Wyłącz powiadomienia i słuchaj. Muzyka klasyczna i wieczór z Sinfonią Varsovią może być najpiękniejszą formą medytacji
Czy muzyka klasyczna może działać jak medytacja? Program koncertu zamknięcia festiwalu Sinfonia Varsovia Swojemu Miastu pokazuje, że tak. 14 czerwca w Warszawie zabrzmią utwory Musorgskiego, Roxanny Panufnik i Berlioza, układające się w opowieść.
Słuchanie coraz częściej staje się nową formą uważności. Bardziej zmysłową niż klasyczna medytacja, bardziej angażującą niż cisza. W świecie, w którym uwaga jest nieustannie rozbijana na krótkie komunikaty, powiadomienia i bodźce, kilka minut prawdziwego skupienia zaczyna być luksusem. Najprostszy początek? Wyłączyć powiadomienia w telefonie. Każde z nich to drobne rozproszenie, ale dla układu nerwowego, realny sygnał alarmowy. Mózg reaguje natychmiast: podnosi czujność, przerywa koncentrację, resetuje rytm. Nic dziwnego, że coraz częściej szukamy czegoś przeciwnego. Nie kolejnego bodźca, ale doświadczenia, które nie pobudza, tylko reguluje. Czy muzyka może działać jak medytacja? W pewnym sensie, tak. Uważne słuchanie potrafi wprowadzić ciało w stan pomiędzy skupieniem a wyciszeniem. To moment zawieszenia, w którym napięcie stopniowo opada, oddech się wyrównuje, a myśli wracają do ciała. Nie chodzi o ucieczkę od rzeczywistości ani o całkowite „odcięcie się”, ale o subtelne ustawienie wszystkiego na swoim miejscu. Rytm porządkuje oddech. Powracające motywy przyciągają uwagę. Łagodne harmonie pomagają wyciszyć nadmiar bodźców. Właśnie na tej granicy, między światłem a cieniem, energią a spokojem, Słońcem a Księżycem, balansuje program koncertu zamknięcia festiwalu Sinfonia Varsovia Swojemu Miastu. Z perspektywy muzykoterapii muzyka ma w sobie coś z matematyki. Jest mierzalna, powtarzalna i przewidywalna w swoim działaniu. Tempo w okolicach 60–80 uderzeń na minutę sprzyja wyciszeniu i regulacji układu autonomicznego. Badania Luciano Bernardiego pokazują, że tempo muzyki może wpływać na tętno, oddech i poziom pobudzenia. Wolniejsze tempa, szczególnie w zakresie około 60–70 uderzeń na minutę, wspierają naturalne mechanizmy uspokojenia organizmu. To nie jest pojedyncza reakcja, ale proces synchronizacji. Rytm muzyki zaczyna wpływać na rytm ciała. Zjawisko to nazywa się entrainment i zostało opisane m.in. przez Michaela Thauta. Podobne dostrojenie zachodzi również w mózgu: aktywność neuronalna zaczyna podążać za tym, co słyszymy. Dlatego powtórzenia tak dobrze działają na myśli. Uspokajają je, porządkują i pozwalają im zwolnić. Regularność zmniejsza chaos bodźców, a brak ostrych kontrastów daje poczucie bezpieczeństwa. Mózg szybciej wycisza się przy tym, co potrafi przewidzieć. Z kolei dobrze poprowadzona dramaturgia, napięcie, które narasta i zostaje rozładowane, działa jak katharsis. Nie nakręca emocji, lecz prowadzi przez nie i pozwala je domknąć. Jak słuchać muzyki uważnie? Najprościej, jak się da. Wyznaczyć sobie kilkanaście minut bez multitaskingu. Nie słuchać w tle, podczas odpisywania na wiadomości czy przewijania ekranu. Skupić się na jednym elemencie: melodii, rytmie, barwie albo oddechu między frazami. Pozwolić ciału wejść w tempo muzyki. Nie oceniać ani siebie, ani tego, co się słyszy. To bardziej praktyka niż doświadczenie czysto estetyczne. Nie trzeba znać historii utworu ani rozpoznawać formy. Wystarczy słuchać naprawdę. Koncert jako sekwencja stanów Wieczór zamknięcia festiwalu Sinfonia Varsovia Swojemu Miastu jest okazją do takiej praktyki w skali koncertowej. Utwory, które wykona orkiestra, układają się nie tyle w tradycyjny program, ile w sekwencję stanów: od intensywności i napięcia, przez zmianę perspektywy, aż po wyobraźnię balansującą na granicy snu i obsesji. Na początku zabrzmi „Noc na Łysej Górze” Modesta Musorgskiego, intensywna wizja sabatu czarownic, muzyka niemal fizyczna w swoim oddziaływaniu, wytrącająca z równowagi. Na końcu pojawi się „Symfonia fantastyczna” Hectora Berlioza, utwór balansujący między snem, obsesją i gorączkową pracą wyobraźni. Pomiędzy nimi znajdzie się „Lunar Solar” Roxanny Panufnik, punkt przejścia i oddechu. To koncert podwójny na obój i rożek angielski, inspirowany ruchem Słońca i Księżyca oraz napięciem między ich energiami. Na początku jest Słońce: jasne, wyraźne, prowadzone przez obój. Muzyka stopniowo nabiera intensywności, by po chwili wyhamować i zmienić kierunek. Później pojawia się Księżyc. Rożek angielski wnosi ciemniejszą, bardziej miękką barwę. Dźwięk staje się bardziej rozproszony, a czas jakby zwalnia. Powstaje przestrzeń, w której można się zatrzymać. „Lunar Solar”, którego warszawskie wykonanie zabrzmi zaledwie kilka dni po prawykonaniu w Liverpoolu, nie opowiada historii w prostym sensie. Raczej prowadzi przez doświadczenie ruchu i zmiany: od światła do cienia, od energii do wyciszenia. Nie destabilizuje jak poemat Musorgskiego, nie doprowadza do skrajności jak symfonia Berlioza. Zbiera, uspokaja, porządkuje. Koncert odbędzie się 14 czerwca w Studiu Koncertowym Polskiego Radia im. Witolda Lutosławskiego w Warszawie. I może właśnie dlatego jest jednym z tych wieczorów, po których świat zostaje taki sam, ale zmienia się tempo, w jakim go odczuwamy.
Muzyczne lato 2026 z ORLENEM. Redakcja ELLE wybrała 10 festiwali, koncertów i wydarzeń, na których po prostu trzeba być
Najlepsze festiwale muzyczne lata 2026? ELLE sprawdza, gdzie warto być. Na naszej liście znalazły się wydarzenia z różnych stron Polski, które wspiera ORLEN.
