwoju uczucia między Harrym a Ericą, których łączy przede wszystkim… wiek. Oboje niosą na barkach wieloletni bagaż doświadczeń, także tych romantycznych. Fakt ten nie pozostaje bez znaczenia, albowiem oboje z racjonalnym dystansem i uprzedzeniami podchodzą do zawiązującej się między nimi relacji. Błyskotliwe rozmowy i dzielenie się pasjami przywraca obojgu wrażliwość i nadzieję, lecz, jak to już w komediach romantycznych przystało, ich uczucie ma swój termin ważności. Zakończona sukcesem, rekonwalescencja Harry’ego przywróci parę do ówczesnego porządku, w którym nie ma miejsca na stały związek. Osadzenie w sztampowym formacie komedii romantycznej duetu w wieku około emerytalnym jest nie tylko zabiegiem wymykającym się założeniom gatunku i oczekiwaniom popkultury, ale przede wszystkim rozwiązaniem głęboko poruszającym. Uczucie pojawiające się miedzy Harrym a Ericą dalekie jest od młodzieńczej naiwności, a głos serca para ucisza rozsądkiem napędzanym strachem. Mimo obaw ich relacja jest nader dojrzała, a oczekiwania werbalizowane są szybciej niż ma to miejsce między młodszymi kochankami. W świecie hollywoodzkich komedii romantycznych, gdzie dominują historie o młodych, pięknych i z reguły nieskomplikowanych emocjonalnie bohaterach, film Meyers stanowi rzadki wyjątek. „Lepiej późno niż później” to historia miłości, która rozkwita w momencie życia, w którym kino zazwyczaj odwraca wzrok. To też subtelne przypomnienie, że wszyscy chcemy kochać, niezależnie od wieku. Duet Diane Keaton i Jack Nicholsona w „Lepiej późno niż później” „Lepiej późno niż później” zapewne wiele by straciło gdyby nie jego obsada. W główny duet zaangażowane zostały legendy kina – Diane Keaton i Jack Nicholson. Oboje z wyróżnieniami Akademii, wykreowali bohaterów z dużą dozą autoironii i czułości, co sprawia, że perypetie pary zarówno bawią jak i prowokują do refleksji. Tak więc, w okolicach połowy seansu, tuż po rozstaniu, obserwujemy jak każde z nich, na swój własny sposób radzi sobie z ciężarem złamanego serca. Erica, w najzabawniejszej sekwencji całego filmu, stosuje metodę autoterapii, przekuwając ból w scenariusz sztuki. Proces ten obarczony jest całym morzem łez, które kobieta wylewa w histerii utrzymującej się niezależnie od miejsca, w którym się znajduje. W tym samym czasie, Harry po raz kolejny odwiedza szpitalną izbę przyjęć, błędnie rozpoznając ból serca jako schorzenie fizyczne, a nie emocjonalne. To właśnie fenomenalna gra aktorska Keaton i Nicholsona nadała produkcji tego szczególnego humorystycznego rysu, który zarazem jest niezwykle celnym odwzorowaniem wewnętrznych zmagań bohaterów. Gdzie oglądać film „Lepiej późno niż później”? View oEmbed on the source website Przewrotne połączenie schematów typowej komedii romantycznej z dojrzałymi bohaterami, przetarło szlaki całym szeregom tego typu opowieści i zapisało się jako jeden z najbardziej autentycznych tytułów w swoim gatunku. „Happy end” Meyers osadza w najbardziej sztampowym miejscu świata – Paryżu, lecz bohaterowie zamiast rzucać się sobie w ramiona wspólnie dochodzą do wniosku, że miłość w tym wieku wymaga odwagi, nie tylko emocjonalnej, ale i egzystencjalnej. Fenomen filmu „Lepiej późno niż później” odkryjesz na platformie Netflix.
Polska koprodukcja nominowana do Oscara trafi do streamingu. To film „trudny, ale ujmujący, zostający z widzem na zawsze”
„Dziewczyna z igłą” będzie dostępna w abonamencie CANAL+. Dramat inspirowany prawdziwą historią seryjnej morderczyni rozbił bank pod względem nominacji i nagród.