Lato 2026 w Polsce nie zawiedzie pod kątem wydarzeń muzycznych i festiwali. Od sopockiego jazzu i opery w plenerze, przez alternatywne brzmienia Katowic, aż po klasykę w historycznych wnętrzach i hip-hop w symfonicznej skali, wakacyjny kalendarz wypełniają wydarzenia, które warto zaplanować z wyprzedzeniem. ELLE przygotowało przewodnik po najlepszych festiwalach muzycznych lata 2026 w Polsce. Łączy je nie tylko wyjątkowy program i miejsca z charakterem, ale też wspólny mianownik: każde z tych wydarzeń wspiera ORLEN jako Mecenas Sportu, Kultury i Nauki. Sprawdźcie, gdzie naprawdę warto być nadchodzącego lata. W tym artykule: Sopot Jazz Festival, czyli klasyka z awangardowym twistem Baltic Opera Festival. Wielkie emocje między Gdańskiem a Sopotem Malta Festival w Poznaniu. Sztuka, muzyka i rozmowy do późna Centralny Plac Muzyki. Nowy plenerowy adres Warszawy Piknik Country & Folk w Mrągowie. Wakacje z gitarą i jeziorem w tle Break in Classic w Otwocku. Klasyka w nowoczesnym wydaniu OFF Festival w Katowicach. Alternatywa wyznacza kierunek Chopin i jego Europa. Warszawa w romantycznym nastroju Wratislavia Cantans. Głos, przestrzeń i wielkie nazwiska JIMEK i historia polskiego hip-hopu. Ostatni rozdział Sopot Jazz Festival, czyli klasyka z awangardowym twistem Sopot latem ma w sobie coś filmowego, ale podczas Sopot Jazz Festival jego wakacyjny urok zyskuje jeszcze jedną warstwę, bardziej nowojorską, klubową i nieoczywistą. Jubileuszowa, 70. edycja festiwalu potrwa od 3 czerwca do 9 grudnia, ale to właśnie letnia odsłona zapowiada się jak idealny pretekst do muzycznego weekendu nad morzem. W programie pojawią się m.in. Marc Ribot Quartet i Uri Caine Trio, a całość dopełni jazzowa parada na ulicy Monte Cassino, przypominająca o początkach jazzu w Sopocie. To propozycja dla tych, którzy lubią festiwale z historią, ale nie szukają nostalgii, a raczej żywej energii i improwizacji. ORLEN wspiera wydarzenie jako Sponsor Główny Festiwalu. Baltic Opera Festival. Wielkie emocje między Gdańskiem a Sopotem Od 1 do 7 lipca Trójmiasto stanie się sceną dla jednej z najbardziej eleganckich propozycji sezonu. Baltic Opera Festival łączy muzykę klasyczną, operową i wokalno-sceniczną, a jego najważniejszymi punktami będą dwa spektakle: „Walkiria” Richarda Wagnera w Operze Leśnej w Sopocie oraz „Polskie wesele” Józefa Beera w Operze Bałtyckiej. To festiwal dla osób, które zamiast kolejnego open airu wybierają wieczór z rozmachem, kostiumem i dreszczem wielkiej sceny. Idealny także dla tych, którzy chcą zacząć swoją przygodę z operą, ale potrzebują wydarzenia z wakacyjną oprawą. ORLEN jest Mecenasem Głównym festiwalu i wspiera jedną z najbardziej prestiżowych operowych propozycji sezonu. Malta Festival w Poznaniu. Sztuka, muzyka i rozmowy do późna Malta Festival odbędzie się w Poznaniu od 21 do 28 czerwca. To nie tylko muzyka, ale też teatr, film, literatura i debaty. Tegoroczną edycję otworzy plenerowy koncert „Za miłość” z udziałem m.in. Anity Lipnickiej, Anny Marii Jopek, Jakuba Józefa Orlińskiego, Krzysztofa Zalewskiego i Ralpha Kaminskiego. W części teatralnej uwagę przyciąga 24-godzinny spektakl „The Second Woman” z Magdaleną Cielecką. To propozycja dla tych, którzy lubią festiwale totalne: takie, gdzie nie tylko słucha się koncertów, ale też rozmawia, ogląda, przeżywa i zostaje trochę dłużej niż planowano. ORLEN jest Partnerem Głównym Festiwalu. Centralny Plac Muzyki. Nowy plenerowy adres Warszawy Warszawa także ma swój letni rytm. Od 19 czerwca do 7 lipca przed Pałacem Kultury i Nauki odbędzie się Centralny Plac Muzyki, nowy plenerowy festiwal na Placu Centralnym. W programie znalazły się opera, operetka, musicale i koncerty symfoniczne. To wydarzenie może być jednym z najciekawszych miejskich debiutów sezonu. Ma w sobie coś bardzo warszawskiego: wielką architekturę w tle, otwartą przestrzeń i muzykę wychodzącą poza mury instytucji. Dobry wybór dla tych, którzy chcą poczuć festiwalowy klimat bez wyjeżdżania z miasta. ORLEN jest Mecenasem Strategicznym Festiwalu. Piknik Country & Folk w Mrągowie. Wakacje z gitarą i jeziorem w tle Od 23 do 26 lipca Mrągowo znów zamieni się w polską stolicę country. 45. Międzynarodowy Piknik Country & Folk odbędzie się w amfiteatrze nad jeziorem Czos, a w programie znalazły się m.in. Koncert Galowy 45-lecia oraz koncert „The Best of Emmylou Harris”. Wydarzeniu będą towarzyszyć także piknikowe stoiska i miejska odsłona festiwalu. To najbardziej wakacyjna propozycja w zestawieniu, swobodna, plenerowa, z nutą nostalgii i klimatem letniego wyjazdu. Dla wszystkich, którzy zamiast festiwalowej czerni wybierają denim, kapelusz i koncert pod gołym niebem. ORLEN pełni rolę Partnera Strategicznego. Break in Classic w Otwocku. Klasyka w nowoczesnym wydaniu Od 31 lipca do 2 sierpnia Otwock Wielki stanie się miejscem spotkania klasyki, młodej energii i plenerowej elegancji. Za Break in Classic stoją Jakub Józef Orliński i Aleksander Dębicz, a w programie pojawią się m.in. Vision String Quartet, Marcin Zdunik, AUKSO, Avi Avital, Lucienne Renaudin Vary oraz Manchester Collective z Fergus McCreadie Trio. To festiwal dla tych, którzy lubią klasykę bez muzealnego dystansu. Bardziej jako doświadczenie, spotkanie i emocję niż obowiązkowy punkt w kulturalnym kalendarzu. ORLEN jest Partnerem wydarzenia oraz Partnerem Dostępności i Innowacji. OFF Festival w Katowicach. Alternatywa wyznacza kierunek Od 7 do 9 sierpnia Dolina Trzech Stawów w Katowicach znów stanie się miejscem pielgrzymek fanów muzyki alternatywnej. OFF Festival Artura Rojka od lat łączy duże zagraniczne nazwiska z artystami niszowymi i eksperymentalnymi. W 2026 roku w Katowicach wystąpią m.in. Yung Lean & Bladee, Amyl and the Sniffers, Oklou, Black Country, New Road, The Flaming Lips, Earl Sweatshirt, Johnny Marr, Deafheaven, Devendra Banhart, Błoto i Zaho de Sagazan. To najbardziej „cool” punkt lata, dla osób, które chcą wiedzieć, czego będziemy słuchać za chwilę, zanim stanie się to oczywiste. ORLEN wspiera wydarzenie jako Sponsor Festiwalu. Chopin i jego Europa. Warszawa w romantycznym nastroju Końcówka sierpnia w Warszawie będzie należeć do klasyki. 22. Międzynarodowy Festiwal Muzyczny Chopin i jego Europa potrwa od 23 sierpnia do 6 września i skupi się wokół twórczości Fryderyka Chopina, jego epoki oraz europejskiego kontekstu romantyzmu. W programie pojawią się wielkie orkiestry symfoniczne z Kanady, Stanów Zjednoczonych i Europy, w tym Pittsburgh Symphony Orchestra, Royal Concertgebouw Orchestra i Orchestre Symphonique de Montréal. To propozycja dla tych, którzy lato lubią kończyć w nieco bardziej wyrafinowanym tonie, z muzyką poza sezonowymi trendami. ORLEN jest Mecenasem Festiwalu. Wratislavia Cantans. Głos, przestrzeń i wielkie nazwiska Od 3 do 13 września Wrocław i Dolny Śląsk będą gospodarzami 61. Międzynarodowego Festiwalu WRATISLAVIA CANTANS im. Andrzeja Markowskiego. W programie znalazły się m.in. koncertowe wersje oper „Samson i Dalila” oraz „Dydona i Eneasz”, a także projekt „Koronacja wenecka 1595”. Na scenach pojawią się Giovanni Antonini, Jerzy Maksymiuk i Daniele Gatti. ORLEN jest Mecenasem Tytularnym Narodowego Forum Muzyki we Wrocławiu. JIMEK i historia polskiego hip-hopu. Ostatni rozdział Choć formalnie to już wrzesień, 12 września warto dopisać do letnio-powakacyjnej mapy muzycznej. Na warszawskim Lotnisku Bemowo odbędzie się ostatnia odsłona projektu „JIMEK – Historia polskiego hip-hopu. Rozdział III Ostatni”. Klasyka polskiego hip-hopu spotka się z orkiestrą symfoniczną, a obok kultowych utworów pojawią się także premierowe kompozycje z producenckiej płyty Jimka. To wydarzenie dla tych, którzy chcą zobaczyć, jak muzyka ulicy, pamięć pokoleniowa i symfoniczny rozmach mogą stworzyć wspólny język. ORLEN jest Partnerem Strategicznym Koncertu. Najlepsze festiwale lata 2026 nie układają się w jeden gatunek, ale w cały wachlarz doświadczeń. Sopot zaprasza na jazz i operę, Poznań na interdyscyplinarną Maltę, Warszawa na muzykę klasyczną, musicale i hip-hop w symfonicznej skali, Katowice na alternatywę, Mrągowo na country, a Wrocław na wielką muzykę wokalną. To lato można więc zaplanować nie według kierunków, ale nastrojów. Jednego weekendu opera pod gwiazdami, kolejnego gitarowy piknik nad jeziorem, a potem OFF Festival, który jak zwykle przypomni, że najciekawsze w muzyce często zaczyna się tam, gdzie kończy się oczywistość. Gdzie się wybierzecie?
IMPACT wraca do Polski. Limp Bizkit, Nettspend i Ecca Vandal zagrają w Krakowie
Po kilku latach przerwy IMPACT — jedno z najbardziej kultowych wydarzeń koncertowych dla fanów mocnych brzmień — wraca na muzyczną mapę Polski. 3 czerwca 2026 roku TAURON Arena Kraków ponownie stanie się miejscem spotkania rockowej i alternatywnej sceny, a headlinerem wydarzenia będzie legendarny Limp Bizkit. Teraz do line-upu dołączają także Nettspend i Ecca Vandal.
IMPACT przez lata przyciągał największe światowe gwiazdy rocka i metalu. Na scenie festiwalu występowali m.in. Black Sabbath, Tool, Rammstein czy Slipknot, a samo wydarzenie na stałe zapisało się w historii polskich koncertów. Powrót imprezy do Krakowa zapowiada się więc jako jedno z najważniejszych muzycznych wydarzeń przyszłego roku. Na tegorocznym koncercie obok Limp Bizkit na scenie pojawi się Nettspend — jeden z najgłośniejszych młodych raperów amerykańskiej sceny trapowej. Artysta pochodzący z Richmond w Virginii błyskawicznie zdobywa popularność, a dziś może pochwalić się już niemal 1,2 miliona miesięcznych słuchaczy na Spotify. Po intensywnych trasach koncertowych i pracy nad debiutanckim albumem Nettspend coraz mocniej zaznacza swoją obecność w świecie alternatywnego rapu. Co ciekawe, jednym z jego najpopularniejszych utworów jest kawałek Impact nagrany wspólnie z xaviersobased — trudno o bardziej symboliczny zbieg okoliczności. Do składu dołącza również Ecca Vandal, artystka znana z bezkompromisowego miksu punka, elektroniki i alternatywnego rocka. Jej debiutancki album z 2017 roku zebrał świetne recenzje — Rolling Stone przyznał mu 4,5 gwiazdki, a „NME” doceniło energię i sceniczny charakter artystki. Ecca koncertowała już u boku takich zespołów jak Queens of the Stone Age, Incubus, The Prodigy, a także… Limp Bizkit. Rok 2026 rozpoczęła z dużym rozmachem — Spotify umieściło ją na liście Artists to Watch 2026, a jej najnowszy singiel Bleach trafił właśnie do serwisów streamingowych. Powrót IMPACT-u zapowiada wieczór pełen nostalgii, mocnych gitarowych brzmień i nowej energii, która pokazuje, że scena alternatywna ma się lepiej niż kiedykolwiek. IMPACT is back! LIMP BIZKIT, NETTSPEND i ECCA VANDAL Już 3 czerwca w TAURON Arena Kraków Bilety na www.LiveNation.pl
Kaśka Sochacka: „Kiedyś to, że jestem wrażliwa, wydawało mi się słabością. Dzisiaj jest moją siłą” [WYWIAD]
Kaśka Sochacka wraca na koncertową mapę lata i zagra na wszystkich przystankach festiwalu Erste Letnie Brzmienia. Z tej okazji rozmawiamy z artystką o emocjach, które zapisuje w piosenkach, wrażliwości, która z czasem stała się jej siłą, i o tym, dlaczego scena wciąż daje jej poczucie wielkiego szczęścia.
Aleksandra Jóźwiak: Czy pamiętasz pierwszą piosenkę, jaką napisałaś i emocje, jakie ci wtedy towarzyszyły? Kaśka Sochacka: Pamiętam moment w dzieciństwie, w którym odkryłam w domu klawisz - organy Unitra Ultra B12. Leżały w sypialni rodziców. To był mój pierwszy kontakt z instrumentem. Niesamowite wrażenie zrobiło na mnie to, że naciśniecie jednego klawisza prowadziło do powstania dźwięku - nie mówiąc już o trzech na raz. Wymyślałam sobie wtedy jakieś swoje pierwsze melodie. A jak wygląda twój proces twórczy dziś? Bardzo różnie. Czasem zaczyna się od jednej myśli, którą zapisuję w notatniku. Niektóre rzeczy od razu się rozwijają, a inne muszą sobie trochę poleżeć i dojrzeć. Bywa, że jest to jedno zdanie, które później rozbudowuję - wtedy w tworzeniu piosenki wychodzę od słów. Czasem z kolei pojawia się melodia. Wtedy odpalam dyktafon i nagrywam coś, co jeszcze nie ma słów, tzn. jest tam jakiś bliżej nieokreślony język, trochę „English pigeon”. Dopiero później podchodzę do tekstu. Są też takie dni, kiedy siadam w domu albo w studiu, odpalam program i zaczynam komponować. Od razu trochę produkuję piosenkę – dodaję bas, jakiś klawisz, gitarę, bębny. Powstaje aranż. Później szukam melodii albo dokładam tekst, który emocjonalnie pasuje do tego, co już stworzyłam. Przeczytałam kiedyś, że masz w szufladzie mnóstwo schowanych tekstów. To prawda? Tak. Mam bardzo dużo wierszy. Kiedyś pisałam przede wszystkim wiersze i myślę, że to o nie chodziło w tych wypowiedziach. Niektóre z nich przerobiłam później na piosenki, inne zostały po prostu wierszami i pewnie już nimi zostaną. Obecnie dużo piszę i czasem sama nie wiem, czy to już jest piosenka, czy jeszcze wiersz. Jedno bardzo płynnie przechodzi w drugie. Potencjalna piosenka nagle staje się wierszem i odwrotnie. Ale do samego pisania zawsze było mi bardzo blisko. Masz w tym wszystkim jakąś rutynę? Wyznaczone momenty, kiedy siadasz i pracujesz? Nie mam rutyny, raczej chwytam momenty, w których coś do mnie przychodzi albo mnie inspiruje i wtedy zaczynam działać. Wyjątek stanowi czas, kiedy jestem w procesie tworzenia konkretnego materiału – tak było przy ostatnich miesiącach pracy nad każdą płytą – wtedy pracuje codziennie, wiem, że muszę usiąść i pisać teksty, a piosenki śnią mi się po nocach. Twoje teksty są bardzo osobiste. Czy muzyka jest dla ciebie formą terapii? Nie da się ukryć, że trochę tak jest. Za każdym razem, kiedy siadam do pisania, jestem zaskoczona tym, co ze mnie wychodzi. I bywają momenty, kiedy tego po prostu nie lubię. Czyli brzmi trochę jak terapia. Trochę tak. A później pojawia się wstyd. Myślę sobie: „Boże, przecież to jest o mnie”. Stresuje mnie taki ekshibicjonizm emocjonalny. Ale potem powoli wykluwa się odwaga i jestem gotowa wziąć to wszystko na klatę. Czuję się przez to silniejsza. Nigdy nie napisałam czegoś, co byłoby oderwane ode mnie, wszystko co w piosenkach, mam w sobie. Czasem mieszam wersy, czasem układam je trochę jak w Tetrisie, ale to nadal są moje prawdziwe emocje i z każdą z nich muszę się jakoś ułożyć, co nie jest od razu takie proste. A jak się czujesz z tym, że twoje osobiste doświadczenia stają się dla innych językiem do opowiadania własnych emocji? Niesamowicie. To pokazuje, że w tym, co przeżywamy, nie jesteśmy samotni, przydarzają nam się podobne rzeczy. Skala może być inna, okoliczności też, ale emocje są