„Dziewczyna z igłą” to jeden z najbardziej wyczekiwanych dramatów roku – poruszająca i mroczna opowieść oparta na autentycznych wydarzeniach trafi do katalogu CANAL+. Film w reżyserii Magnusa von Horna zyskał uznanie zarówno na arenie międzynarodowej, jak i w Polsce. Produkcja zachwyca nie tylko fabułą, ale również zdjęciami, muzyką i aktorstwem na najwyższym poziomie. W tym artykule: O czym opowiada film „Dziewczyna z igłą”? Gdzie i jak obejrzeć „Dziewczynę z igłą”? „Dziewczyna z igłą”: sukcesy i opinie widzów O czym opowiada film „Dziewczyna z igłą”? Film „Dziewczyna z igłą” (oryg. „Pigen med nålen”) to duńsko-polsko-szwedzki dramat obyczajowy z 2024 roku, który przenosi widzów do Kopenhagi tuż po zakończeniu I wojny światowej. Reżyser Magnus von Horn wraz ze scenarzystką Line Langebek stworzyli przejmującą opowieść inspirowaną mrożącą krew w żyłach historią Dagmar Overbye – jednej z najokrutniejszych seryjnych morderczyń w historii Danii. View oEmbed on the source website Główną bohaterką jest Karoline Nielsen (w tej roli Vic Carmen Sonne) – młoda szwaczka, która po zajściu w ciążę z właścicielem szwalni zostaje zwolniona z pracy. Zdesperowana, podejmuje zatrudnienie u starszej kobiety, Dagmar (Trine Dyrholm), która oficjalnie prowadzi sklep ze słodyczami. W rzeczywistości jednak kobieta ukrywa pod pozorem agencji adopcyjnej przerażającą działalność – przekonuje niechciane matki, że oddane przez nie dzieci trafią do zamożnych rodzin zastępczych. Prawda okazuje się o wiele bardziej brutalna. Atmosfera filmu – ponura, surowa, przejmująca – przywodzi na myśl dzieła Ingmara Bergmana. To kino poruszające i nie pozwalające o sobie zapomnieć. Gdzie i jak obejrzeć „Dziewczynę z igłą”? Widzowie CANAL+ będą mogli obejrzeć „Dziewczynę z igłą” już od 11 listopada. Produkcja dostępna będzie w abonamencie, co oznacza, że każdy subskrybent będzie mógł zobaczyć ten głośny dramat bez dodatkowych opłat. To propozycja dla poszukujących ambitnego, poruszającego kina zrealizowanego z najwyższym kunsztem filmowym. Dramat w CANAL+ będzie dostępny zarówno na platformie online, jak i w tradycyjnym programie telewizyjnym. „Dziewczyna z igłą”: sukcesy i opinie widzów „Dziewczyna z igłą” to jeden z najbardziej nagradzanych filmów roku. Obraz zaprezentowano w konkursie głównym podczas 77. Międzynarodowego Festiwalu Filmowego w Cannes. Został także wybrany jako oficjalny kandydat Danii do Oscara w kategorii „najlepszy film międzynarodowy”. Tytuł zdobył aż 11 statuetek Polskich Nagród Filmowych Orły, w tym za: najlepszą reżyserię, zdjęcia, scenografię, kostiumy, muzykę, drugoplanową rolę kobiecą (dla Trine Dyrholm). Został także doceniony na Festiwalu Polskich Filmów Fabularnych w Gdyni. Opinie widzów potwierdzają wyjątkową wartość artystyczną produkcji. Zdaniem internautów to tytuł „trudny, choć ujmujący, zostający z widzem już na zawsze”, „kino dla koneserów” czy „film ciężki, mroczny, ale ukazujący, jak nowe życie jest cenne”.
4 nominacje do Oscarów i ocena 8,7. „Najlepszy film wszechczasów” można już oglądać nie tylko na Netflix
Nagradzany Oscarami i uznany za „najlepszy film XXI wieku” – „Interstellar” Christophera Nolana zadebiutował 30 września na Prime Video. To nie jedyna nowość, która dziś czeka na subskrybentów serwisu – łącznie pojawiło się ponad 30 produkcji.