uniwersalne. Dotarło to do mnie po pierwszej płycie. Po występach wychodziłam podpisywać płyty i bardzo często przy tym krótkim spotkaniu pojawiała się chwila rozmowy, a z nią - konkretna, ludzka historia. To było niezwykłe, bo z jednej strony spotykają się przecież obcy sobie ludzie, a z drugiej - przez wzgląd na wrażliwość - jakoś jednak sobie bliżsi. Wydajesz się osobą bardzo wrażliwą. Jak taka wrażliwość odnajduje się w wymagającym świecie, jakim jest branża muzyczna? Myślę, że pomaga mi dystans. Jeszcze zanim zaczęło się to wszystko dziać, słyszałam dużo historii o branży i o tym, że razem z sukcesami pojawiają się też trudniejsze rzeczy. Pamiętam, że pewnego wieczoru w Jazzboy, kiedy zaczynałam, Kortez powiedział mi coś bardzo ważnego – że muszę zadbać o własne BHP, bo nikt tego za mnie nie zrobi. I jestem mu za to ogromnie wdzięczna. To było ważne ostrzeżenie i cenna wskazówka. Mam też poczucie, że to wszystko wydarzyło się w dobrym momencie mojego życia. Kiedy skończyłam trzydziestkę, byłam bardziej świadoma siebie, miałam konkretny system wartości. Wcześniej też pojawiały się różne szanse, ale często intuicyjnie się z nich wycofywałam. Dzisiaj myślę, że po prostu nie byłam wtedy gotowa. Czyli wszystko wydarzyło się w swoim czasie. Tak. W idealnym. Powiedziałaś kiedyś, że różni ludzie wydobywają z nas różne wersje siebie. Czy muzyka wydobyła z ciebie jakąś wersję, której wcześniej nie znałaś? Muzyka definiuje mnie od lat. W życiu zmienia się wszystko – miejsca, relacje, etapy – a ona od zawsze była moją stałą, moim azymutem. Ale przez ostatnie pięć lat faktycznie poznałam inną wersję siebie. I bardzo ją lubię. To jest wersja, która ma w sobie więcej beztroski, bo mogę robić to, co kocham. To ogromne szczęście budzić się rano i naprawdę chcieć robić rzeczy. Czasem wieczorem nie mogę się doczekać poranka, bo mam koncert albo idę do studia robić coś, czym bardzo się jaram. Wspomniałaś wcześniej o wstydzie, który czasem pojawia się przy pisaniu. Czy są jeszcze emocje, których nie opowiedziałaś w swoich piosenkach? Całe mnóstwo. A jest coś, co kiedyś uważałaś za swoją słabość, a dziś widzisz w tym siłę? Jestem bardzo czuła na emocje innych ludzi, chłonę je jak gąbka. Jestem przykładem „people pleasera”. Wchodzę w emocje głębiej, niż to wygodne. W związku z tym więcej i mocniej przeżywam. Kiedyś wydawało mi się, że to moja słabość. Dzisiaj myślę, że to siła. Oczywiście, że nadal zdarza mi się zawstydzić, kiedy napiszę wers, który za bardzo mnie odsłania. Ale nie wstydzę się już samej swojej wrażliwości, tego, że mnie coś porusza bardziej, że jestem w tym delikatna. Czego nauczyły cię relacje z innymi ludźmi? Na pewno tego, że przy każdym człowieku jesteśmy trochę inną wersją siebie. Przez ostatnie lata poznałam mnóstwo ludzi i każda z tych relacji czegoś mnie o sobie samej nauczyła. Nauczyłam się też asertywności i stawiania granic. Mam też spory problem z podejmowaniem decyzji, ale dowiedziałam się, że na pewno wiem, czego nie chcę. A to już bardzo dużo. Nauczyłam się też słuchać intuicji. Mam poczucie, że ona nigdy mnie nie zawiodła. To taki cichy głos, który łatwo zagłuszyć, ale warto się go trzymać. Ufasz sobie? Staram się. Chociaż jestem osobą, która bardzo dużo analizuje. Ostatnio jednak szukam w sobie większej odwagi, bo podążanie za intuicją często prowadzi właśnie tam, gdzie trzeba być odważnym. Nadal uważasz, że największą wartością sztuki jest to, że zbliża ludzi? Tak. Najlepiej, gdy zbliża nas do samych siebie. Piękne jest to, że ktoś może usłyszeć piosenkę i nagle coś zrozumieć, coś sobie wybaczyć albo poczuć potrzebę zmiany. To są bardzo mocne rzeczy. Kiedy wypuszczam piosenki, one przestają należeć tylko do mnie. Dla mnie to zamknięte historie, które później zaczynają żyć własnym życiem w innych ludziach. To jest magia. Przed tobą intensywny sezon koncertowy. Jak dbasz o siebie w takim czasie? Miałam kilka miesięcy przerwy, bardzo tego potrzebowałam. W zeszłym roku byłam mocno przebodźcowana, dużo się działo i musiałam złapać oddech. Pierwszy koncert po tej przerwie był dla mnie ogromną niewiadomą. Bałam się nawet tego, czy nadal będę się dobrze czuła na scenie. Ale okazało się, że tęskniłam za tym bardziej, niż myślałam. Dziś staram się dbać o to swoje BHP – wysypiać się, dobrze jeść, nie pędzić na złamanie karku. To brzmi banalnie, ale naprawdę działa. Kiedy regularnie śpię, chodzę na pilates, ćwiczę i dobrze się odżywiam, to nagle mam więcej energii, lepiej się czuję i inaczej myślę. Przez ostatnie pięć lat żyłam właściwie w ciągłym biegu i twórczym szale. To było piękne, ale nie było tam za dużo miejsca na odpoczynek. Co czuje wrażliwa osoba, która wychodzi na scenę i słyszy tłum śpiewający jej bardzo osobiste teksty? Pamiętam pierwszy koncert po przerwie. Leciało intro, muzycy wychodzili na scenę, a ja stałam jeszcze z boku i miałam flashback do momentu, kiedy siedzę w domu w dresach i komponuję kolejne motywy na syntezatorze, wyobrażając sobie, jak to kiedyś będzie brzmiało i wyglądało. W tamtym czasie był u mnie tata, pomagał przy remoncie. Pewnego wieczoru puściłam mu to intro na słuchawkach i byłam ciekawa jego reakcji. Nagrałam jak się kołysze i mówi „no, super, podoba mi się!”. I nagle jesteśmy kilka miesięcy później i to się naprawdę dzieje. Intro wybrzmiewa na sali koncertowej, mój zespół wychodzi na scenę… No i tata też to słyszy z tych wielkich głośników… Wychodzę, zaczynam śpiewać i słyszę ludzi śpiewających moje piosenki. Jakie to uczucie? Olbrzymie szczęście. Wdzięczność. Wzruszenie. Bo zdaje sobie sprawę, że równie dobrze mogłabym przecież śpiewać te same piosenki dla pięciu osób albo dla nikogo. Istnieją takie alternatywne rzeczywistości. Cieszę się, że jestem właśnie w tej. A co dziś daje ci największe poczucie spokoju? Dom. Rodzina. Bliscy. To tam wszystko zwalnia i nagle głowę zajmują proste, spokojne rzeczy. Chociaż kiedy jestem w wirze koncertów, to bywa to tak ekscytujące, że powrót do domu potrafi być trudny. Ale kiedy wszystkiego jest za dużo, dom działa jak coś, co mnie otula. A chyba właśnie tego najbardziej potrzebujemy – żeby czasem coś nas po prostu utuliło. Trudno wrócić z życia w trasie do codzienności? Na początku było bardzo trudno. Nigdy nie zapomnę trasy z Kortezem. Zaśpiewałam wtedy po raz pierwszy „Wiśnię” podczas sześciu koncertów z rzędu a kiedy wróciłam do domu, kompletnie nie wiedziałam, co się ze mną dzieje. Następnego dnia spałam chyba do szesnastej, co nigdy mi się nie zdarza To nie chodziło nawet o ciało, tylko bardziej o głowę. Człowiek nadal jest tam, na scenie, mimo że fizycznie już wrócił do domu. Dzisiaj chyba już lepiej sobie z tym radzę. Potrafię znowu naprawdę być w domu.
Orange Warsaw Festival 2026: dwa dni muzycznych emocji, światowe i polskie gwiazdy i 17. edycja jednego z największych festiwali w Polsce
29 i 30 maja Tor Służewiec ponownie stanie się muzycznym sercem Warszawy. Orange Warsaw Festival wraca z imponującym line-upem, który łączy największe nazwiska światowej sceny, najmocniejsze głosy nowego pokolenia i kluczowych artystów polskiej muzyki. W programie 17. edycji znalazły się koncerty m.in. Lewisa Capaldiego, FKA twigs, Olivii Dean, Blood Orange, Dominica Fike’a, Loyle’a Carnera czy TV Girl. Po ubiegłorocznej frekwencji sięgającej 50 tysięcy uczestników wszystko wskazuje na to, że Orange Warsaw Festival 2026 ponownie będzie jednym z najważniejszych wydarzeń muzycznych tej wiosny.
Orange Warsaw Festival 2026 zapowiada jedną z najmocniejszych edycji w historii Warszawa po raz kolejny stanie się obowiązkowym przystankiem na festiwalowej mapie Europy. Już za kilka dni, 29 i 30 maja Tor Wyścigów Konnych Służewiec zamieni się w przestrzeń spotkań muzyki, kultury i miejskiej energii. Orange Warsaw Festival, który od lat buduje pozycję jednego z najważniejszych i najbardziej nowoczesnych festiwali muzycznych w Polsce, wraca z line-upem, który śmiało łączy pop, alternatywę, rap, elektronikę i artystyczne eksperymenty. Po sukcesie ubiegłorocznej edycji, która zgromadziła 50 tysięcy uczestników, organizatorzy stawiają jeszcze mocniej na międzynarodowy format wydarzenia i artystów definiujących współczesną scenę muzyczną. 29 maja: Lewis Capaldi, Dominic Fike, TV Girl i Pezet Pierwszy dzień festiwalu otworzy line-up, który zadowoli zarówno fanów wielkich stadionowych emocji, jak i alternatywnych brzmień. Na Orange Stage wystąpi Lewis Capaldi – szkocki wokalista, którego poruszające ballady i niezwykle emocjonalne koncerty od lat przyciągają miliony słuchaczy na całym świecie. Autor „Someone You Loved” wraca w doskonałym momencie kariery, po premierze EP-ki Survive i nowego singla „Stay Love”. Obok niego pojawi się Dominic Fike, jeden z najbardziej nieoczywistych i wszechstronnych artystów młodego pokolenia. Łączący pop, indie i hip-hop muzyk, znany także z serialu Euphoria, zagra swój dotąd jedyny ogłoszony koncert w Europie – co czyni jego obecność jednym z najmocniejszych punktów programu. Na scenie zobaczymy również TV Girl, amerykański zespół, który od lat buduje wierną publiczność dzięki nostalgicznej mieszance alternatywy z francuskim vintage-popem i soulem z południowej Kalifornii. Polskim akcentem na głównej scenie będzie Pezet – legenda rodzimego rapu i jeden z najważniejszych artystów współczesnej sceny hip-hopowej. Na Warsaw Stage pojawią się: Sarah Julia, Livka, Kasia Lins, Alessi Rose oraz Kaz Bałagane – artyści reprezentujący nową falę polskiej i międzynarodowej alternatywy, indie i rapu. 30 maja: Olivia Dean, FKA twigs, Blood Orange i Jan-rapowanie Drugi dzień festiwalu zapowiada się równie imponująco. Na Orange Stage wystąpi Olivia Dean, jedna z największych brytyjskich gwiazd ostatnich lat. Od premiery albumu Messy konsekwentnie buduje międzynarodową pozycję, a jej połączenie soulu, popu i subtelnej emocjonalności sprawiło, że stała się jedną z najbardziej wyczekiwanych artystek tegorocznej edycji. Na scenie pojawi się także FKA twigs – jedna z najbardziej wyrazistych i nieoczywistych artystek współczesnej sceny. Brytyjska wokalistka, producentka i performerka od lat łączy alternatywne R&B, elektronikę i sztukę wizualną. Po albumach LP1 i Magdalene, w 2025 roku powróciła z wydawnictwami EUSEXUA i EUSEXUA Afterglow. Jej hipnotyzujące koncerty uznawane są za jedne z najbardziej wyjątkowych doświadczeń współczesnej muzyki. Wyjątkowym wydarzeniem będzie również występ Blood Orange, czyli projektu Deva Hynesa. To pierwszy koncert artysty w Polsce, co czyni ten punkt programu jednym z najbardziej ekskluzywnych momentów całego festiwalu. Jego twórczość od lat przenika świat alternatywy, R&B, elektroniki i nowoczesnego popu. Skład uzupełni Jan-rapowanie, jeden z najmocniejszych głosów młodego polskiego hip-hopu. Na Warsaw Stage wystąpią Loyle Carner, bbno$, Sokół, Daniel Godson oraz Ganna – artyści reprezentujący różne estetyki: od introspektywnego rapu, przez hip-hop, po nowoczesny soul i eksperymentalne brzmienia. Międzynarodowe gwiazdy i mocna reprezentacja polskiej sceny 17. edycja Orange Warsaw Festival po raz kolejny pokazuje, że siłą wydarzenia pozostaje balans między globalnymi headlinerami a artystami, którzy definiują lokalną scenę. Obok światowych nazwisk publiczność usłyszy także mocnych reprezentantów z Polski: Pezeta, Sokoła, Jan-rapowanie, Kasię Lins, Kaz Bałagane i Livkę – twórców, którzy wyznaczają dziś kierunki w rodzimym rapie, alternatywie i muzyce autorskiej. Tegoroczny line-up łączy muzyczne osobowości, świeżość i artystyczną różnorodność. Orange Warsaw Festival od lat wyróżnia się nie tylko mocnym line-upem, ale także nowoczesnym podejściem do organizacji wydarzenia. Festiwal pozostaje jednym z najbardziej dostępnych muzycznych eventów w Europie, stawiając na bezpieczeństwo, inkluzywność i rozwiązania, dzięki którym każdy może w pełni korzystać z koncertów i festiwalowej atmosfery. Po 50 tysiącach uczestników w 2025 roku wszystko wskazuje na to, że 17. edycja OWF ponownie zamieni Warszawę w centrum muzycznych emocji i jedno z najważniejszych miejsc na europejskiej mapie festiwalowej tej wiosny.