W tym artykule: Interstellar na Prime Video Gwiazdorska obsada i fabuła, która poruszy każdego Najbardziej wzruszająca scena w historii kina? Interstellar: nie tylko dla fanów sci-fi Interstellar na Prime Video 30 września na platformie Prime Video pojawiła się wyczekiwana przez fanów produkcja – "Interstellar" w reżyserii Christophera Nolana. To jedno z najbardziej kultowych dzieł science fiction ostatnich lat, nagrodzone Oscarem za efekty specjalne i cieszące się ogromnym uznaniem widzów na całym świecie. Film, który dotychczas był dostępny m.in. na Netflixie i w VOD, teraz można oglądać również w bibliotece Prime Video. Produkcja została dodana jako część większego pakietu nowości – tego dnia na platformie pojawiło się ponad 30 nowych tytułów, w tym inne widowiska akcji, wojenne oraz sci-fi, wyprodukowane przez Warner Bros. Gwiazdorska obsada i fabuła, która poruszy każdego "Interstellar" to film, którego nie sposób przeoczyć. W obsadzie znaleźli się m.in. Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine, Ellen Burstyn, Casey Affleck, Matt Damon, John Lithgow, Timothée Chalamet, Mackenzie Foy, Topher Grace i David Oyelowo. Fabuła opowiada o grupie naukowców, którzy w obliczu katastrofy ekologicznej na Ziemi wyruszają w podróż przez tunel czasoprzestrzenny, by znaleźć nowy dom dla ludzkości. Głównym bohaterem jest Cooper, były pilot NASA i rolnik, grany przez McConaugheya. Akcja osadzona jest w niedalekiej przyszłości, gdy planeta jest wyniszczana przez susze i inne klęski żywiołowe. Scenariusz filmu powstał na bazie teorii naukowej opracowanej przez fizyka Kipa Thorne’a z Caltech. Twórcami scenariusza są Christopher Nolan oraz jego brat Jonathan Nolan, znany m.in. z pracy nad serialami „Westworld” i „Fallout”. Najbardziej wzruszająca scena w historii kina? Jedną z najbardziej zapadających w pamięć i wzruszających scen filmu "Interstellar" jest moment, w którym bohater grany przez Matthew McConaugheya, przebywając wewnątrz statku kosmicznego, ogląda wiadomości wideo od swoich dzieci. Jego emocjonalna reakcja – łzy, rozpacz, bezsilność – została doceniona przez widzów i krytyków na całym świecie. Scena ta wielokrotnie pojawia się w rankingach jako jedna z najbardziej poruszających w historii kina. Jest symbolicznym ukazaniem rozdarcia między misją ratowania ludzkości a osobistym dramatem związanym z rozłąką z rodziną. Interstellar: nie tylko dla fanów sci-fi Choć "Interstellar" należy do gatunku science fiction, jego przekaz i emocje trafiają do znacznie szerszego grona odbiorców. To film o poświęceniu, miłości, nadziei i przekraczaniu granic ludzkich możliwości. Produkcja zdobyła uznanie nie tylko wśród fanów kina gatunkowego. Na portalu Rotten Tomatoes 87% głosów widzów było pozytywnych. Film zajął 19. miejsce w rankingu 250 najlepszych filmów wszech czasów na IMDb. W momencie premiery wzbudził kontrowersje wśród krytyków, ale widzowie jednogłośnie nazwali go jednym z najlepszych filmów XXI wieku.
Arcydzieło kina z Adrienem Brodym już w streamingu! Ten biograficzny dramat zdobył 3 Oscary
Adrien Brody zdobywa drugiego Oscara, a trzyipółgodzinny dramat „Brutalista” wkracza na SkyShowtime! To opowieść o wizjonerskim architekcie, jego ambicjach i dramatycznych wyborach w powojennej Ameryce. Film zachwycił krytyków i widzów, zdobywając aż 3 Oscary i status jednego z najlepszych tytułów 2024 roku.