Natalia Grosiak, BELA i Kathia jako Babie Lato 2026. Premiera singla „Dwa słońca”
Babie Lato powraca z nowym składem i nową muzyczną energią. Natalia Grosiak, BELA i Kathia łączą folkową wrażliwość, alternatywny charakter i żywe instrumenty w projekcie, który stawia na autentyczność, współtworzenie i emocje. Pierwszym zwiastunem tegorocznej odsłony jest singiel „Dwa słońca” – poetycki manifest o wychodzeniu ku światłu, sprawczości i kobiecej sile.
Babie Lato od początku swojego istnienia było czymś więcej niż muzycznym projektem specjalnym festiwalu Erste Letnie Brzmienia. To przestrzeń kobiecej współpracy, eksperymentowania z brzmieniem i budowania artystycznej wspólnoty. Każda edycja projektu przynosi nowy skład, nową estetykę i świeże spojrzenie na współczesną polską scenę muzyczną. W 2026 roku Babie Lato tworzą Natalia Grosiak, BELA i Kathia – artystki reprezentujące trzy różne muzyczne światy, które spotykają się na styku folkowej czułości i alternatywnego pazura. Pierwszym efektem tej współpracy jest singiel Dwa słońca, otwierający czwartą odsłonę projektu. Utwór powstał podczas wspólnego campu kompozycyjnego i od początku miał być efektem kolektywnego procesu twórczego. To muzyka oparta na relacji, emocjach i współbrzmieniu wokali, a jednocześnie świadomy zwrot w stronę organicznego grania i tworzenia offline – w kontrze do coraz bardziej zautomatyzowanej rzeczywistości i muzyki generowanej przez sztuczną inteligencję. Singiel Dwa słońca balansuje między współczesnym romantyzmem a subtelną kosmiczną symboliką. Brzmieniowo utwór czerpie z baroque popu, wykorzystując aranżacje oparte na instrumentach smyczkowych i dętych. Całość została wyprodukowana przez Jana Biedziaka, który nadał projektowi spójne, ciepłe i organiczne brzmienie. To utwór jednocześnie czuły i wyrazisty – muzyka „do otulania i do tańczenia”. View oEmbed on the source website Współtworzenie pozostaje jednym z najważniejszych elementów Babiego Lata. Tegoroczna odsłona jeszcze mocniej stawia na autentyczność, wspólnotę i kobiecą obecność na scenie – również w warstwie wykonawczej. Podczas koncertów artystkom towarzyszyć będzie zespół złożony niemal wyłącznie z instrumentalistek. Babie Lato 2026 będzie można usłyszeć na żywo podczas pięciu koncertów w ramach trasy Erste Letnie Brzmienia. Artystki zaprezentują autorski materiał oraz nowe aranżacje wybranych polskich i zagranicznych utworów, dopasowane do tegorocznej estetyki projektu. Babie Lato po raz kolejny pokazuje, że siła kobiecej współpracy może stać się jednym z najciekawszych głosów współczesnej polskiej muzyki – czułym, świadomym i wybrzmiewającym na własnych zasadach. Tegoroczna edycja Erste Letnie Brzmienia ponownie odwiedzi Kraków, Warszawę, Gdańsk, Wrocław i Poznań. W line-upie znaleźli się m.in. Kaśka Sochacka, Vito Bambino, Mrozu, Ralph Kaminski, Natalia Szroeder, Julia Wieniawa czy Ewa Farna. Na scenie pojawią się również projekty specjalne, w tym Brodka z projektem Brodka gra Grandę oraz Grzegorz Turnau z orkiestrą symfoniczną. Harmonogram Erste Letnie Brzmienia 2026: 24-25 lipca – Kraków 7-8 sierpnia – Warszawa 21-22 sierpnia – Gdańsk 28-29 sierpnia – Wrocław 4-5 września – Poznań Karnety oraz bilety jednodniowe są dostępne na stronie www.ersteletniebrzmienia.pl Organizatorem festiwalu Erste Letnie Brzmienia 2026 jest agencja Good Taste Production. Sponsor tytularny: Erste Bank Polska. Sponsorzy główni: Mastercard, Somersby. Patroni medialni: ELLE, RMF, KMag, Onet.
Warszawa zatańczy inaczej. Circoloco przywozi do Wilanowa nową odsłonę kultury rave
Matcha zamiast energetyka, barokowy pałac zamiast ciemnego klubu i muzyka elektroniczna od wczesnego popołudnia aż po wschód słońca. Circoloco już 9 maja zamieni Wilanów w jedną z najbardziej nieoczywistych imprezowych przestrzeni tej wiosny - gdzie klubowy rytm spotka się z estetyką dnia.
Jeszcze kilka lat temu kultura rave kojarzyła się głównie z nieprzespanymi nocami, tłumem dwudziestolatków i imprezami kończącymi się o świcie. Dziś coraz częściej mówi się o czymś zupełnie innym - o tańcu jako formie resetu, emocjonalnego uwolnienia i sposobie na odzyskanie kontaktu ze sobą. Dlatego wydarzenie Circoloco Warsaw 2026, które już 9 maja odbędzie się w Pałacu w Wilanowie, może okazać się jednym z najbardziej interesujących lifestyle’owych eventów tej wiosny. Bo to nie będzie „zwykła techno impreza”. To bardziej day-to-night experience inspirowane Ibizą - z muzyką, kawą specialty, matchą, zachodem słońca i tańcem pod barokowym pałacem. Jako ELLE Polska objęliśmy to wydarzeniem patronatem medialnym. Kiedy rave zaczyna się w świetle dnia <img src="https://images.immediate.co.uk/production/volatile/sites/64/2025/09/GettyImages-2207847113-50f6772.jpg" width="2121" height="1414" alt="A close-up of a green matcha latte in a pastel pink paper cup placed on a natural woven placemat, lit by soft sunlight. The image captures cozy, slow-living aesthetics and mindful lifestyle choices, perfect for themes like sustainability, wellness, outdoor cafés, and modern minimalism." title="Matcha Latte in Pink Cup on Woven Placemat Outdoors" /> Ciepłe popołudnie, muzyka, która powoli się rozkręca, ulubiona kawa albo matcha w ręku i przestrzeń, w której nic nie jest narzucone z góry. Tak właśnie wygląda nowy rytm imprezowania, który coraz częściej zastępuje nocny chaos. Circoloco startuje o 16:00 - i od tego momentu wszystko jest już wyborem, nie obowiązkiem. Możesz wejść na chwilę i zniknąć jak Kopciuszek o północy. Możesz zostać do rana, jeśli masz na to energię. Możesz po prostu przyjść, posłuchać dobrej muzyki z dobrych głośników i zobaczyć, jak dzień powoli zmienia się w noc nad Wilanowem. Bo tu nie chodzi o „wytrzymanie imprezy”, tylko o to, jak chcesz ją przeżyć. Nie ma presji, nie ma jednego scenariusza, nie ma momentu, w którym „trzeba zostać”. Jest za to przestrzeń, światło, zachód słońca i muzyka, która naturalnie przechodzi przez cały dzień. I właśnie w tym tkwi nowa definicja rave - mniej ekstremum, więcej doświadczenia. Muzyka jako reset, nie ucieczka. Dlaczego nowa odsłona rave’u coraz mocniej trafia w potrzeby kobiet 35+ W tym nowym podejściu do kultury rave zmienia się nie tylko godzina startu czy format wydarzenia, ale też to, z jaką intencją na nie przychodzimy. Coraz mniej chodzi o „nocne zniknięcie” i intensywność do granic, a coraz bardziej o doświadczenie, które daje przestrzeń na oddech, emocje i bycie tu i teraz - bez przebodźcowania i presji. Właśnie dlatego ta łagodniejsza, daylightowa odsłona rave’u tak wyraźnie rezonuje z kobietami 35+. To moment, w którym zmienia się sposób spędzania czasu - nie ma już potrzeby udowadniania wytrzymałości czy „bycia do rana”. Zamiast tego pojawia się wybór: muzyka jako forma resetu, świadomego odpoczynku i odzyskiwania energii w rytmie, który nie wyrywa z codzienności. Taniec i muzyka elektroniczna zaczynają pełnić funkcję bliższą dobrostanowi niż eskapizmowi. To przestrzeń, w której można być w ruchu, ale bez presji intensywności - i właśnie ta równowaga sprawia, że nowy model rave’u staje się coraz bardziej atrakcyjny dla dojrzałych odbiorczyń kultury klubowej. Wilanów - polski Wersal i królewska scena życia Pałac w Wilanowie zmieni się na jeden dzień w jedną z najbardziej nieoczywistych scen muzyki elektronicznej w Warszawie. Ale nie będzie to jego debiut - to miejsce od wieków funkcjonuje jako przestrzeń spotkań, widowisk i dużych emocji. Już 9 maja jego dziedziniec i otoczenie przejmie Circoloco, zamieniając barokową rezydencję w tło dla współczesnej kultury rave. I choć brzmi to jak mocny kontrast, Wilanów od zawsze łączył estetykę z życiem towarzyskim i wydarzeniami na dużą skalę. Pałac powstał pod koniec XVII wieku jako letnia rezydencja króla Jana III Sobieskiego i Marii Kazimiery. Zaprojektowany w stylu barokowym szybko zyskał miano „polskiego Wersalu” - nie tylko ze względu na architekturę, ale też na sposób, w jaki funkcjonował. To nie była wyłącznie królewska rezydencja do podziwiania. Wilanów tętnił życiem dworu: odbywały się tu uczty, bale, spotkania dyplomatyczne i wydarzenia, które łączyły politykę z rozrywką i dworskim rytuałem. Był miejscem, w którym elity epoki spotykały się nie tylko po to, by rozmawiać o sprawach państwa, ale też by uczestniczyć w życiu towarzyskim na najwyższym poziomie. Ogrody, które dziś są jedną z najbardziej rozpoznawalnych przestrzeni Warszawy, już wtedy pełniły funkcję sceny - spacerów, spotkań i widowisk, które były integralną częścią życia królewskiego dworu. Wilanów od początku był więc miejscem doświadczenia, nie tylko reprezentacji. I właśnie dlatego dziś (mimo sprzeciwu części mieszkańców) tak naturalnie wraca w tej roli - jako przestrzeń, która znów staje się sceną, tym razem dla muzyki, światła i współczesnej kultury elektronicznej. Festiwal Circoloco Circoloco od lat działa jak kurator, nie jak klasyczny organizator imprez. Urodzone na Ibizie, w legendarnym DC-10, od początku było czymś więcej niż tylko cyklem imprez - raczej ruchem, który eksportuje nie tylko muzykę, ale też sposób jej doświadczania. I to właśnie dlatego Circoloco tak mocno przywiązuje wagę do miejsc. Oprócz Ibizy, marka pojawiała się w starannie wybranych lokalizacjach na całym świecie - zawsze tam, gdzie przestrzeń może stać się częścią narracji wydarzenia. W Nowym Jorku przejmowała industrialne hale i przestrzenie postfabryczne, w Miami wchodziła w klimat surowych, miejskich lokalizacji związanych z kulturą artystyczną, a w Londynie czy Paryżu pojawiała się w dużych, nieoczywistych venue’ach, które bardziej przypominają instalacje niż klasyczne kluby. Były też edycje w Mediolanie, Amsterdamie, Tel Awiwie czy Tokio - często w przestrzeniach, które same w sobie mają „architektoniczny ciężar”. Wspólny mianownik jest zawsze ten sam: nie chodzi o adres, tylko o atmosferę. Circoloco nie przenosi formatu 1:1 - ono dopasowuje się do miejsca i pozwala, żeby miejsce dopasowało się do muzyki. View oEmbed on the source website Kto zagra w Wilanowie na Circoloco Warsaw 2026? Line-up Circoloco w Warszawie to nazwiska dobrze znane fanom elektroniki: Honey Dijon Carlita PAWSA Bedouin Job Jobse Prospa To artyści, którzy reprezentują różne odcienie współczesnej sceny klubowej - od house’u po bardziej melodyjne, przestrzenne brzmienia. Co daje gwarancje, że każdy znajdzie tu coś dla siebie. View oEmbed on the source website Circoloco Warsaw 2026. Warszawa zatańczy inaczej Circoloco w Wilanowie nie jest tylko kolejnym eventem w kalendarzu imprez. To sygnał, że kultura klubowa wchodzi w nową fazę - bardziej otwartą, bardziej inkluzywną i bardziej lifestyle’ową. A Warszawa? Tym razem naprawdę zatańczy inaczej - w świetle dnia, pod barokowym niebem Wilanowa. Bilety do nabycia na stronie organizatora: www.awakeevents.com/circoloco
Taco Hemingway rusza w trasę. „LATARNIE WSZĘDZIE DAWNO ZGASŁY” już w maju na PGE Narodowym
Najnowszy album Taco Hemingwaya, wydany niespodziewanie pod koniec ubiegłego roku, dał mu pierwsze miejsce w światowym rankingu Spotify Debut Global. Z kolei bilety na trasę „LATARNIE WSZĘDZIE DAWNO ZGASŁY” wyprzedały się na tyle szybko, że do koncertowego harmonogramu dołączono dodatkowy termin – 22 maja w Warszawie.