W tym artykule: Adrien Brody z drugim Oscarem za rolę w „Brutaliście” „Brutalista” – o czym opowiada epicka historia architekta? 3 Oscary, Złoty Glob i BAFTA – sukces „Brutalisty” Gdzie obejrzeć „Brutalistę”? Film już dostępny w SkyShowtime Krytycy zachwyceni: oceny „Brutalisty” mówią same za siebie Adrien Brody z drugim Oscarem za rolę w „Brutaliście” Adrien Brody ponownie sięgnął po najważniejsze wyróżnienie w świecie filmu. Za swoją wybitną kreację w filmie „Brutalista” zdobył drugiego w karierze Oscara – poprzednią statuetkę otrzymał za rolę w „Pianiście”. Tym razem aktor wcielił się w postać László Totha – węgierskiego architekta, którego los rzuca do Ameryki po II wojnie światowej. Film wyreżyserowany przez Brady’ego Corbeta zdobył aż trzy Oscary – za najlepszą rolę pierwszoplanową, muzykę i zdjęcia. Oprócz Brody’ego w obsadzie znaleźli się także Felicity Jones i Guy Pearce – oboje nominowani do Oscara za role drugoplanowe. „Brutalista” – o czym opowiada epicka historia architekta? Akcja filmu „Brutalista” rozgrywa się w Pensylwanii, gdzie główny bohater – László Toth – osiedla się wraz z żoną Erzsébet po ucieczce z powojennej Europy. Tam jego talent dostrzega wpływowy przemysłowiec Harrison Lee van Buren. Architekt otrzymuje szansę na odbudowę swojego życia i realizację wielkich projektów. Szybko okazuje się jednak, że droga do spełnienia artystycznych marzeń wiąże się z dramatycznymi wyborami i moralnymi kompromisami. Film trwa aż 215 minut, a w kinach zastosowano 15-minutową przerwę w połowie seansu, by widzowie mogli odetchnąć. To epicka, ale też wymagająca historia o cenie ambicji i współczesnym dziedzictwie. 3 Oscary, Złoty Glob i BAFTA – sukces „Brutalisty” „Brutalista” to jeden z najbardziej nagradzanych filmów ostatnich lat. Poza trzema Oscarami (rola Brody’ego, muzyka, zdjęcia), produkcja była nominowana aż w dziesięciu kategoriach, w tym za najlepszy film, reżyserię i scenografię. Film otrzymał także trzy Złote Globy oraz cztery nagrody BAFTA. Ten sukces artystyczny przekłada się także na uznanie widzów i krytyków. Na portalu Rotten Tomatoes film osiągnął aż 93% pozytywnych recenzji od krytyków i 80% od publiczności. W serwisie Filmweb notowany jest na poziomie 7,5/10 przez widzów i 8,2/10 przez krytyków. Gdzie obejrzeć „Brutalistę”? Film już dostępny w SkyShowtime Po kinowej premierze, która miała miejsce w Polsce w styczniu, „Brutalista” trafił do katalogu platformy SkyShowtime. Film jest dostępny w streamingu w ramach subskrypcji – bez dodatkowych opłat. Tym samym dołącza do innych nagradzanych produkcji na tej platformie, takich jak „Anora”, „Dziki robot” czy „Wicked”. Widzowie, którzy przegapili seans w kinie, mogą teraz w domowym zaciszu zapoznać się z tym wielowymiarowym i poruszającym dziełem. Dzięki dostępności na SkyShowtime „Brutalista” ma szansę dotrzeć do jeszcze szerszej publiczności. Krytycy zachwyceni: oceny „Brutalisty” mówią same za siebie Zarówno krytycy, jak i publiczność nie mają wątpliwości – „Brutalista” to film, który na długo pozostanie w pamięci. Zgodnie z ocenami na Rotten Tomatoes aż 93% recenzentów uznało film za wart polecenia. Widzowie również docenili dzieło Brady’ego Corbeta, przyznając mu 80% pozytywnych ocen. Na Filmwebie film zyskał średnią 7,5/10 od użytkowników i aż 8,2/10 od krytyków. Taki odbiór potwierdza, że „Brutalista” to nie tylko wizualna uczta, ale też głęboka refleksja nad ceną sukcesu i miejscem artysty w społeczeństwie. Film zarobił ponad 50 milionów dolarów przy budżecie wynoszącym nieco poniżej 10 milionów, co czyni go również sukcesem komercyjnym.
Znamy polskiego kandydata do Oscara! Głośny film Agnieszki Holland ma szansę na najważniejszą statuetkę w branży filmowej
To już pewne – film „Franz Kafka” w reżyserii Agnieszki Holland będzie reprezentował Polskę w wyścigu po Oscara 2026!