Filip Szcześniak nieprzerwanie od ponad 10 lat kształtuje rapową scenę i jest jednym z najbardziej wpływowych artystów hip-hopowych w Polsce. Słynie z mocnych, literackich tekstów, a w jego utworach często przejawiającym się tłem jest Warszawa. Choć letnie premiery albumów Taco zdążyły już wpisać się w tradycję, tym razem (ku zaskoczeniu wszystkich) w grudniu zeszłego roku, tuż przed świętami, ukazała się płyta „LATARNIE WSZĘDZIE DAWNO ZGASŁY” – niczym nieoczekiwany bożonarodzeniowy prezent dla fanów. Świąteczny prezent od Taco Hemingwaya „LATARNIE WSZĘDZIE DAWNO ZGASŁY” to pełna napięcia, liryczna podróż, osadzona, podobnie jak wcześniejsze produkcje, w warszawskiej scenerii. Album wybrzmiewa charakterystycznym dla Filipa stylem: intymnym, podszytym goryczą i właśnie dlatego tak intrygującym. Jednym z najmocniej wybrzmiewających utworów na płycie jest „ZAKOCHAŁEM SIĘ POD APTEKĄ”, który od premiery konsekwentnie podbija streamingi i szybko stał się viralem. Majowa trasa Taco Hemingwaya: drugi termin w Warszawie Ogłoszenie trasy koncertowej było tylko kwestią czasu. Podobnie jak przy poprzednich wydarzeniach organizowanych przez rapera, bilety rozeszły się błyskawicznie – mimo że wybrano miejsca, które mogły pomieścić naprawdę dużą publiczność, w tym PGE Narodowy. W odpowiedzi na ogromne zainteresowanie organizatorzy zdecydowali się dodać jeszcze jeden termin w Warszawie. Tym samym 22 maja to ostatnia data, na którą bilety są jeszcze dostępne. To wyjątkowa okazja, by usłyszeć materiał z płyty „LATARNIE WSZĘDZIE DAWNO ZGASŁY” na żywo – i to od razu na największym stadionie w Polsce. Trudno też o lepsze miejsce do słuchania Taco Hemingwaya niż Warszawa, czyli miasto, w którym rozgrywa się większość jego lirycznych opowieści. Ostatnie dostępne bilety na 2026 †††OUR, na koncert 22 maja na PGE Narodowym, można znaleźć w serwisie eBilet.pl. Partnerem wydarzenia jest PGE Narodowy.
Miuosh, Jakub Józef Orliński, Krzysztof Zalewski, Ralph Kaminski, Igo, Natalia Szroeder i Zespół „Śląsk” na jednej scenie - 20 czerwca w Katowicach
Już 20 czerwca Arena Katowice zamieni się w największą salę koncertową w Polsce – tego dnia fani usłyszą projekt „Pieśni Współczesne – Antologia” w wyjątkowej, niepowtarzalnej odsłonie. Na jednej scenie wystąpią - producent i raper - Miuosh, Zespół „Śląsk” oraz plejada polskich artystów, w tym Krzysztof Zalewski, Igo, Ralph Kaminski, Jakub Józef Orliński i Natalia Szroeder.
Wielki finał muzycznej opowieści Projekt „Pieśni Współczesne – Antologia” to wydarzenie o imponującej skali – po raz pierwszy i ostatni obie części projektu zostaną wykonane tego samego dnia, przed tą samą publicznością. Połączenie odległych muzycznych światów Współpraca Miuosha z Zespołem „Śląsk” zaczęła się w naturalny sposób – od wspólnego występu w 2019 roku podczas spektakularnego koncertu „Scenozstąpienie” na Stadionie Śląskim w Chorzowie, który zgromadził kilkadziesiąt tysięcy widzów. To wtedy zetknęły się dwa z pozoru odległe muzyczne światy, połączone wspólną wrażliwością na opowieść o miejscu, z którego pochodzą. Tak powstała idea „Pieśni Współczesnych” – muzycznej opowieści inspirowanej folklorem, historią i mitologią Śląska. Zespół „Śląsk” – kwintesencja śląskiej kultury Ogromną rolę w projekcie odgrywa blisko stuosobowy skład Zespołu – chórzyści, soliści, muzycy orkiestry oraz zaplecze techniczne. To nie tylko koncert, ale pełnoprawna produkcja artystyczna łącząca muzykę, ruch sceniczny, wizualizacje i nowoczesną scenografię. Utwór „Doliny” był pierwszą wspólną muzyczną historią Miuosha i Zespołu „Śląsk” i powstał we współpracy z kontratenorem Jakubem Józefem Orlińskim, który również wystąpi w Katowicach. Wielkie głosy polskiej muzyki i ponad 130 artystów na jednej scenie 20 czerwca na scenie Areny Katowice wystąpi ponad 130 muzyków i wokalistów. Obok Miuosha i Zespołu „Śląsk” usłyszymy m.in.: Krzysztofa Zalewskiego, Kwiat Jabłoni, Pawła Domagałę, Ralpha Kaminskiego, Kayah, Natalię Szroeder, Błażeja Króla, Natalię Grosiak, Igora Herbuta, Igo, Laboratorium Pieśni, Macieja Musiałowskiego, Tomasza Organka, Julię Pietruchę, Dawida Tyszkowskiego, Wiktora Waligórę oraz Piotra Ziołę. „Pieśni Współczesne” to projekt, który fascynuje opowieściami o tożsamości, korzeniach i miłości. Ale to także prawdziwa artystyczna podróż, której kulminacją są „Pieśni Współczesne – Antologia”. To wydarzenie, które może stać się jednym z najważniejszych momentów muzycznych roku – nie tylko dla fanów Miuosha, ale dla wszystkich, którzy w muzyce szukają czegoś więcej niż tylko dźwięków. Bilety na koncert dostępne są na eBilet.pl, a ceny zaczynają się już od 138,90 zł. Wydawca albumów: Fandango Records Partnerzy: Urząd Marszałkowski Województwa Śląskiego, Miasto Katowice, Zespół Śląsk, FDGREC, Ladidadi
Legendarny duet jazzu w Polsce - Brad Mehldau i Christian McBride zagrają w katowickim NOSPR
29 marca 2026 roku w katowickim NOSPR, w ramach cyklu Jazz One Night, na jednej scenie spotkają się dwie ikony współczesnego jazzu - Brad Mehldau i Christian McBride. To będzie ich jedyny koncert w Polsce i jedno z tych wydarzeń, o których mówi się jeszcze długo po wybrzmieniu ostatniego dźwięku.
Ich muzyczna relacja to historia trwająca ponad trzy dekady - oparta na zaufaniu, intuicji i wspólnej wrażliwości. Christian McBride nie bez powodu nazywany jest jednym z najbardziej innowacyjnych muzyków współczesnego jazzu. Brad Mehldau przyznaje, że wspólne występy z McBride’em to dla niego spełnienie artystycznych marzeń - balansujące między radością a onieśmieleniem. Ich dialog na scenie to połączenie wyrafinowania, emocjonalnej siły i swobody, która zdarza się tylko między artystami tej klasy. Efektem tej wieloletniej przyjaźni i muzycznej bliskości są wspólne projekty, które już dziś należą do kanonu współczesnego jazzu - od MoodSwing po RoundAgain i LongGone, nagrane z Joshua Redman i Brian Blade. Koncert w Katowicach jest częścią europejskiej trasy i jedyną okazją, by usłyszeć ten duet na żywo w Polsce w 2026 roku. Organizatorem wydarzenia jest Jazz One Night — agencja koncertowa specjalizująca się w kreowaniu prestiżowych wydarzeń promujących szeroko pojętą muzykę jazzową. Jak podkreśla Jacek Sołkiewicz, dyrektor artystyczny cyklu, celem jest tworzenie wydarzeń, które łączą muzykę z innymi dziedzinami sztuki i zostają z publicznością na długo. I wszystko wskazuje na to, że marcowy wieczór w NOSPR będzie właśnie takim momentem - intymnym, intensywnym i absolutnie nie do powtórzenia. Bilety na koncert są dostępne w sprzedaży na stronie NOSPR, a także w serwisie Bilety24.pl.