Decyzję ogłoszono 15 września w Warszawie, a krajowa premiera produkcji nastąpi 24 października. To opowieść, która ma poruszyć serca międzynarodowej publiczności. „Franz Kafka” – film Agnieszki Holland oficjalnym kandydatem do Oscara 2026 15 września 2025 roku w Warszawie ogłoszono decyzję, która może odmienić losy polskiego kina na arenie międzynarodowej. Film „Franz Kafka” w reżyserii Agnieszki Holland został wybrany polskim kandydatem do Oscara 2026 w kategorii najlepszego pełnometrażowego filmu międzynarodowego. Komisja Oscarowa, pod przewodnictwem producentki Ewy Puszczyńskiej, wybrała produkcję spośród siedmiu zgłoszonych tytułów. Wśród konkurencyjnych filmów znalazły się: „Pociągi” Macieja Drygasa, „Vinci 2” Juliusza Machulskiego, „Chopin, Chopin!” Michała Kwiecińskiego, „Dom dobry” Wojciecha Smarzowskiego, „Dwie siostry” Łukasza Karwowskiego oraz „Listy z Wilczej” Arjuna Talwara. Mimo silnej konkurencji, to właśnie „Franz Kafka” zdobył uznanie komisji. Kto zadecydował o wyborze? Skład Komisji Oscarowej W składzie Komisji Oscarowej 2025 zasiedli znani przedstawiciele świata filmu i kultury. Przewodniczyła jej producentka Ewa Puszczyńska. Pozostali członkowie to: Agatha Dominik – scenarzystka, Kamila Dorbach – dyrektorka Polskiego Instytutu Sztuki Filmowej, Bartosz Konopka – reżyser i scenarzysta, Joanna Kos-Krauze – reżyserka i scenarzystka, Hanna Raniszewska (Hania Rani) – pianistka, kompozytorka i wokalistka, Krzysztof Spór – dziennikarz filmowy, Krzysztof Terej – producent filmowy, Grażyna Torbicka – dziennikarka filmowa i dyrektorka artystyczna festiwalu Dwa Brzegi. „Franz Kafka” - premiera Choć decyzja o oscarowej nominacji zapadła we wrześniu, fani kina będą mogli zobaczyć „Franza Kafkę” w kinach w całej Polsce już 24 października 2025 roku. To właśnie wtedy film trafi na ekrany, dając widzom szansę na poznanie tej poruszającej historii przed międzynarodową rywalizacją o najważniejsze filmowe wyróżnienie. Reżyserka Agnieszka Holland przyznała, że postać Kafki ma dla niej szczególne znaczenie. Oscary 2026 – kiedy poznamy nominacje? ceremonia wręczenia Oscarów odbędzie się w nocy z 15 na 16 marca 2026 roku w Los Angeles. Zanim jednak poznamy zwycięzców, Amerykańska Akademia Sztuki i Wiedzy Filmowej ogłosi: 16 grudnia 2025 roku – tzw. krótkie listy kandydatów, 17 stycznia 2026 roku – oficjalne nominacje. Zgodnie z zasadami, film ubiegający się o nominację musi być wyświetlony publicznie przez co najmniej siedem kolejnych dni w komercyjnym kinie w kraju, który go zgłasza, w terminie od 1 października 2024 do 30 września 2025 roku. Film „Franz Kafka” spełnia te warunki. Historia i obsada filmu o ikonie XX wieku „Franz Kafka” to nie tylko biografia słynnego pisarza, ale również uniwersalna opowieść o człowieku zmagającym się z własnymi lękami i tożsamością. Jak zapewniają twórcy, film ukazuje Kafkę nie tylko jako ikonę literatury, ale jako wrażliwego człowieka, którego dramaty rezonują z problemami współczesnych pokoleń. W rolę tytułową wcielił się niemiecki aktor Idan Weiss. Scenariusz napisał Marek Epstein, który współpracował już z Agnieszką Holland przy „Szarlatanie”. W obsadzie znaleźli się także Carol Schuler, Gesa Shermuly, Sebastian Schwarz, Peter Kurth, Sandra Korzeniak, Katharina Stark oraz Jenovefa Bokova. View oEmbed on the source website Nie ulega wątpliwości, że „Franz Kafka” Agnieszki Holland to jeden z najpoważniejszych polskich kandydatów do Oscara ostatnich lat.